Tras un año en blanco, donde el encuentro tuvo lugar en una plataforma de TV, nos llega la cita anual con Woody Allen en la pantalla grande. Leo que se trata de su quincuagésima película y me asombra que, a punto de cumplir los 84 años, siga siendo capaz de inventar historias y convertirlas en películas, algo que da la impresión de que lo hace con una increíble facilidad.
Gatsby (Timothée Chalamet) y Ashleigh (Elle Fanning) son una pareja de universitarios que aprovechando que ella va a entrevistar a un reconocido cineasta para el periódico de la universidad, se disponen a disfrutar de un romántico fin de semana en Nueva York. Pero las cosas no salen como se esperaba y el lluvioso fin de semana estará plagado de encuentros, desencuentros y equívocos. Tras un comienzo un poco desangelado, asistimos a una historia romántica que parece de otro tiempo. Una serie de encuentros y giros, no por previsibles y anticipados en el tráiler menos ingeniosos, plagados de diálogos inspirados casi siempre, con el telón de fondo de la ciudad de Nueva York muy bien fotografiada por Vittorio Storaro, con la participación de varios actores conocidos en papeles casi episódicos. Una película sin grandes pretensiones, menos "retorcida" que las últimas de este director, pero muy agradable y simpática que, al menos a mi, me hizo salir del cine con una sonrisa.
Crisis in six scenes es la primera serie para televisión que realiza Woody Allen, que nunca había estado tentado con el formato, pero la oferta que le llegó de la plataforma Amazon era muy díficil de rechazar, son seis capítulos de poco más de 20 minutos cada uno, con lo que la duración total es la de cualquier largometraje, con esta serie Allen vuelve a la comedia que tenía algo abandonada.
La serie se nota realizada con cierta desgana, yo diría que incluso con cierta pobreza de medios, unos exteriores fríos sin ningún encanto,errores de casting y lo que tampoco ha ayudado mucho en plena resucitada controversia de las acusaciones de pederastia, con la consabida guerra de declaraciones y estigmatización de una carrera con más de 50 títulos, cuatro oscars ,otros tantos Globos de oro, un premio Príncipe de Asturias, varios "Honoris Causa".....y que muy posiblemente conlleve el que su última película no se estrene.
Sydney Muhsinger( Woody Allen) y Kay Muhsinger ( Elaine May )son un matrimonio de clase media alta, el novelista sin éxito, que se gana la vida guionizando comerciales y ella consejera matrimonial, que ven alterada su monótona existencia con la llegada de Lennie Dale (Miley Cyrus ) cuyos padres ayudaron a Kay cuando quedó huérfana . Lennie es una fugitiva a la que persigue la policía y el FBI ,es una activista radical y peligrosa, adalid de la contracultura, antisistema y combativa militante contra la guerra del Vietnam (la serie transcurre en los años 60 ) que ha pasado de ser una simpatizante de Fidel Castro, Mao, y los Panteras Negras, a ser una radical peligrosa capaz de fabricar bombas. El choque generacional e ideológico entre Sydney y Lenny no se hace esperar, las ideas radicales de ella chocan con el carácter pequeño-burgués de Sydney que es el típico personaje de Allen, neurótico, hipocondríaco y algo paranoico, lo que dá lugar a unos diálogos ingeniosos ,sarcásticos, ingeniosos e inteligentes marca de la casa. Kay decide ayudar a Lenny y se va dejando convencer en su discurso radical.
La serie me ha parecido floja, pero tiene momentos francamente divertidos sobre todo en sus dos capítulos finales, las escenas que muestran las sesiones de terapia matrimoniales de Kay y las sesiones del club de lectura con las maduras amigas que acaban leyendo a Mao y Marx son geniales y el capítulo final en el que como en un "vaudeville" junta a todos los personajes de la serie en un claro homenaje a los hermanos Marx es fantástico.
Miley Cyrus pone voluntad pero no me la creo como anarquista, Allen y Elaine May bordan sus papeles pero les pesa la edad, ambos pasan de los 80, demaseados para un matrimonio que se supone están en plena actividad laboral.
No faltan los guiños "culturetas" típicos de Allen citas a Chejov o Salinger ( magnifíco el encuentro con el policía que le confunde con este último), hay otras referencias que el no señala, el tema me recuerda a otro judío Philip Roth, esta serie podría ser una Pastoral Americana bajo un prisma irónico y desmitificador.
