LAS GOLONDRINAS DE KABUL----YASMINA KHADRA-

Las golondrinas de Kabul.
Yasmina Khadra.

Alianza Editorial.


                    "Las tierras afganas no son sino campos de batalla, arenales y cementerios. Las oraciones se desmigajan entre la furia de la metralla, los lobos aúllan a la muerte todas las noches; y el viento cuando se alza, traspasa la salmodia de los mendigos al graznido de los cuervos.
                     Todo tiene un aspecto abrasado, fosilizado; es como si un indecible sortilegio le hubiera fulminado. La cuchilla de la erosión araña, desincustra, purga, pavimenta el suelo necrótico, levantando con total impunidad las estelas de su tranquila fuerza. Luego, sin previo aviso, al pie de las montañas que el aliento de la incandescencia depila rabiosamente, aparece Kabul o lo que de ella queda; una ciudad en estado de descomposición avanzada".

Este fragmento corresponde al prefacio de la novela que nos ocupa, con él Khadra nos descubre crudamente el escenario donde trascurre, las desoladas tierras afganas, un Kabul en el quinto infierno, una tierra donde los hombres se han vuelto locos y los profetas son interpretados con códigos arcaicos.
Yasmina Khadra ,como ya es sabido, es el pseudónimo femenino con que Mohammed Moulesshoui, oficial del ejército argelino, firmaba sus novelas y escritos, para eludir la autocensura, y poder denunciar con menos riesgo la situación de su pais , las corruptelas del FLN partido laico en el poder desde la independencia de Francia y la más reciente aparición, con la primavera árabe , del Frente Islámico FIS.
Discutido por sus ideas y por escribir en francés Y.K, hace tiempo que abandonó el ejército y pasó a ser residente francés, tras pasar una corta temporada en México, autor de numerosas novelas de corte policíaco, la más reconocida es "La trilogía de Argel", tres novelas cortas protagonizadas por un íntegro comisario de policía Brahim Lob, en ellas se retrata una corrupta sociedad argelina, tanto empresarial como política. En la actualidad está más alejado de las tramas policiacas mostrando interés por otros temas y escenarios alejados de Argel; Marruecos,México ,Cuba ,Libia..están entre ellos, aunque siempre persiste su interés por los temas árabes, se declara defensor de un gran Magreb sin fronteras que englobe Argelia, Marruecos y Túnez ,alejado de postulados fundamentalistas ,cercano a las ideas de otro argelino universal Marcel Camus.En una entrevista reciente Y.K afirma:
/// No creo en la revolución de la furia, creo en la revolución de las mentalidades y de los espíritus que debe comenzar en las escuelas///

        
                Afganistán en los años del estado islámico talibán, después de la ocupación soviética, en Kabul se vive bajo un régimen de terror, los personajes de la novela viven en un estado mezcla de desesperación, sumisión y apatía, tratando de sobrevivir.
Los protagonistas principales son dos parejas de muy distintos estamentos y extracción social, Atiq Shaukat de oficio carcelero a las órdenes de los milicianos, cumplidor religioso pero cada vez más alejado de los mensajes de los nuevos mulás, insatisfecho ,desapegado del dinero y de las continuas tentaciones de prosperar, casado por agradecimiento y compasión con Musarat mujer muy enferma, sumisa y comprensiva ,hasta la humillación con su marido. La segunda pareja ,al contrario , son una pareja culta de una  buena extracción social y que lo han perdido todo, Moshen Ramat era estudiante de Ciencias Políticas, sin universidad y sin trabajo se ve abocado al ostracismo y deambular intentando no contagiarse de la violencia que impera en la ciudad, su esposa Zunaira era magistrada y defensora de las causas femeninas, todo lo peor a los ojos de los talibanes se ve silenciada y humillada al uso de la burka.
            Los destinos de estas cuatro personas se entrecruzan, a su modo y de distinta manera son disidentes, pero la imposibilidad de cambiar nada les lleva solo a la desesperación, la locura o la muerte.
En quince capítulos Khadra ,a través de un narrador omniescente que se manifiesta como un monólogo interior en la voz de los dos personajes protagonistas masculinos,nos arrastra por Kabul donde la violencia se enseñorea, la muerte se ha vuelto trivial, Atiq maneja su fusta entre mendigos y niños, los niños lapidan a los perros callejeros y para todos,las ejecuciones y lapidaciones públicas se han convertido en un espéctaculo rutinario y desgraciadamente participativo. Muchos de los capítulos mantienen una estructura en paralelo ,donde los personajes principales y secundarios  se entrecruzan sin intercambio.como un mosaico que se va encajando según avanza la novela. Sin ser una novela de análisis o tesis, resulta demoledora la crónica del estado de cosas en Afganistán, del silencio cómplice de una población y sobre todo de la total marginación de las mujeres. Nazish un personaje secundario, amigo de Atiq le aconseja :
          " Repudiala y date el gusto de una virgen sana y robusta , que sepa callarse y servir al amo sin hacer ruido. No quiero volver a verte por la calle como un tonto. Y más por culpa de una hembra. Es una ofensa a Dios y a su profeta"
Mientras Atiq representa la desesperanza que conlleva el haber participado en la guerra con los soviéticos durante veinte años y vivir sin ilusiones Moshen representa la desesperación de la perdida de su estatus y verse sumido y arrastrado por la ola de violencia que le lleva a sufrir la recriminación de  Zunaira, que se convierte en el personaje más íntegro y determinante , el más rebelde , su descripción de la burka es demoledora:
         "....me niego a ponerme la burka. De todas las albardas que nos imponen,ésa es la más envilecedora. La túnica de Neso no dañaría más mi dignidad que ese atuendo nefasto que me convierte en un objeto, dejándome sin cara y robándome la identidad."

