Teatro: REINAR DESPUÉS DE MORIR

Luis Vélez de Guevara es un dramaturgo y autor de novelas que vivió desde  1579 hasta 1644. Coincidió, por lo tanto, con Lope de Vega y Calderón de la Barca, sin que, pese a las más de 400 obras escritas y cerca de 100 conservadas, haya alcanzado su prestigio. Probablemente su obra mas recordada sea El diablo Cojuelo, y en teatro, Reinar después de morir.

El montaje que se presenta en el Teatro de la comedia de Madrid, es una coproducción entre la CNTC y la Companhia teatro de Almada. Se estrenó en Lisboa el pasado mes de octubre con actores portugueses y se representa ahora en Madrid con actores españoles, salvo el dia 27, lunes, en que se representará en portugués. Según Ignacio García que firma el diseño de la puesta en escena, es la mas portuguesa de las obras del Siglo de oro y la más española de las leyendas históricas portuguesas. La escenografía, el vestuario y la iluminación han sido diseñados por artistas portugueses. Se trata de una interesante colaboración con nuestros vecinos.

Inés de Castro era una noble gallega que se trasladó a la corte portuguesa como dama de compañía de su prima Constanza cuando ésta se prometió con Pedro I y que se convirtió en su amante. A la muerte de Constanza, el monarca Alfonso IV quiso que su hijo se casase con Blanca de Navarra para estrechar lazos entre los dos reinos. La desobediencia de Pedro acarreó la ruptura de las relaciones entre Portugal y Navarra. Cuando se casaron en secreto, en contra de los deseos del todavía rey, éste mandó matar a Inés. Dos años después, cuando Pedro llegó al trono tras la muerte de Alfonso IV, mandó exhumar el cadáver de Inés, la sentó en el trono, la hizo coronar y obligó a los cortesanos a que le rindieran honores.

La obra nos sitúa en el momento en que Blanca de Navarra llega a Portugal para casarse con el infante Don Pedro, matrimonio concertado por su padre. Como D. Pedro está ya casado con Inés, la única solución para salvar el acuerdo es la muerte de Inés.

No conocía la obra, aunque sí la leyenda. Me parece que la obra o al menos esta versión, no termina de centrarse. Se mueve entre la visión de la indecisión del Rey entre permitir los amores de su hijo con Inés o mantener la razón de estado. Esto da lugar a momentos muy atractivos como el dialógo entre Inés y Blanca de Navarra, pero en conjunto se mueve por terrenos poco definidos. Todo para llegar al emotivo final de la coronación de Inés.

La versión de López Antuñano de la obra  incide en la parte más política para enlazar la historia con el presente. Más allá de la anécdota romántica, expone cómo la razón de Estado se impone por encima del individuo. Habla de la libertad individual y el poder corrompido moralmente, que busca lo que es conveniente y no lo que es necesario. La injusticia se disfraza de argumento para defender el bien común,

Lo mas llamativo de esta puesta en escena es la escenografía, creada por José
Manuel Castanheira. Como se puede ver en la fotografía, se trata de una especie de pista de skate, por la que se desplazan los actores, que tienen que demostrar una notable agilidad para llegar a las ventanas y que parece ya se ha cobrado una victima en la protagonista, Carmen del Valle, que, lesionada, ha tenido que ser sustituida por Lara Grube. Esto provoca que el espectador esté casi más pendiente de las evoluciones de los personajes que de la trama.

Se trata , en cualquier caso, de un montaje notable, muy bien servido técnica e  interpretativamente bajo la dirección de Pepa Pedroche. Destacan sobre todo las dos actrices principales.

Teatro: EL ALCALDE DE ZALAMEA

Después de más de trece años, la Compañía Nacional de Teatro Clásico vuelve a su sede original, el Teatro de la Comedia. Han sido trece años de exilio en el Teatro Pavón de la calle Embajadores y esta temporada, en la que se cumplen 30 años desde la fundación de la Compañía, una vez terminada la rehabilitación del teatro, en  la quese han recuperado espacios y creado nuevos equipamientos: un gran aljibe para el sistema de extinción de incendios, elevación del escenario para instalar el peine * y el contrapeine *, una plataforma para ampliar el proscenio, y una nueva sala, situada en la quinta planta, para representaciones y ensayos, por fin se procede al  regreso. Y su directora, Helena Pimenta ha elegido para la ocasión la obra de Calderón de la Barca, El alcalde de Zalamea, en una versión que dirige ella misma y para la que ha contado con uno de los más prestigiosos actores actuales, Carmelo Gómez.

* Peine: Parrilla transitable donde se sitúan elementos tales como poleas de tiros manuales, bancadas de desembarco para éstos, motores puntuales, etc.

