Teatro: LA PIEDRA OSCURA

Estrenada en 2014 en Montevideo, su estreno en España, en la sala pequeña del María Guerrero en enero de 2015, convirtió a La piedra oscura en una de las revelaciones de la temporada, siendo objeto de diferentes reposiciones en Madrid y de numerosas representaciones por toda España, incluyendo una en el Teatro Mira, aquí en Pozuelo. 
Por diferentes razones no había tenido oportunidad de verla hasta ahora en que en una nueva reposición, se presenta en el Teatro Galileo de Madrid.

La obra está inspirada libremente en la figura de Rafael Rodríguez Rapún, un
estudiante de minas, secretario del teatro universitario La Barraca y
compañero de Federico García Lorca en los últimos años de sus vidas. Rapún
murió el 18 de agosto de 1937 –justo un año después de Federico– en un
Hospital Militar de Santander. Le habían herido antes en el transcurso de un
ataque aéreo cerca de Bárcena de Pie de Concha, un municipio de Cantabria situado a 60 Kms de Santander. Por lo tanto el encuentro del que se ocupa la obra es ficción. Sin embargo el resto de informaciones, datos, nombres, sucesos, etc. son el resultado de la investigación que desarrolló él autor durante años. El autor es Alberto Conejero, nacido en 1978, licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y doctor por la Universidad Complutense de Madrid. Otras obras suyas son La extraña muerte de una cupletista contada por su perro,   Cliff  (acantilado),  estrenada en Buenos Aires en 2012 y en Madrid en 2014; Ushuaia,  y Húngaros. Tiene pendiente de estreno en Madrid (enero 2017) Todas las noches de un dia, con Blanca Portillo y José Luis Garcia-Pérez. No conozco ninguna de ellas. 

Ha ganado varios premios y la obra que comento se hizo con cinco Premios Max en la última edición.

Una habitación de un hospital militar cerca de Santander; dos hombres que no se conocen y que están obligados a compartir las horas  de una cuenta atrás que quizá termine con la muerte de uno de ellos al amanecer. Un secreto envuelto en remordimientos y un nombre que resuena en las paredes de la habitación: Federico. Queda tan sólo la custodia de unos documentos y manuscritos como último gesto de amor. 


Tal como reconoce el autor, Rafael realmente murió desangrado en un hospital republicano de Santander pero él construye la  ficción de que pasara su última noche custodiado por un joven del ejército sublevado lo que le permite generar no sólo tensión dramática sino explorar los mecanismos del encuentro y la redención, que son temas fundamentales de la obra. Es una obra sobre el encuentro decisivo de dos hombres en el que un lenguaje automatizado, lleno de prejuicios y miedos, se va resquebrajando para dar lugar a una especie de intimidad entre ellos. Como dice el director de la puesta en escena, lo que vemos es lo que ocurre cuando dos seres humanos están uno frente al otro  en una situación extrema. Qué pasa con sus certezas, con su criterio moral, con lo que creen que está bien o está mal. Contar qué pasa con dos personas que en principio parecen muy lejanas y que acaban no solo encontrándose, sino necesitándose.

El texto tiene  tensión dramática y pulso poético. La puesta en escena es correcta y sencilla como también la interpretación. El director es Pablo Messiez, también autor en ocasiones, que ha realizado, al parecer, varios montajes interesantes en los últimos años (Las criadas, Ojos, La distancia...) aunque no he tenido ocasión de verlos. Los intérpretes son Daniel Grao y Nacho Sánchez. Al primero lo hemos visto últimamente en bastantes ocasiones. En TVE está en La sonata del silencio y va a protagonizar La catedral del mar en Antena 3. En cine le acabamos de ver en Julieta. Nacho he leido que ha debutado profesionalmente con esta obra, aunque despues de casi dos años interpretándola ya no cabe hablar de él como debutante. Los dos están muy bien.

Una obra que vale la pena ver.