           "Con ese velo no soy ni un ser humano ni un animal; solo soy una afrenta o un oprobio que hay que ocultar como una tara"

           "No me pidas que renuncie a mi nombre, a mis rasgos, al color de mis ojos ni a la forma de mis labios por un paseo entre la miseria y la desolación; no me pidas que sea menos que una sombra, un roce de tela anónimo suelto por una galería hostil "
 Musarat representa el reverso de Zunaira, sin instrucción pero con total entrega a su esposo, capaz por todos los sacrificios por verle feliz, pero ellas con sus burkas semejan golondrinas decrépitas en las garras de los alcotanes.
Recientemente se ha estrenado una película francesa de animación ,que no he visto, basada en la novela.

Teatro: ANDANZAS Y ENTREMESES DE JUAN RANA

He hablado en otras dos ocasiones de Ron Lalá al comentar tanto En un lugar del Quijote como Cervantina. En su nuevo espectáculo que se ha estado representando en el Teatro de la Comedia de Madrid hasta el pasado dia 8, han abandonado a Cervantes pero no el escenario del siglo XVI, en lo que, según sus propias palabras, es una  fiesta de piezas breves con música en directo, una reflexión sobre los límites del humor y un homenaje a una de las figuras  más singulares del panorama escénico  del Siglo de Oro y de todos los tiempos: el comediante Cosme Pérez, Juan Rana.

Su nombre real era Cosme Pérez (1593-1672) y fue uno de los grandes
comediantes (actores) de su época y el más importante gracioso de entremeses del siglo XVII. Comenzó su andadura como gracioso o figura de donaire en comedias de dramaturgos de la talla de Lope de Vega o Montalbán, y alcanzó una excelencia cómica tal que pronto se especializó -y casi se identificó- en un único personaje de entremeses: Juan Rana, reclamado por el público de todas las capas sociales y que le consagró como modelo indiscutible de comicidad. 

Su figura aparece a lo largo de más de medio centenar de entremeses conservados. En sus orígenes ostenta el cargo de alcalde de pueblo, pero poco a poco, por obra del artificio teatral, va adoptando profesiones que lo llevan a recorrer distintos estamentos sociales (médico, torero, ventero, soldado, poeta, hidalgo y un largo etcétera) e incluso, de la mano de Quiñones de Benavente o Calderón, el personaje llega a sublimarse en parodias de autos
sacramentales donde conversa con alegorías o se convierte en estatua triunfal de sí mismo, en homenaje merecido a los últimos años de su carrera.

Para Álvaro Tato, autor de la versión, Juan Rana es la memoria viva de la risa barroca, la quintaesencia de las paradojas artísticas, culturales y sociales que cristalizan en sonrisa, risa y carcajada sobre las tablas de los corrales de comedias y del Palacio del Buen Retiro. Prácticamente olvidado durante los últimos siglos, Juan Rana nos brinda una visión única del Siglo de Oro.