Contrapeine: Conjunto de perfiles metálicos situados en la parte más alta de la caja escénica (por encima del peine), para soportar las cargas más pesadas como cortes contrapesados, motores, etc

No voy a comentar la obra porque todo el mundo la conoce y es un clásico que está muy por encima de lo que yo pueda decir. En cualquier caso decir que me parece de lo mejor que se escribió en el teatro barroco español. Pero si quiero recomendaros, en caso de que esteis interesados en profundizar sobre ella, la ficha didáctica que edita la CNTC   y el cuaderno pedagógico editado con ocasión del montaje de 2010.

Sobre el montaje actual, decir que no me terminó de convencer Carmelo Gómez como Pedro Crespo; tengo mejor recuerdo de la interpretación de Joaquín Notario en el montaje de 2010. Si me gustó, y mucho, este actor que en este montaje interpreta a  D. Lope. Creo que en cualquiera de los dos personajes de El Alcalde de Zalamea es donde más me ha gustado Joaquín Notario que, por otra parte, me parece un excelente actor. La que no me convenció nada fue Nuria Gallardo como Isabel, la hija de Pedro Crespo, cuya deshonra conduce el drama.

El montaje y la interpretación me parecieron, en general, más que correctos.

Teatro: DON JUAN TENORIO en el Festival de Almagro

Me quedé con ganas de ver el montaje del Don Juan que presentó Blanca Portillo en el Teatro Pavón esta temporada. Por eso al ver que en el Festival de Almagro se daban cuatro representaciones, me animé a desplazarme hasta la ciudad manchega para verlo. Además siempre es agradable pasar unas horas en esa ciudad, a pesar del calor.

En mi opinión este avance no transmite una idea correcta del montaje, ya que le muestra con una truculencia excesiva que no se corresponde con la expresada en el mismo.

No voy a descubrir ahora la obra. Una obra del romanticismo que nos transmite el mito de D.Juan al que salva de la condenación el amor de Inés, al contrario que en el resto de las versiones (El burlador de Sevilla, de Tirso, o la ópera de Mozart, que yo conozca) donde se condena. Creo que la obra tiene cosas buenas y otras que no. La primera parte es teatralmente muy apreciable, pero literariamente no tanto con unos versos que caen en muchas ocasiones en la facilidad y el ripio. Algo de lo que, al parecer, fue consciente Zorrilla que criticó duramente su propia obra. Y tiene un notable sentido del humor. La segunda parte es menos brillante desde un punto de vista de desarrollo teatral y sin embargo gana en la calidad y profundidad de sus versos.

La versión de Juan Mayorga y el montaje de Blanca Portillo presenta una serie de características que la alejan de las versiones tradicionales que yo he visto.  En primer lugar, consideran que la obra es intemporal, lo que les permite utilizar un vestuario y unas formas un tanto modernas. Así, por ejemplo, Don Juan y Don Luis ( y sus amigos Avellaneda y Centella) son presentados como unos pandilleros navajeros más cerca de West side Story que de la imagen tradicional. Demasiados golpes en la mesa y saltos en la escena inicial en la Hostería del Laurel. Pero la escena tiene fuerza y está bien interpretada. A Diego Tenorio, el padre, nos lo presenta como un individuo violento (de tal palo tal astilla). Choca un poco.

Doña Inés es realmente joven y cambiante. Es de agradecer esa juventud. En el texto se nos dice que tiene 17 años. Habitualmente es interpretada por actrices bastante mayores. Choca un tanto su vestuario o más concretamente su "camisón" impropio de una novicia que facilita su desnudo en la escena de la seducción.

Brígida, que, tradicionalmente es una sirvienta mayor, se convierte en una celestina joven y atractiva que no duda en satisfacer sus apetencias sexuales con cualquiera. Y Ana de Pantoja está presentada con un notable erotismo.
También desarrollan el personaje de Miguel, el mozo de la Hostería, que se mantiene en escena toda la primera parte, tratando de transmitirnos el deslumbramiento que las hazañas de D. Juan podría generar en los jóvenes.
Destaca el tratamiento dado a dos de las escenas clave de la obra, la lectura de la carta y la escena del sofá. En la primera, mientras Ines lee,  vemos a don Juan componiéndola verso a verso, diciendo algunas lineas, buscando el efecto que espera conseguir. En la escena del sofá, donde no hay sofá, vemos a Don Juan aseándose, recién llegado de seducir a Doña Ana, que va cambiando su actitud hacia doña Inés pasando de la broma al amor.

Una última escena, un tanto chocante, nos muestra a Inés que salva a Don Juan, para después lanzarle un escupitajo de desprecio.