Cine:EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS

Dirigida por Alberto Rodriguez, uno de los más interesantes directores españoles, del que comenté el año pasado La isla mínima, probablemente la mejor película española del año.

En los años noventa al gobierno socialista le sobresaltó el llamado caso Roldán. Luis Roldán había llegado a ser Director General de la Guardia Civil puesto del que había sido cesado por sospechas de corrupción. Paralelamente, Francisco Paesa, ex agente secreto del gobierno español y responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, se vio envuelto en un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y hubo de huir del país. 

Cuando regresa al cabo de los años está arruinado y su vida personal atraviesa su peor momento. En estas circunstancias, recibe la visita de Luis Roldán y de su mujer Nieves Fernández Puerto. Ambos le ofrecen un millón de dólares a cambio de ayudarles a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos al erario público. Paesa ve entonces la oportunidad de mejorar su situación económica, y de paso, vengarse del gobierno español para lo que pone en marcha una  operación de espionaje con la colaboración de su inseparable amigo Jesús Camoes. 
El ex agente tendrá un papel determinante en la fuga y posterior entrega de Luis Roldán. Tras un duro y largo trabajo, Paesa pudo entregar a las autoridades a Roldán, siendo posteriormente juzgado y enviado a prisión por los delitos de malversación de fondos públicos, cohecho, fraude fiscal y estafa. 

A partir de estos hechos y basándose en una novela de Manuel Cerdán, periodista de investigación que ha trabajado en diferentes medios de comunicación, Alberto Rodriguez y Rafael Cobos han construido una historia de acción donde las trampas, las mentiras y los pactos son las señas de identidad de los personajes. Unos personajes reales donde algunos hechos son verdaderos y otros podrían serlo. O no. 


La película tiene una puesta en imágenes irreprochable, con algunas interpretaciones y una caracterización excelentes. Lo que no gustó tanto es la forma narrativa escogida: un narrador que es personaje (creo que no responde a ninguno real). No es una fórmula nueva ni mucho menos y, probablemente, es adecuada para contarnos una historia como esta. Por lo que he leido es una decisión muy meditada y realmente resulta difícil saber cual podría haber sido una manera más eficaz, pero no me acabó de convencer.

Dejando esto al margen, tengo que decir que salvo una caída de ritmo y tensión en la segunda mitad, la película me gustó mucho. Es sorprendente que una historia más o menos conocida por todos y de la que sabemos muchos detalles consiga mantener de tal forma el interés. A ello contribuye especialmente la excelente interpretación de Eduard Fernández como Paesa. Hace unos días al comentar Lejos del mar, decía que este actor siempre me gusta. Aquí está que se sale. Premiado merecidamente en San Sebastián. Le acompañan Carlos Santos, muy bien caracterizado como Luis Roldán, José Coronado como su amigo y narrador Jesús Camoes, y una serie de actores en personajes más episódicos como Marta Etura como la mujer de Roldán, Pedro Casablanc y Luis Callejo (al que acabo de ver en Tarde para la ira), con una caracterización muy notable del entonces ministro de justicia e interior, Juan Alberto Belloch.

Muy recomendable, en mi opinión

Cine: EL PORVENIR

Película francesa, dirigida por Mia  Hansen-Love, joven directora (35 años), casada con uno de los directores más prestigiosos de Francia, Olivier Assayas (Viaje a Sils María), 25 años mayor que ella. Con un estilo que recuerda a Eric Rohmer. El porvenir fue presentada en el último festival de Berlín donde obtuvo el Oso de plata a la mejor dirección.

Nathalie (Isabelle Huppert) es una profesora de filosofía de que da clases en un instituto de París. Está a gusto con su trabajo y reparte su tiempo entre sus alumnos y su familia, con sus hijos ya mayores y su madre algo senil. Hasta que un dia su marido se va con otra mujer.  Ese será el primero de una serie de grandes cambios que obligarán a Nathalie a reinventar su vida. 