Nos llega, fiel a su cita anual, la última película de Woody Allen, Wonder Wheel, la noria de Coney Island, un barrio de Brooklyn donde, además de una de las playas más famosas de la ciudad de Nueva York, se encuentra un paseo marítimo lleno de tiendas y bares y un parque de atracciones que parece salido de otra época. Justamente en esa otra época, años 50 sitúa Allen la acción de su película. Es curioso como el nombre de Woody Allen solemos siempre relacionarlo con la comedia, a pesar de que en los últimos años e incluso en toda su carrera, muchas de sus se encuentran bastante alejadas de esa consideración. Si repasamos sus últimos títulos, Cafe Society, Irrational man, Magia a la luz de la luna y Blue Jasmine, tan solo Magia... entraría en esa categoría, como tampoco una de las dos que para mi, son sus mejores títulos en este siglo, Match Point (el otro sería Midnight en Paris). Es cierto que, casi siempre, hay ironía y un cierto sentido del humor en sus narraciones que las hace reconocibles por muy serias que sean, pero la realidad es que, en mi opinión, desde hace tiempo, sus películas merecen más la calificación de dramas que de comedias.
Nueva York, años 50. Las vidas de cuatro personajes se entrelazan en medio del bullicio del parque de atracciones de Coney Island: Ginny (Kate Winslet), una ex actriz emocionalmente volátil que ahora trabaja como camarera; Humpty (Jim Belushi), el operador de la famosa noria y marido de Ginny; Mickey (Justin Timberlake), un apuesto y joven socorrista que sueña con convertirse en escritor; y Carolina (Juno Temple), la hija de Humpty, que se esconde de unos mafiosos en el apartamento de su padre. Con el añadido, poco desarrollado, de un hijo pirómano, quizá la única nota de humor. Una vez más, Allen nos presenta, al modo de otros autores, variaciones sobre algunos de sus temas favoritos, la insatisfacción, el triángulo amoroso, el sentimiento de culpa. Con un gran personaje femenino, algo que no es nuevo en su cine. Ginny es una mujer de cuarenta años necesitada de cariño, algo que no encuentra en su marido y cree encontrar en Mickey. Pero la realidad se impone y Ginny tomará una decisión moral que tendrá graves consecuencias. Kate Winslet está esplendida en ese personaje, muy por encima del resto del reparto. Con una puesta en escena impecable, la fotografía, una vez más de Vittorio Storaro, y una historia melodramática próxima al mundo de Tennessee Williams, la película se resiente de que las situaciones y los personajes de Mickey y Carolina, que rodean al personaje central y su drama humano no tienen la consistencia necesaria. Película interesante, atractiva, aunque no alcance el nivel de las grandes películas del director, algo que, desgraciadamente, parece ya demasiado lejano.
Nos llega la cita anual con Woody Allen. Creo que desde que en 1977 dirigió Annie Hall, no ha dejado ningún año de estrenar película dirigida por él. Esta es la número 47 de su carrera, si hemos de hacer caso a la información que se ha facilitado sobre ella- A mi me pasa con sus películas algo parecido a las cenas de amigos a los que vemos muy de vez en cuando. Sabemos las bromas que vamos a hacer, las anécdotas que vamos a contar, todas parecen una repetición de las anteriores y, sin embargo, las celebramos con agrado. No es que las películas de Allen sean todas iguales. Más bien todo lo contrario. Pero sí que hay una serie de lugares comunes reconocibles entre ellas y que, en bastantes casos, sobre todo en los últimos años, se echa en falta en sus historias algo de contenido.