La interpretación, en general está bien. Jose Luis Garcia Pérez es Don Juan. Le ví hace unos años en La avería, también dirigido por Blanca Portillo. Una interpretación que exige un gran desgaste físico. Me gustó. Creo que se adapta perfectamente al carácter del personaje. Doña Inés es Ariana Martinez. No la conozco. Parece que hizo una serie en Antena 3, Bandolera. Me pareció muy adecuada para su papel. Miguel Hermoso es Luis Mejía. También estuvo en La avería, Bandolera y la serie de TV sobre Alatriste. También me pareció correcto, como el resto del reparto en el que destaca Beatriz Argüello como esa Brígida tan poco tradicional.

Otra aportación de  este montaje es la inclusión de una cantante, Eva Martín, que al parecer encarna el espectro de una mujer embarazada por Tenorio, que canta con bonita voz en los cambios de escena, canciones  compuestas por Pablo Salinas . Esto viene motivado por una escenografía creada por la directora que, aunque sencilla e imaginativa, obliga a ensamblar una serie de elementos entre escena y escena, lo que ralentiza y alarga la obra, sobre todo una vez superada la novedad de las canciones, que llega a superar las dos horas y cuarto. 

En resumen, una visión algo distinta del clásico de Zorrilla, empeñada en mostrarnos a Tenorio como lo que es, una mala persona, lo que queda claro en la obra sin necesidad de ser recalcado como se hace aquí,  con algunas ideas afortunadas y otras no tanto, que personalmente tengo que decir que no me disgustó en absoluto.

teatro: ENRIQUE VIII Y LA CISMA DE INGLATERRA

La Compañía Nacional de Teatro Clásico presenta en el Teatro Pavón esta obra de Calderón de la Barca. Se trata de una versión llevada a cabo por Jose Gabriel López Antuñano y con la dirección de Ignacio García del que no he visto montajes anteriores.

En la obra Calderón nos presenta el proceso por el que Enrique VIII pasa de ser un defensor de la fe católica a declararse cabeza de la Iglesia anglicana, todo ello bajo la manipulación del cardenal Volsey (aqui Volseo) y el deseo de unirse a Ana Bolena, separándose de Catalina de Aragón para después arrepentirse, condenar a muerte a la Bolena y tratar de volver con Catalina, en una interpretación un tanto personal de la Historia.

Dejando al margen la fidelidad histórica,  la obra nos presenta el conflicto en que se encuentra Enrique VIII, un rey culto, educado, que pretende gobernar honorablemente su reino, pero incapaz de controlar su pasión por Ana Bolena y el deseo de tener un hijo varón. Junto a él y aprovechándose de su inestabilidad, el Cardenal Volseo, ambicioso y manipulador, que deseoso de deshacerse de la reina Catalina facilita la relación del rey con Ana Bolena y el cisma religioso.

Calderón destaca el papel y la personalidad de la reina Catalina frente a sus dos enemigos, el cardenal y Ana, y manipula el final de la relación entre el rey y ésta, presentando un arrepentimiento religioso que, al parecer, queda bastante lejos de la realidad.

Pero más allá del carácter de denuncia y del intento de desprestigiar la iglesia anglicana exhibiendo su pecado original, Calderón nos ofrece un texto sobre las debilidades humanas de los distintos personajes y una reflexión sobre el poder y la ambición. El montaje de Ignacio García hace hincapié en la falta de sensibilidad de los gobernantes que miran mas por sus propios intereses que por los de sus ciudadanos, tratando de acercar la obra a la situación actual.

En general la obra me gustó. Estamos ante teatro, no ante una lección de historia, y en este sentido el lenguaje de Calderón, la puesta en escena y la interpretación me parecieron notables.

Enrique VIII es Sergio Peris-Mencheta, un actor cuyo valor se está incrementando dia a dia. Me gustó mucho más que en el Julio Cesar que le vi hace algunos meses. El cardenal es Joaquín Notario, un habitual de la compañía, un actor sólido que dota de credibilidad a sus personajes, aunque aquí quizá marca demasiado el carácter corrupto de Volseo. Catalina es Pepa Pedroche, otra habitual de la compañía que en esta ocasión me gustó mucho. Completan el elenco, entre otros,  Mamen Camacho (la hemos visto en la serie de TVE, Gran reserva y procede de la compañía joven de teatro clásico) como Ana Bolena, Emilio Gavira, Sergio Otegui y Chema de Miguel. También está María Jose Alfonso, como el ama de honor de la reina Catalina, cincuenta años después de ser La niña de luto (Manuel Summers, 1963).

Aunque el rigor histórico de la obra, basada en la historia del jesuita Pedro de Rivadeneyra, no sea muy de fiar, el espectáculo vale la pena.

