Cine: Y LOS OSCAR FUERON...

Una nueva ceremonia de entrega de los Oscar de Hollywood. Birdman la gran triunfadora, con los de mejor película y director, además de guión original y fotografía. 

2014 ha sido un año de buenas películas pero no de películas extraordinarias. De las nominadas, a falta de ver Selma, pendiente de estreno, creo que Birdman, Boyhood y Gran Hotel Budapest destacaban por la originalidad de sus planteamientos y estructura mientras que  The imitation game y La teoría del todo lo hacían por el tratamiento clásico y tradicional. Cualquiera de ellas podía ganar y la Academia se ha decantado por Birdman. 

La lógica dice que el mejor director debería ser el de la mejor película. No obstante en los últimos años no siempre había sido así. En esta ocasión sí. Creo que tanto Richard Linklater (Boyhood) como Wes Anderson (Gran Hotel Budapest) han hecho dos trabajos merecedores de premio. Pero solo gana uno, en este caso Alejandro González Iñárritu del que tengo que decir que me gustaban más sus películas cuando trabajaba con Guillermo Arriaga.

Los premios en las categorías de actores han sido los previstos. Julianne Moore por Siempre Alice, Eddie Redmayne por La teoría del todo, Patricia Arquette por Boyhood y JK Simmons por Whiplash. Todos ellos venían de ganar los premios más importantes (Globos de oro, Bafta, etc) y sus papeles eran muy propicios a los premios.

La mejor película en lengua extranjera ha sido elegida la polaca Ida. Creo que es superior al  resto de las nominadas.

Del resto de premios, destacar los efectos visuales de Interstellar, el sonido y el montaje de Whiplash, el guión adaptado de The imitation game, y el diseño de producción y vestuario de Gran Hotel Budapest.
De todas excepto de Gran Hotel Budapest, (en su momento no lo publiqué, no recuerdo la razón) podeis encontrar comentario en el blog.

De cualquier forma, para mi, esto no es una competición donde uno gana y los demás pierden. Hay un conjunto de películas, directores, actores y técnicos con unos productos que pueden gustar más o menos a los que deciden los premios, como nos gustan más o menos a los espectadores. Pero la fiesta aquí como en los Goya españoles, los BAFTA británicos o los Cesar franceses consiste en dar premios. Bienvenidos sean mientras sirvan para mantener el espectáculo. Aunque el espectáculo de las Galas sea bastante poco soportable.

Cine: EL FRANCOTIRADOR

Dirigida por Clint Eastwood y con seis nominaciones a los Oscar, entre ellas mejor película y mejor actor, nos llega El francotirador, la última, por ahora, película de su director que con 84 años ha dirigido dos películas en 2014, de temática tan distinta como esta y Jersey Boys, que comenté hace unos meses.

La película está basada en la autobiografía de Chris Kyle, un marine del grupo de operaciones especiales (SEAL) de los EEUU que consiguió un número enorme de muertes en la guerra de Irak como francotirador, es decir protector de sus compañeros desde posiciones en las que dispone de un amplio campo de visión. Su eficacia hace que sea considerado un héroe.

La película nos muestra en un flashback inicial como desde muy pequeño fue educado en la atracción por las armas y en la protección de los suyos y como, tras dedicarse al Rodeo, tras unos atentados en las embajadas de los EEUU de paises en Oriente, decide enrolarse en la marina donde en periodo de instrucción conoce a la que sería su mujer. Destinado en la guerra de Irak, actuará como francotirador, participará en acciones de guerra, volverá a casa en tres ocasiones, demostrará un desapego cada vez mayor por la vida civil hasta que tras su cuarta presencia en Irak decidirá dejar la Marina y volver a casa definitivamente.

Se trata de una película bélica en la línea de la ganadora de seis Oscar en 2010, En tierra hostil. donde el personaje principal se dedicaba a desactivar bombas. Las escenas de guerra son espectaculares. Lo que pasa es que el personaje principal ni tiene ningún atractivo para mi ni es un personaje cuyo desarrollo justifique, en mi opinión, su seguimiento. En ningún momento se cuestiona su actividad. Forma parte de los buenos que luchan contra los malos. Y tampoco la película se lo cuestiona. Tan solo su mujer, al ser consciente de que entre la familia y la guerra elige la guerra, se cuestiona la actitud de su marido, pero no la guerra.

Aparte de la poca simpatía que me despierta el personaje, hay una serie de momentos en la película que pretenden añadir dramatismo a la situación pero que no contribuyen a que me la crea. Conversaciones telefónicas con su mujer en medio de acciones de guerra, la presencia de un francotirador en las filas enemigas que genera una especie de duelo propio de un western, aunque a dos kilómetros de distancia, con la sensación de que tras vencer en este duelo, es cuando considera llegada la hora de volver a casa. Todo muy simplista desde el punto de vista de construcción de la historia, lo que además parece claro que son aportaciones ajenas a la realidad.

Bradley Cooper es el protagonista absoluto. Y no se puede decir que no esté bien, aunque tampoco se le exige un gran esfuerzo interpretativo, aparte de mostrar un cuerpo de luchador (parece que engordó 20 kilos para este papel). Su mujer es Sienna Miller, a quien vi hace poco en Foxcatcher, como la mujer de Mark Ruffalo. Es una actriz atractiva, pero habrá que verla en papeles con mas enjundia. Aquí me gustó mas en las primeras escenas con Cooper, cuando se conocen en un bar, que en los sucesivos encuentros en los regresos a casa.