Ese proceso es el que nos muestra la película. Nathalie ve como primero su marido y luego su madre desaparecen de su vida. Se relaciona con un antiguo alumno, conoce su vida en una especie de comuna. Ve como su editorial cancela sus proyectos. Tiene un nieto... Verse de repente desasistida en una especie de vacío en un momento de la vida en que parece que se deben tener respuestas claras...Todo esto contado de una manera sencilla, pausada, muy francesa. Escenas sueltas, diálogos en los que la filosofía flota sobre los personajes. Toda la película gira alrededor del personaje de Nathalie y Nathalie es Isabelle Huppert que, como siempre, dota a su personaje de toda su personalidad y credibilidad.

Película notable, interesante, quizá demasiado intelectual, que exige cierto grado de atención, con un buen personaje central y una gran actriz. 

Cine: NERUDA

Dirigida por Pablo Larraín, de quien pudimos ver el año pasado El club, una dura película que comenté en su momento y que fue candidata al Oscar a pelicula en lengua no inglesa. Tiene pendiente de estreno Jackie, presentada en Venecia, la incorporación del director chileno al cine norteamericano donde Natalie Portman interpreta a Jackeline Kennedy. Neruda es una coproducción entre Chile-Argentina-Francia y España.

La película nos aproxima a un momento en la vida de Pablo Neruda. En 1948 es senador por el partido comunista, que ha sido ilegalizado, y acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla ordena su captura.  Neruda empieza una huida hacia el exilio, perseguido por el jefe de la policía Oscar Peluchonneau. Mientras es perseguido, Neruda comienza a escribir "Canto general" y se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria. 

Larrain y su guionista, Guillermo Calderón parten de dos figuras y un hecho real para construir una ficción donde nos presentan una visión que, al parecer no se ajusta mucho a la realidad de los personajes. Ficción y realidad se mezclan para presentarnos al poeta desde la óptica de un policía que ve a Neruda como un creador pero también como un amante de las mujeres, un vividor asiduo de prostíbulos, al que le gusta la buena vida, contradictorio, en esa visión de los comunistas que tanto gusta a la derecha. Según el director, es un filme sobre un policía que le da sentido a su vida al perseguir al poeta, mientras éste entiende que, si logra escapar, logrará que su voz sea más fuerte, más grande, más escuchada. En esta vuelta, se transforma en un gigante, en una leyenda.

Con un tratamiento un tanto poético de la imagen, especialmente en la resolución en la nieve, la película es interesante, aunque en algunos momentos se me hizo pesada. 

Destaca la interpretación de Luis Gnecco como Neruda, al que le sobra amaneramiento en mi opinión, aunque he oído grabación del poeta recitando su poesía de forma, también, un tanto amanerada. Y le da réplica Gael García Bernal como su perseguidor. También están Mercedes Morán (Betibú)y el español Pablo Derqui (la serie Isabel).

SPARROWS ( GORRIONES )

Últimamente se vienen asomando a nuestras pantallas algunas películas islandesas bastante interesantes, yo he visto " De caballos y de hombres ", "Rams", "Corazón gigante", y la última en estrenarse Sparrows, son películas pequeñas, íntimas con presupuestos no muy grandes, prácticamente rodadas en exteriores, en coproducción con otros países nórdicos y que dependen de su aceptación en los festivales de cine para tener una carrera comercial honrosa, ya que el consumo interior ( 300.000 habitantes ) sería insuficiente.