Teatro: DONDE HAY AGRAVIOS, NO HAY CELOS

Comedia de enredo de Francisco de Rojas Zorrilla, se convierte en la versión que dirige Helena Pimenta en el Teatro Pavón en un juego de intercambio de identidades, de puertas que se abren y se cierran dando paso a personajes equívocos y complejos, propio de los vodeviles más modernos. Sorprende la habilidad con que Rojas Zorrilla desarrolla una trama que hoy no nos parece novedosa pero que lo debió ser en su momento.

Donde hay agravios no hay celos cuenta una historia de enredos  en torno al amor, el deseo, la venganza, las diferencias sociales, los engaños, los agravios... donde un sentido del honor exagerado (para nuestros dias) puede impedir que imperen la razón y los sentimientos. A Madrid llegan Don Juan de Alvarado y su criado, Sancho, para conocer a Doña Inés de Rojas, con la que se ha prometido, pero sin conocerse más que por sus retratos. Atrás deja, en Burgos, una hermana deshonrada y un hermano muerto por un hombre del que espera poder vengarse. Doña Inés vive en la casa familiar con su padre y una criada, Beatriz, alcahueta y respondona, y sufre  los acosos de su primo, Don Lope, que la visita de noche con la complicidad de la criada. Llega a Madrid, también, la hermana deshonrada, Doña Ana, que también se aloja en la casa y se suceden los enredos.

El montaje es ágil y bien llevado, recalcando el carácter cómico de las situaciones. Es una comedia, no un drama. Los intérpretes, en general, correctos. Destacan, en mi opinión, los personajes femeninos, interpretados por Natalia Millán (Doña Ana), a la que recuerdo en El mercader de Venecia, y que ha destacado en Cabaret y Cinco horas con Mario. Es bailarina y cantante, con una voz apreciable. Clara Sanchis es Doña Inés. La recuerdo de Agosto y El curioso impertinente. Por último, Marta Poveda es Beatriz. De ella recuerdo Burundanga y varias de las últimas obras de la CNTC (La vida es sueño). Me parece una buena actriz, pero con una voz de acatarrada permanente, que le impide destacar como merecen sus cualidades. Y entre ellos, David Lorente, en el papel de Sancho (los papeles de criados son siempre muy agradecidos en este tipo de teatro) y Fernando Sansegundo, siempre eficaz, que es además es autor de la versión.

Creo que si se acortara un poco el núcleo central de la obra, algo reiterativo, quedaría un espectáculo francamente bueno, en el que no molestan los intermedios musicales, aunque la música de tango interpretada por el acordeonista bieloruso Vadzim Yukhnevich, suene un tanto anacrónica, y donde las escenas de duelos a espadas están bien coreografiadas. 

Podéis ir a verla el dia 3 de diciembre, en la salida que organiza Maite. Os la recomiendo.

Teatro: Las dos bandoleras, de Lope de Vega

La compañia nacional de teatro clásico está representando en el Teatro Pavón, Las dos bandoleras, de Lope de Vega, en versión de Carme Portaceli y Marc Rosich.

Se trata de una obra poco habitual de su autor, en que nos presenta a dos hermanas que, burladas por sus galanes, dos soldados de paso, que una vez conseguidos sus propósitos pretenden desaparecer sin atender a su compromiso, deciden echarse a la sierra y convertirse en bandoleras, con el único fin de vengarse de los hombres. Al parecer Lope trato este tema en otra de sus obras, La serrana de la Vera, obra de la que se incluyen fragmentos y personajes en el montaje que se presenta en el CNTC.
La obra está bien, típico enredo con mujeres burladas, fuertes, que deciden vengarse de sus burladores. Lo que no me gustó fue la puesta en escena, ni la interpretación.
Las dos protagonistas son Carmen Ruiz y Macarena Gómez, ambas habituales de series de televisión. Mientras Carmen Ruiz sostiene bien el personaje, su compañera se muestra muy limitada. Grita mucho y su dicción es mala. Tampoco el resto del reparto me gustó. Helio Pedregal, al que he visto mejor en otras ocasiones, interpreta al padre de las dos muchachas y no termina, en mi opinión, de dar el tono adecuado. Del resto, quizá David Fernandez como Orgaz, el gracioso de la obra, sea el más salvable.

En cuanto a la puesta en escena, parece que se ha querido dar un toque antibelicista a la obra, que se sitúa en los tiempos de la conquista de Córdoba y Sevilla, en el siglo XIII, por Fernando el Santo.Pero el vestuario y los efectos  nos sitúan en una época actual, con sonido de helicópteros y uniformes de camuflaje, gorras de requeté, tops ceñidos y anacronismos similares. Todo ello bastante fuera de lugar, en mi opinión.Por otra parte la representación me pareció innecesariamente alargada (2 horas y cuarto)