La Inquisición se reúne para un juicio secreto que puede cambiar el curso de la historia. 
El acusado: Juan Rana, el comediante más célebre del Siglo de Oro.
El delito: hacer reír al público de varias generaciones con su humor irreverente y burlesco donde toda la sociedad queda retratada.
Las pruebas: una selección de entremeses de los más grandes autores de la época (Calderón, Moreto y Quiñones de Benavente, entre otros) que le tuvieron como protagonista.
Las acusaciones: blasfemia, desacato, irreverencia, provocación, espíritu crítico, herejía…
Posible condena: la hoguera.

El montaje de Ron Lalá, investiga la vida, obra y andanzas de Cosme Pérez como actor y Juan Rana como personaje, entremezclando realidad y ficción y provocando una reflexión sobre la risa: sus límites, sus censuras y autocensuras y el papel de los comediantes de todas las épocas en la construcción de un discurso que cuestiona la moral, las costumbres y las ideas de cada tiempo. 

Todo esto está tratado con bastante ingenio, escrita en verso clásico, con una música fácil y pegadiza y representada con agilidad y buen hacer por los cinco miembros del grupo que se transforman en los distintos personajes. Eché en falta, no obstante ese grado de ingenio y frescura del primer espectáculo suyo al que asistí, En un lugar del Quijote, quizá porque el texto del que partían era superior. Y me choca el interés en remarcar la posibilidad de aplicar esos textos al momento actual, algo que no es atributo sólo de este montaje. No me parece necesario. El espectador debe poder y saber hacerlo por si solo.


He encontrado muy interesante la "Guia didactica" que sobre esta obra se puede encontrar en este enlace https://ronlala.com/wp-content/uploads/2020/02/GUIA-DIDACTICA-JUAN-RANA.pdf. 

Curiosamente se acaba de publicar un libro donde se novela la vida de María Inés Calderón, "La Calderona". El libro se llama Vida de una actriz y su autora es Elvira Menéndez, y al parecer ofrece no solo un retrato de la actriz sino un fresco de la vida teatral del Siglo de oro y en él aparece también Juan Rana. Puede ser un buen complemento para esta representación. 

Cine: INVISIBLES

Nos llega una nueva película dirigida por Gracia Querejeta tras el enorme error que supuso, en mi opinión, la anterior, Ola de crímenes. Abandona aquí el camino de ¨comedia negra¨que parecía haber emprendido con la mencionada y, al menos en parte, con Felices 140, para volver al cine que, para mi, mejor se le da, historias humanas con personajes y conflictos cercanos a la realidad.

Julia, Elsa y Amelia, son tres amigas que salen a caminar juntas una vez por semana. Una ejecutiva soltera, una separada que intenta rehacer su vida junto a su nueva pareja y la hija de esta y una profesora de matemáticas casada, harta de la enseñanza, comentan en sus paseos lo que a cada una de ellas les ocurre, sus temores, sus vivencias, sus frustraciones, siempre vistos desde la invisibilidad social que sufren una vez cumplidos los 50. 

Tres personajes femeninos, representantes de unos roles sociales bien definidos, con unos diálogos creíbles y con un tono bastante teatral, ya que los paseos podían muy bien ser sustituidos por un desayuno o merienda en una cafetería. La película trata una serie de temas de actualidad y de siempre, apoyándose en la interpretación de tres buenas actrices, Adriana Ozores, Nathalie Poza y Emma Suarez que durante hora y media escasa nos trasladan una visión bastante pesimista de la realidad de la mujer en esa franja de edad. Me gustó.

Cine: REINA DE CORAZONES

Coproducción sueco-danesa que ganó el premio del público en el Festival de cine independiente de Sundance 2019. Se trata de una película con una fuerte carga erótica y una visión un tanto conservadora. Esta dirigida por May El-Toukhy, directora de madre danesa y padre egipcio.  Su debut, Una larga historia corta (2015), fue un éxito de público y crítica, y le reportó numerosos premios. Creo que no se ha visto en España. En esta ocasión vuelve a trabajar con el mismo equipo. Ha trabajado también en teatro, dirigido obras de radio y episodios de  series de televisión en la televisión danesa.

Está protagonizada por Trine Dyrholm, considerada una de las mejores actrices danesas, a la que recuerdo haber visto en En un mundo mejor (2010), que ganó el Oscar en lengua no inglesa y La comuna (2016), por la que gano el premio a mejor actriz en el Festival de Berlín. 