Éste es el caso de Sparrows del director y guionista Rúnar Rúnarsson, premiada con la Concha de oro del festival de San Sebastián del pasado año y en coprodución con Dinamarca y Croacia.
Ari , adolescente de dieciséis años, largirucho, sensible y dotado de una maravillosa voz blanca, se ve obligado por el desplazamiento de su madre y su pareja a África, a abandonar Reikiavik, sus estudios y el coro en el que actúa y volver con su padre, al que no ve desde hace seis años, a un pueblo al norte occidental de la isla, a un paisaje y ambiente desolador y hostil.
Rúnarsson nos narra el relato iniciático del joven Ari que se enfrenta a la convivencia con un padre alcohólico, fracasado en su matrimonio y una víctima más de la crisis que fue especialmente virulenta con Islandia, tiene que afrontar también la muerte de su abuela, su iniciación decepcionante al sexo, todo ello en contacto con una naturaleza y un paisaje apabullante y demoledor donde las personas combaten su hastío e insignificancia con orgías de alcohol, drogas y sexo, todo ello agravado con el influjo del solsticio de verano, con esa sensación de luz que nunca se acaba.
Todo este ambiente malsano parece dispuesto a la corrupción del ángel, que se presta a todo por conseguir empatizar con las personas de este nuevo entorno, agravado por la búsqueda del padre de su infancia y que no reconoce en el actual, no es de extrañar su buena relación con el adulto compañero de trabajo.
Esta desprotección agravada, por una circustancia durísima que le acontece, hace que Ari se aferre a su padre como única salida, en la escena final se abraza a él mientras duerme , final que recuerda mucho al de los dos hermanos de Rams.
Película recomendable, dura como el paisaje islandés, pero con algunas buenas secuencias como la de Ari cantando dentro de un silo metálico,  con la luz cenital entrando por la boca del mismo.
Por supuesto el elenco de actores me es desconocido, destacaría al padre Ingvar Oskar Fjalarsson,el joven que interpreta a Ari me resulta menos convincente sobre todo en las secuencias que canta donde gesticula demaseado.

Cine: LEJOS DEL MAR

Imanol Uribe ha tocado el tema de la violencia en el Pais vasco en varias de sus películas desde su debut con La fuga de Segovia (1981). Antes el documental El proceso de Burgos (1979), y después La muerte de Mikel (1983) y Dias contados (1994) que ganó la Concha de oro en San Sebastián y 8 Premios Goya. Pero ha dirigido bastantes más sin ninguna relación con este tema, entre ellas El rey pasmado (1991), ganadora también de 8 Goyas o El viaje de Carol. No obstante, parece que se le identifica preferentemente con el.

Lejos del mar se presentó en el Festival de San Sebastián del año pasado, pero no se ha estrenado hasta un año después, en esa aglomeración de películas españolas en que los exhibidores han convertido el final del verano en el que se han estrenado, por lo menos, diez.

Santi, un asesino de ETA, sale de la cárcel después de cumplir su condena de más de veinte años y viaja al sur para visitar a Emilio, un antiguo compañero de celda que está enfermo, en fase terminal. La casualidad hace que Marina, la médico que atiende a su amigo, sea la hija de su víctima, a la que acompañaba ventitantos años antes cuando Santi lo asesinó en San Sebastián.

Dejando aparte la verosimilitud de la relación que se establece entre Marina y Santi, creo que el problema de la película es como se desarrolla de esa relación y sobre todo los personajes secundario y las tramas que estos desarrollan. 

Desde luego a mi me resulta muy difícil de creer la relación entre el asesino y la hija de la víctima. Pero se trata de los sentimientos de dos personas que arrastran tras de si una tragedia. Él, moralmente arrepentido de un acto con el que tiene que cargar durante toda su existencia y que, tras cumplir su condena, busca la manera de seguir viviendo y encontrar un hueco. Ella, alguien que no ha conseguido superar el drama de ver la muerte violenta de su padre y que vive obsesionada con el rostro de aquel hombre que apretó el gatillo. Como dice su director, no es una historia de amor sino una atracción que se produce entre dos personas con unpasado trágico común.  Y esto está bien expresado por dos buenos actores, Eduard Fernández (Yo no recuerdo ninguna ocasión en que no me haya gustado este actor) y Elena Anaya. Lo malo es que la relación de los personajes, especialmente ella, con su entorno, el centro médico, su compañera y sobre todo, su marido y su hijo no me lo creo en absoluto. Demasiadas cosas que no se explican o que están muy forzadas. En cambio da lugar a una escena con su madre, Susi Sánchez, (que buena es esta actriz), espléndida.