Hollywood, años 30. Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg) es un joven de una familia judía del Bronx de Nueva York que decide abandonar su mundo para buscar sus sueños en Los Ángeles. Allí espera la ayuda de su tío Phil (Steve Carell), uno de los agentes más poderosos de Hollywood. Será allí donde conozca a Vonnie (Kristen Stewart), la secretaria y amante de su tío, de la que se enamorará. Se establecerá un triángulo amoroso con rupturas, mentiras y el desengaño final que le hará volver a Nueva York donde empieza a trabajar para su hermano mayor, un gangster que ha abierto un club nocturno. Bobby consigue convertirlo en el sitio de moda de la ciudad. Un tiempo después, ya casado y padre, volverá a encontrarse con su tio y Vonnie. Todo ello aderezado por el contexto del Hollywood y el Nueva York de los años 30, los locales de jazz, y también por la presencia de algunos personajes fuera de la ley. El término Café society se refiere a los miembros de la alta sociedad, aristócratas, artistas y famosos, que se reunían en cafés y restaurantes de moda en Nueva York, París y Londres a finales del siglo XIX y principios del XX. El término se hizo popular en el Nueva York de los años 30, tras el fin de la Ley Seca y la aparición de la prensa amarilla, que cubría con avidez a los integrantes de esa Café society. Por aquel entonces, había docenas de clubes deslumbrantes en Nueva York. Cada noche, los famosos lucían sus mejores galas y hacían el circuito desde los clubes de jazz de Greenwich Village a locales legendarios de los alrededores del centro, y en Harlem, el Cotton Club. Actividades nocturnas conpolíticos, debutantes, playboys y la gente que engaña a sus respectivas parejas. desde estrellas de cine, millonarios y playboys a profesores, chicas de la calle y mafiosos. "Esa época siempre me ha fascinado", dice Allen. "Fue uno de los momentos más apasionantes de la historia de la ciudad, con una tremenda vida teatral, vida en los cafés y restaurantes". En ese entorno situa Allen ese triángulo sentimental, además de un retrato familiar que nos remite a otras películas suyas como Dias de radio. El problema de la película es, en mi opinión, que existe un notable desequilibrio entre sus partes. Me gustó el tratamiento de las relaciones sentimentales entre Bobby y Vonnie, y la evolución de esta, pero me parece que el personaje del tío daba para más. Y me pareció penoso el personaje del hermano gangster y los gags un tanto desafortunados y previsibles sobre su actividad. Tampoco me pareció bien integrado el entorno familiar de los padres y hermanos. Ni el personaje de la esposa de Bobby. Y me encantó la secuencia final y la fotografía de Vittorio Storaro. Un maestro que ha trabajado con Coppola, Bertolucci y Carlos Saura. Y el excelente plano final. Jesse Eisenberg es, en la primera parte, un "alter ego" del director en un papel que hubiera sido suyo hace unos años. Correcto en general. Le recuerdo de La red social. Steve Carell no me había gustado nunca hasta Foxcatcher y La gran apuesta. Ahora repite con Allen, con quien ya había trabajado en Melinda y Melinda, y empieza a resultarme soportable. Kristen Stewart me había gustado en Siempre Alice y aquí me parece lo mejor de la película. Además es muy guapa.
En resumen, que Café society me decepcionó un poco en su conjunto, pero tiene bastantes momentos que valen la pena. Además, es de un amigo. Os dejo aquí un enlace con la columna de David Trueba en El País que expresa mucho mejor que yo el sentimiento que le (y me) despiertan las películas de Woody Allen. Un amigo por David Trueba
Fiel a su cita anual, nos llega la última película dirigida por Woody Allen. En ella nos presenta una nueva variación del tema del delito, la culpa y el castigo que ya tratara en ocasiones anteriores, como en Delitos y faltas (1989), Match point (2005) y Cassandra's dream (2007). Porque Allen, como los compositores musicales, realiza variaciones sobre un mismo tema.