 
Anne es una exitosa abogada que vive lo que parece ser la vida perfecta con su esposo Peter y sus dos hijas gemelas. Cuando su hijastro Gustav, con quien nunca había convivido, se muda a vivir con ellos, Anne se deja llevar en lo que parece ser un movimiento liberador para ella, pero que pronto se convierte en una historia de poder y traición que tendrá consecuencias devastadoras en la vida de todos ellos.

La película nos muestra hasta donde puede estar Anna dispuesta a llegar para protegerse y mantener su estatus, provocar una situación que lo amenaza. Todo es posible porque tiene el poder y el conocimiento para hacerlo, en un alarde de cinismo e hipocresía que convierten a su personaje en alguien totalmente rechazable. Lo que podía ser una declaración sobre la liberación sexual de la mujer madura y, de paso, de ciertas fronteras y tabúes sociales, de afirmación de su sensualidad y sexualidad, se transforma en una crítica desde una perspectiva moral en la que la libertad, el deseo, la razón y la perversión se dan la mano. Una condena a la protagonista en la que la mentira, el arrepentimiento y las previsibles consecuencias terminan con el despertar del deseo y el cuerpo en una resolución burguesa, conservadora y trágica.

Dice la directora que el poder es el tema principal y recurrente. Con esta historia, quiere explorar esa sensación de privilegio que nace de la posesión del poder y qué puede pasar cuando no nos tomamos en serio la responsabilidad que conlleva la autoridad, ya sea en la vida privada o profesional. Una lectura tan correcta y asumible como cualquier otra. 

La película me pareció bien narrada, con escenas de sexo un tanto explicitas y una muy notable interpretación, sobre todo por parte de Trine Dyrholm. Y un acercamiento al mundo de Alicia, no solo en el título sino también en el tratamiento del prólogo (en realidad un flash forward) y la lectura en varias escenas. La verdad es que se trata de un relato elegante de un tema escabroso, con bastante morbo.  

Me recordó en bastantes momentos el cine de Claude Chabrol de la época dorada en que colaboró con el productor André Genovés. La construcción de esas películas era siempre la misma: un extraño aparece para perturbar la vida de una pareja, con consecuencias fatales. 

CINE CLÁSICO--PÁNICO EN LAS CALLES-ELIA KAZAN

"Pánico en las calles", película de 1950, dirigida por Elia Kazan y primera de la que se sentía realmente satisfecho, porque en ella aprendió a diferenciar la técnica cinematográfica de la teatral, de la que él provenía

"Hasta Pánico en las calles había dirigido a los actores haciéndoles entrar y salir de una composición dramática como lo hubiera podido hacer el el teatro, con la cámara filmando la mayor parte del tiempo en planos medios. Ahora veía mi experiencia teatral, que antes me parecía una ventaja, como una desventaja. Tenía que aprender un arte nuevo." ( 1 )
He revisado la película ,de la que tenía un vago recuerdo, porque aunque la trama sea policíaca trata también un tema de actualidad, como es el de las pandemias y la respuestaa la amenaza de los distintos estamentos que conforman la sociedad desde la civil a la administrativa , la médica y la dedicada a la información.

En la ciudad de Nueva Orleans, un marinero, después de una partida de cartas, es asesinado por el aprendiz de ganster Blackie ( Jack Palance ) ; su cuerpo aparece en los muelles ,en la desembocadura del Missisipi, la autopsia revela su muerte de dos balazos  pero también que es portador de la peste neumónica, el doctor militar Clinton Reed ( Richard Widmark ) se hace cargo de la emergencia, consciente de la gravedad, toma las primeras medidas médicas pero es consciente de que hay que evitar el contagio, para ello es necesario encontrar el foco de la infección y a las personas que hubieran tenido contacto con la víctima , hay que encontrar a su asesino. El capitán de policía Warren ( Paul Douglas) es el encargado de la investigación aunque se muestra escéptico ante la gravedad  de la situación, cuarenta y ocho horas es el plazo para evitar la expansión de la plaga.

Elia Kazan no comenzó muy convencido esta película, pero le tentó la posibilidad de compartir el guión con su amigo Richard Murphy, aunque sin figurar en los créditos, también la libertad para el rodaje sin un productor vigilante y la posibilidad de rodar casi la totalidad en exteriores,algo bastante inusual en la época de los grandes estudios, Zanuck accedió  a todas sus condiciones.