Película fallida, en mi opinión, con una idea muy interesante como punto de partida: el encuentro entre un verdugo y su víctima, una reflexión sobre las heridas íntimas y profundas provocadas por la violencia que vuelven
a reabrirse a medio y largo plazo. que es como el director y coguionista plantea su película. 

CINE- GERNIKA

<< Por su ejecución y el grado de destrucción perpetrado, el bombardeo de Guernica no era un objetivo militar >>  George L. Steer.

Esta frase formaba parte de la crónica que George L. Steer, periodista de origen sudáfricano, envió a su periódico The Times, narrando lo vivido de primera mano, un 26 de Abril de 1937, el bombardeo del pueblo de Gernika por los aviones Heinkel 111 de la legión Cóndor alemana.
Este periodista ha servido de inspiración para el protagonista de la película .
Henry Howell es un periodista americano destacado en el Bilbao republicano, para cubrir el conflicto de la guerra civil española, destacado profesional se encuentra en horas bajas, más preocupado en agenciarse bebida que en procurarse información veraz, no demuestra simpatía por ninguno de los dos bandos "Aborrezco la propaganda venga de donde venga".
Teresa ( María Valverde ) es una republicana que está al frente de la oficina de control e información de los periodistas acreditados, eufemismo para encubrir lo que realmente es ,una maquinaria de control y propaganda, ya controlada por el partido comunista.
Teresa se mueve entre su fidelidad a la república ,su amistad hacia su superior Vasil y por último su admiración por el periodista que fué Howell y del que se enamora, este marco romántico es el telón de fondo para llegar al fin último de la película que es mostrar el bombardeo y su resultado, una ciudad destruída y ciento treinta muertos y el milenario roble indemne

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Koldo Serra , director vasco realizador mayoritariamente de televisión,se ha atrevido con un tema que aún no había sido tratado en el cine español, la película  rodada en inglés con un amplio presupuesto ,de factura impecable, se ve con interés pero queda lastrada por lo floja que resulta la parte romántica y por lo esquemática y estereotipada de la trama política, las localizaciones y ambientación están muy logradas aunque algunas partes ,como el baile de gala chirrían en un contexto de guerra civil, los personajes secundarios de la trama solo quedan justificados para insertarlos en el bombardeo y que este no quede solo como mero documento.
Todo el contexto de la oficina de control me ha recordado a la novela de Arturo Barea "La forja de un rebelde", novela autobiográfica  donde él ejercía el mismo cargo que Teresa en la oficina de control e información en Madrid que se ubicó en el edificio de Telefónica en la Gran Vía, por allí pasaron grandes periodista y escritores como Dos Passos, Hemingway, Geoffrey Cox, Antoine de Saint Exepury,....
<< Mientras mutilaba sus informaciones, siguiendo las órdenes que me daban, no podía por menos que admirar el valor el valor personal de los corresponsales, aunque me enfureciera su indiferencia. Se marchaban a las primeras líneas, arriesgando hasta las balas de un miliciano xenófobo o la captura por los moros en las fluctuaciones de un combate para conseguir unas pocas líneas de información militar>>
Al igual que la película las interpretaciones resultan totalmente académicas , resaltaría a Maria Valverde , Bárbara Goneaga y a Burn Gorman, los ingleses James Darcy y Jack Davenport están correctos así como los secundarios Alex García, Irene Escolar y Victor Clavijo.
La película acaba con la inevitable referencia a Picasso ,Howell lleva en brazos a Teresa y la imagen se funde con la del cuadro.