El profesor de filosofía Abe Lucas ha tocado fondo a nivel emocional y se ve incapaz de encontrarle ningún sentido ni alegría a su vida. Poco después de empezar a dar clases de filosofía en la universidad de una pequeña localidad, Abe Lucas se encuentra relacionándose con dos mujeres: Rita Richards, una profesora que se siente muy sola y Jill Pollard, su mejor estudiante, que se convierte en su amiga más íntima. Jill encuentra irresistible la personalidad artística y atormentada de Abe, pese a que muestra indicios de desequilibrio mental. Cuando, por puro azar, Abe y Jill se ponen a escuchar una conversación de unos desconocidos y se quedan absortos con ella, todo cambiará. A lo largo de su carrera, Woody Allen ha demostrado un gran interés por la filosofía, según el mismo manifiesta, influido por las películas del director sueco, Ingmar Bergman. "Me fascinaban sus películas, las cuestiones que planteaban y los problemas que trataban. Posteriormente, con los años, fui leyendo cierta cantidad de filosofía y fui capaz de entender más claramente quién lo influyó y qué ideas estaba dramatizando. Y acabé por disfrutar leyendo a los filósofos, para compararlos y ver cómo se cuestionaban y refutaban unos a otros sobre sus enfoques contrapuestos a cuestiones incontestables". Ese interés ha dado lugar desde el comienzo de su carrera a películas tan poco atractivas como Interiores (1978), comedias como La ultima noche de Boris Grushenko (Love and death, amor y muerte, 1975) o las antes mencionadas. Como el mismo dice, " a lo largo de los años se pueden observar en todas o la mayoría de mis películas ciertos temas filosóficos coherentes. Pero son obsesiones mías que se centran en torno a cuestiones que muchos hombres se han planteado antes. Me interesan realidades deprimentes por las que me obsesiono. Han obsesionado a artistas y pensadores que han llegado mucho más allá que yo en todos los aspectos, pero yo las trato desde mi propio punto de vista". En este sentido Irrational man vuelve a tomar, como dije antes, el tema del crimen y la culpa, tomando una serie de ideas de otras historias, propias y ajenas como Extraños en un tren, la novela de Patricia Highsmith llevada al cine por Hitchcock o La Sombra de una duda (también de Hitchcock) con la que guarda bastantes similitudes. Todo ello contado sin humor pero con ironía, por un Allen que se nos antoja distinto al que siempre esperamos encontrar, centrado en la comedia, aunque a lo largo de su extensa obra con más de 40 películas, podamos encontrar muchas obras serias, alejadas de ese género. Quizá sea ese el mayor reproche que se le puede hacer a esta historia. Que el humor sea demasiado sutil e irónico, lo que la convierte en una historia más convencional y, a la vez, menos comercial. Por lo demás todo está contado con la habilidad y facilidad que caracteriza a Allen, con dos intérpretes destacados, Joaquin Phoenix, situado ya entre los grandes, y Emma Stone, que repite con el director tras Magia a la luz de la luna, que le da buena réplica. Tambien cabe destacar a Parker Posey como la otra mujer que se enamora de Abe. Resumiendo, aunque no es de lo mas atractivo del cine de Allen, nos muestra que a sus ochenta años, todavía está en condiciones de ofrecernos obras interesantes. A mí me gustó.
Peter Bogdanovich no realizaba para la gran pantalla una película desde 2001, en que realizó la injustamente tratada "El maullido del gato" ,Lío en Broadway fué bien recibida en el último festival de Venecia y fríamente en EEUU donde ha pasado directamente al mercado del video.
Bogdanovich es uno de esos cineastas que tras unos comienzos fulgurantes con grandes éxitos de taquilla y público, The last picture show, Que me pasa doctor y Luna de papel empezó a declinar, situación que se agravó con el escándalo qué rodeó su relación con Dorie Stratton, existe cierto paralelismo con Woody Allen, ambos son compañeros de generación, cinéfilos hasta la médula y mucho más apreciados en Europa que en su país.
En una entrevista reciente Bodganovich afirmaba "Creo que todas las buenas películas ya se han hecho, pero que aún estamos en condiciones de hacer algunas que no sean malas".Efectivamente Lío en Broadway no es una mala película, es una comedia/ vaudevil con un guión magnífico y unas buenas interpretaciones donde el autor sigue homenajeando a los grandes de la comedia aunque no esté a la altura de sus primeras películas.
Un director de teatro mujeriego y de buen corazón que redime prostitutas, una aspirante a actriz que espera su oportunidad y mientras tanto trabaja de señorita de compañia, un ancianito libidinoso y obsesionado, un viejecito detective que resulta ser el padre del autor, una terapeuta novia del autor incapaz de mantener la confidencialidad médica, un primer actor que persigue a la primera actriz que resulta ser la mujer del director.....una alegre comedia de enredos sobre las complicadas relaciones hombre mujer.
Como todas las películas de Bodganovich existe ese aire retro que ya se evidencia con el Check to Check que suena al comienzo, con el homenaje a Lubistch a Audrey Hepburn con la que el trabajó, incluso los titulos de crédito finales remiten a la época dorada de Hollywood.
Las actuaciones están bastante acertadas destacaría a Jenifer Aniston en el papel de psicoanalista, hay un cameo revelador final de Quentin Tarantino.
Hay un gag en la película de un taxista que cansado de escuchar a sus clientes se baja del vehículo y coje otro taxi como pasajero, Bodganovich parece dispuesto a seguir cogiendo el mismo taxi mientras encuentre financiación, esta vez ha sido alguien tan moderno como Wes Anderson.