" Comenzaba a emocionarme la perspectiva de hacer la película. Nueva Orleans sería la verdadera estrella, esa ciudad maravillosa que huele a río, a café y a comida criolla por todas partes. Acepté el trabajo".( 1)

 Efectivamente Kazan filmó una muy buena película con toques del mejor cine negro y a la vez un toque neorrealista, que consiguió utilizando como extras a gentes de la calle, con escenarios como los muelles, almacenes portuarios, garitos, lonjas de contratación de marineros...un ambiente que repetiría en "La ley del silencio". La película es un alarde de planificación y montaje, el uso de la cámara desde los planos generales, los planos secuencias de las persecuciones y el uso del plano medio, en definitiva Kazan reconoció que descubrió ,en este rodaje, el "tiempo cinematográfico" y la posibilidad de controlarlo.
No falta en la película un componente social , tanto el médico como el policía viven entregados a su trabajo, Kazan denuncia lo poco valorados que están, Clint tiene problemas para pagar las facturas de la lavandería y no ve la posibilidad de tener un segundo hijo; es muy buena la secuencia de la lonja , con muchos extras y que me recuerda a los cineastas clásicos rusos. A destacar también las secuencias intimistas del doctor y su comprensiva esposa.
El tratamiento  y enfoque de la enfermedad no es muy distinto al de la actualidad, las discrepancias entre el hermetismo o la información , la cordura o el sensacionalismo que puede llevar al pánico.
Excelentes interpretaciones Richard Widmark que abandona su papel de malo habitual, Paul Douglas como el policía, el debut en el cine de Jack Palance como malo total que le marcó y encasilló para toda su carrera, muy bien Zero Mostel que ya figuraba en la lista negra y que años más tarde interpretaría casi su propia experiencia en " The front" de Martin Ritt.
El film consiguió el premio al mejor guión y dirección en el festival de Venecia, también al mejor argumento en los premios Oscar en su única nominación ,en un año de gran competencia, Eva al desnudo, Nacida Libre, Sunset Boulevard, El tercer hombre.....

¿Le interesó la peste como símbolo?
Debería responder que sí, pero en realidad la minimicé; era solamente un medio de penetrar en los diferentes aspectos de la sociedad y de la ciudad". ( 2 )

Dos años después del estreno, en 1952  Elia Kazan compareció ante el Comité de Actividades Norteamericanas, cayendo sobre él el estigma del delator, la industria le absolvió y su prestigio fue en aumento, rodando a partir de ello sus mejores películas, no sucedió lo mismo con sus compañeros de
profesión que si fueron más indulgentes con otros casos, casi medio siglo después se le concedió un Oscar honorífico, buena parte de los asistentes ni aplaudieron ni se levantaron de sus asientos.

--Todo lo que puedo decir--no lo digo demasiado fuerte, no pido prdón a nadie--cuando me hacen reproches,es :"Ved mis películas". Pienso que desde entonces he hecho sin cesar pinturas de crítica social. En "América, América", en "Esplendor en la hierba", en "Río Salvaje", creo haber hecho películas de izquierdas.( 2)
 
( 1) Elia Kazan. Mi vida. Ediciones Temas de Hoy.
( 2) Elia Kazan por Elia Kazan. Entrevista con Michel Ciment. Editorial Fundamentos.

Cine: EL PLAN

El plan es una obra de teatro que se estrenó en 2015 en el desaparecido "La pensión de las pulgas", de donde pasó al Teatro Kamikaze y después al Marquina. Escrita y dirigida por Ignasi Vidal, supuso todo un revuelo en el off madrileño.

Polo Menarguez, el director de la película, comenta que ha venido explorando durante su corta carrera, a través de diferentes cortos, las realidades de personajes que andan encerrados en sí mismos, custodiados por sus propios demonios y en atmósferas claustrofóbicas. Personajes, hombres, o mujeres afectadas por hombres, a los que les afectaba la realidad de su identidad masculina. Para él, El plan  retrata ese abanico de masculinidades en las que la mujer actúa como un personaje fuera de campo. Es una mirada hacia quién es o qué hace el hombre cuando la mujer no está.

Tres amigos desempleados se encuentran en el piso de uno de ellos para ir a reunirse con unos compañeros y llevar a cabo un plan. Esperan a que se arregle la avería de un coche. Pero los imprevistos se suceden y para complicar aún más las cosas, diversos secretos salen a la luz con consecuencias imprevisibles.