Nos llega la penúltima película dirigida por Woody Allen. Una comedia intrascendente que no viene a añadir nada a su trayectoria.
Cuando su colega y amigo de toda la vida le propone desplazarse a la Costa Azul para desenmascarar a una joven vidente, el mago chino Wei Ling Soo, uno de los mejores y mas populares magos del momento, no lo duda. Aunque en realidad el mago chino es un inglés arrogante y gruñón que siente aversión por los espiritistas, ya que está convencido de la inexistencia del más allá. Lo que ocurre es que la joven vidente llegará a hacerle dudar de sus convicciones y que además se establecerá una relación afectiva entre ellos. Woody Allen ya ha tratado en otras ocasiones el mundo de la magia, los curanderos y los hipnotizadores en películas como Alice, (1990), La maldición del escorpión de Jade (2001), o Scoop (2006),También está claro que le gusta situar sus películas en los años 20, como ya hiciera en Midnight en París (2011). Todas ellas historias más atractivas, en mi opinión. Aquí nos presenta al personaje del mago, un inglés inteligente, racional y apasionada de la ciencia, interpretado por Colin Firth, al que los fraudes y la estupidez de un público crédulo le irritan bastante. Es arrogante, crítico, cínico, y se considera intelectualmente superior. Como se le da muy bien el ilusionismo, desconfía de lo espiritual y disfruta poniendo al descubierto a personas que aseguran que suceden cosas mágicas de verdad en sesiones de espiritismo. Es antipático y despectivo con todo el mundo. A mi me recordaba al personaje del Dr. Higgins de My Fair Lady. Frente a él una joven, Emma Stone, encantadora. Una pareja que, en la línea más clásica de la comedia, pasara del enfrentamiento al amor. Todo ello está razonablemente bien contado, con cierto humor, aunque casi todo lo que ocurre sea bastante previsible. Lamentablemente vi la película doblada, con lo que no pude disfrutar con la que, estoy seguro, debe ser excelente interpretación del Colin Firth (Oscar por El discurso del Rey, 2010) más que parcialmente. No recuerdo haber visto antes a Emma Stone, una joven agradable aunque parece que le falta presencia física, para la relación que se establece, en cualquier caso lastrada por la excesiva diferencia de edad. En resumen, una película agradable, un divertimento menor en su filmografía pero que sirve para pasar el rato.
En su cita anual, Woody Allen nos trae un excepcional retrato femenino. El personaje de Jasmine enlaza con otros personajes de mujeres de películas de Allen, como los de La rosa púrpura del Cairo (1985), Hanna y sus hermanas (1986), Otra mujer (1988), Alice (1990), o Maridos y mujeres (1992).
En esta ocasión nos presenta a una insoportable neurótica, que por una parte nos hace disfrutar de la excelente interpretación de Cate Blanchett y por otra nos hace imposible conmovernos o identificarnos con su historia.
Jasmine es una mujer rica y elegante de la alta sociedad neoyorquina que tras la condena y posterior suicidio de su marido, un adinerado hombre de negocios responsable de una gran estafa, se encuentra sin dinero y sin casa. Decide entonces mudarse a San Francisco a vivir con su hermana Ginger, que trabaja como cajera de un supermercado que vive con su novio y dos poco soportables hijos, en un pequeño apartamento. La película nos contará su imposible adaptación a su nueva vida, a la vez que mediante "flash backs" nos presenta detalles de su vida en Nueva York, su confianza y habilidad para mirar para otro lado en relación con las actividades de su marido.
Allen se inspira en la historia de Bernard (Bernie) Madoff, el presidente de una firma de inversión que llegó a ser una de las más importantes en Wall Street. En diciembre de 2008 el banquero fue detenido por el FBI y acusado de un fraude que alcanzó los 50.000 millones de dólares. En 2009 fue sentenciado a 150 años de prisión.
Creo que esta película es el negativo de Match Point (2005). Si la recordáis, allí nos presentaba la historia de un "trepa" que no dudaba en llegar al asesinato de su amante con tal de medrar.
Pero de acuerdo con el punto de partida de Allen, tenía suerte (la pelota que tocaba la red, caía en el otro lado) y no era descubierto. En esta ocasión, la pelota cae en el propio lado de Jasmine, a la que vemos en el último plano de la película en una situación muy poco esperanzadora.
Una serie de personajes secundarios bien construidos e interpretados acompañan la historia.
En resumen, Woody Allen se rehace tras el enorme patinazo de A Roma con amor (2012) y nos entrega una película que, sin ser redonda, le sitúa en su buena línea habitual. Eso sí, con poco humor esta vez.
Ayer estuve viendo en La Abadía, Maridos y mujeres. Muchos de vosotros la visteis el año pasado, en una de las salidas que organiza Maite, pero yo no pude ir y tampoco tuve oportunidad de verla por mi cuenta. Me gustó. Me pareció una inteligente adaptación al escenario de la película del mismo título de Woody Allen (1992), llevada a cabo por Alex Rigola, uno de los nombres importantes (y cada vez hay más) de la dirección teatral en España. Aunque, por supuesto, la gran virtud está en el texto, un análisis de las relaciones entre parejas. Tiene profundidad, humor, poesía... y ritmo. El director ha respetado la estructura de la película, alternando diálogos con monólogos dirigidos al público (algo que, en cierta forma, hace también en algún momento Sánchez Arévalo en La gran familia española).
Los intérpretes están muy bien. Nuria Mencía y Luis Bermejo son Carlota y Alex (Mia Farrow y Woody Allen en la película). Como son mejores actores que los del cine, (eso dijo Marcos Ordóñez en el Pais), mejor que ellos.
La otra pareja la forman Elisabet Gelabert y Jose Luis Torrijo (en la función que visteis vosotros era Israel Elejalde). Judy Davis y Sidney Pollack en el cine. Judy Davis era la mejos intérprete y estuvo nominada para algún premio por ella. Están tambien muy bien. Pero la gran revelación es Miranda Gas en el doble papel de Rain y Gloria. Canta bien, actúa bien, consiguiendo con el simple cambio de una peluca, darnos dos personajes bien diferentes. Es hija de Mario Gas y un nombre a seguir. ¿Que os pareció a vosotros? ¿Compartís mi opinión?
No se si a vosotros os pasa pero a mi generalmente me ocurre que al ver una película o una obra de teatro quiero saber quienes son los actores o el director, donde los he visto antes, etc.Por eso os he recogido una pequeña información sobre esta obra, que he sacado de la web del teatro.
Àlex Rigola
(Barcelona, 1969) retorna con Maridos y mujeres a La Abadía, donde dirigió tres espectáculos en
registros muy diversos: el feroz Ubú Rey de Alfred Jarry (2002), un intimista Largo viaje hacia la
noche de Eugene O’Neill (2006) y la gamberrada Días mejores del estadounidense contemporáneo
Richard Dresser (2008).
De 2003 a 2011 fue director del Teatre Lliure, donde dirigió, entre otros títulos: La gata sobre el
tejado de zinc caliente de Tennessee Williams, Nixon-Frost de Peter Morgan; Rock & Roll de Tom
Stoppard (Premio de la Crítica de Barcelona al mejor espectáculo y a la mejor actriz); 2666, a
partir de la novela de Roberto Bolaño (Premio de la Crítica de Barcelona, Premi Terenci Moix y dos
Premios Max); Ricardo III y Julio César de William Shakespeare; Santa Juan de los mataderos de
Bertolt Brecht; Glengarry Glen Ross de David Mamet; y European House (prólogo a un Hamlet sin
palabras).
Asimismo dirigió la ópera El holandés errante, coproducción del Liceu y el Teatro Real, y tras
finalizar su época frente al Lliure, sus más recientes trabajos son Coriolano de Shakespeare y
Tragedia, poema visual a partir de El nacimiento de la tragedia de Nietzsche.
Luis Bermejo
(Madrid, 1969) estudió Arte Dramático en la escuela de Cristina Rota durante los años 1993-1997.
Es pareja de la actriz Malena Alterio.
Ha formado parte de la compañía de La Abadía, donde ha intervenido como actor en los siguientes montajes: El portero (dir: Carles Alfaro), Sobre Horacios y Curiacios (dir: Hernán Gené), El rey Lear (dir: Hansgünther Heyme) y Mesías (dir: J.L.Gómez).
En otros teatros, destaca su interpretación en piezas como: Las manos (dir: Javier Yagüe); Penumbra