La película evidencia su origen teatral. Prácticamente todo se desarrolla en el interior de un piso, salvo una breve salida al exterior, pero lo cierto es que la planificación, muy cuidada, va haciendo que paulatinamente los espectadores se vayan sintiendo más cercanos a los personajes. Dice su director que tuvo la idea de trabajar con diferentes objetivos en cada acto de la película. En el primer acto con teleobjetivos, más lejos de los actores, en el segundo acto con objetivos de focal media y en el último con angulares, acercando mucho la cámara a las caras. En cualquier caso el origen teatral no tiene porqué marcar negativamente una película. Existen numerosas pruebas de ello.

Lo que si es importante es la interpretación. En este caso los tres actores están muy bien. Antonio de la Torre, Raúl Arévalo (hacía tiempo que no le veía tan bien) y Chema del Barco, el único que la interpretó en el teatro, dotan a sus personajes de humanidad y buen hacer y hacen que nos creamos un texto que resulta un tanto tramposo. Empezando por el juego de hacernos pensar en que lo que planean tiene un componente de peligro y, quizá, delictivo. De todas formas la historia está bien construida, con buenos diálogos, muy naturales, aunque se intuye el giro final

En lo que es, básicamente, una historia de perdedores, encontramos unos personajes arrinconados socialmente a causa de la crisis, un costumbrismo de  bromas de hombres en un bar, para en su giro final llevarnos a un terreno muy diferente. Aunque la que podría ser su tesis final sea un tanto discutible.

Una comedia que evoluciona hacia el drama e incluso la tragedia, muy bien interpretada con unos personajes un tanto angustiados por la crisis, el paro y la vida en pareja. 

La seguí con interés a lo largo de su, por una vez, corta duración.

Cine: VIDA OCULTA

Con solo tres películas dirigidas entre 1973 y 1998, Terrence Malick se convirtió en un director muy respetado además de ser considerado un genio misterioso (nunca concede entrevistas) y visionario a la altura de Kubrick, con varios premios y nominaciones. Su película El árbol de la vida, (2011) me pareció  extraordinaria y llena de poesía. Después insistió en la misma línea y no tuvo el mismo acierto. La obra de este director se centra en la descripción de la belleza de la naturaleza en clara oposición a la ambición y la crueldad del hombre. Estudiante y profesor de filosofía, siempre ha tratado los diferentes temas con una visión filosófica y trascendental, un enfrentamiento entre razón e instinto, entre el individuo y la sociedad. 

Ahora nos llega Vida oculta. Presentada en Cannes fue una de las favoritas para la Palma de oro, aunque su excesiva duración (algo en lo que suele incurrir) y sus reiteraciones narrativas lastran sensiblemente el resultado de una película puro estilo Malick. 

Franz y Fani son un matrimonio que vive felizmente con sus tres hijas en su granja alpina de Austria  rodeados de un impresionante paisaje. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, los hombres comienzan a respaldar el nazismo, pero Franz se resiste a prestar juramento a Hitler y se convierte en objetor en un mundo de nacionalismo e ideología de odio. El amor incondicional de su esposa y su fe inquebrantable, se convertirán en sus principales aliados para afrontar las graves repercusiones que su decisión provocará.

A partir de un personaje real y tomando como referencia las cartas que Franz escribió a su mujer, Malick nos cuenta la historia de un campesino austriaco que, en el fragor de la Segunda Guerra Mundial y con su país ocupado por los nazis, se negó a combatir. Lo hizo convencido de que es mejor "padecer una injusticia que cometerla". Y lo cuenta según el estilo Malick, con un ritmo lento, imbuido, como se ha dicho en ocasiones, de trascendencia existencial, casi mística, en un entorno extraordinario, con una gran belleza formal. Como he leído a algún crítico, pocos directores ruedan armonizando la belleza de la naturaleza con el tono intimista,  emocional y reflexivo, de conversación interior del personaje consigo mismo o con otros, a través de voces en off que ilustran las convicciones y las dudas.

Una excesiva reiteración de situaciones, la alternancia, difícil de justificar, de inglés y alemán (parece que el inglés lo hablan los "buenos" y el alemán los "malos"), un cierto abuso de subrayados de imagen y música, un exceso de melodrama hacen que la película no alcance el nivel de El árbol de la vida, pero sí nos dan una película muy notable y digna de atención que, es cierto, decepcionó en su presentación en Cannes y cuya larga duración puede desanimar su visionado.