En resumen una buena película de acción pero que no va más allá de las hazañas bélicas.

Cine: LEVIATAN

Película rusa, nominada al Oscar  en lengua no inglesa. Dirigida por Andrey Zvyagintsev, director premiado por sus anteriores películas, El regreso (2003) en Venecia, El destierro (2007) y Elena (2011) en Cannes. Leviatán fue premiada este año en Cannes como mejor guión. No he visto ninguna de sus películas anteriores.

En una ciudad del norte de Rusia vive Kolia con su segunda esposa y su hijo del primer matrimonio. El alcalde de la ciudad ha conseguido expropiar la casa y los terrenos con la excusa de un proyecto de interés común, y Kolia dirige sus reclamaciones con la ayuda de un abogado de Moscú, quien, al parecer, tiene información sobre el alcalde que le compromete gravemente. Esta situación se combina con una relación sentimental entre la esposa y el abogado y la rebeldía y rechazo del hijo contra la mujer. Todo ello aderezado con continuas borracheras de todos los implicados, que se pasan gran parte del metraje bebiendo vodka. Y con la utilización sin límites de la violencia por parte del poder, apoyado por la Iglesia y la Justicia. Una mezcla de Thriller y drama familiar.

Es curioso, la RAE en su diccionario define Leviatán como Monstruo marino fantástico y en segunda acepción Cosa de grandes dimensiones y difícil de controlar. p.e. Este estado es un Leviatán. Parece que esta segunda definición fuera la que da título a la película, aunque más parece apoyarse en el libro del filósofo inglés Thomas Hobbes (siglo XVII) Leviatán, o La materia, forma y poder de una república eclesiástica y civil,  que al parecer puede entenderse como un estudio de las consecuencias del Estado absoluto y en el libro de Job, personaje bíblico al que menciona el pope. Además de la presencia de un esqueleto de un gran animal marino en una playa cercana a la casa. Toda una carga de simbolismos.

El caso es que Leviatán nos narra como el poder utiliza todos los medios, legales o no, para deshacerse de la resistencia de Kolia, que acabará en la cárcel, con su mujer muerta, su hijo en manos de las asistencias sociales y con su amigo abogado de regreso a Moscú, vencido y apaleado.

Es una historia que puede darse en cualquier lugar, (de hecho el director afirma haberse inspirado en un caso ocurrido en Estados Unidos) aunque está claro que en los países occidentales se disimula mejor la corrupción y la intimidación. O no. No sé porque pero me venían a la memoria algunos pasajes de la novela de Rafael Chirves, Crematorio o quizá más bien de su versión televisiva, mientras veía la película. De todas formas parece que a las autoridades rusas no les ha gustado nada la película. No es de extrañar.

La película es amarga, un clima turbio, violento, bien conseguido. Ninguno de  los personajes despierta nuestra simpatía. La combinación de la lucha contra el abuso del estado y los problemas familiares del protagonista, no me parece afortunada, más bien una excusa para dar lugar a lo que le ocurre a lo largo de esa lucha. Y además es demasiado larga, 140 minutos.

Cine:. TIMBUKTU

Confieso que no me atrae el cine exótico, entendiendo como tal el que se desarrolla en lugares y culturas alejadas de la forma de vida occidental.
No obstante, hace unos años, superé mis recelos y disfruté de la película iraní Nader y Simin, una separación, y he visto algunas otras como por ejemplo la turca Sueñs de invierno que comenté hace unos meses. 
Digo esto para tratar de justificar mi falta de entusiasmo ante Timbuktu, una buena película que ha obtenido muy buenas críticas y está nominada para el Oscar a la película en lengua no inglesa y numerosos Premios Cesar del cine francés y que, sin embargo, me dejó bastante frío.

La llegada de los islamistas radicales a la ciudad de Timbuctu (o Tombuctú) en Malí, supone la imposición a la población de una serie de prohibiciones y obligaciones absurdas como no poder fumar, cantar, escuchar musica o jugar al futbol y cualquier otra cosa en lugares públicos. Con sus armes automáticas y los tribunales se encargan de perseguir a los transgresores de las normas y aplicar castigos que nos remiten a las salvajadas de los nazis.
En ese entorno, la historia nos presenta algunos casos como el de Kidane, propietario de ocho vacas, que vive en una jaima en el desierto con su esposa, una hija y un chico que se ocupa del pastoreo con las vacas y que debe enfrentarse al castigo por la muerte, relativamente accidental, de un pescador, dos adúlteros castigados a una cruel muerte por lapidación o un grupo de jóvenes castigados a ser flagelados por reunirse en una casa a tocar música y cantar. Y también la rebeldía de la pescadera que se niega a usar guantes. 

En las situaciones que se nos plantean, apreciamos la crueldad y la sinrazón de los invasores y el ingenio para evitar infringir las leyes de algunos de los habitantes. Partidos de futbol sin balón, el baile sin música o el propio Kidane, que se aleja de la ciudad para poder hacer lo que en la ciudad no se le permite  son muestras de ese ingenio que permite sobrevivir en una situación insoportable, donde es imposible enfrentarse a quienes tienen el poder y lo sustentan con armas.

Lo malo es que es que lo que se nos cuenta me parece, en algunos momentos, confuso y se me plantean preguntas a las que no encuentro respuesta en la película. ¿Porqué los islamistas no actúan contra la mujer que se pasea por el pueblo cantando y con la cabeza descubierta?, ¿porqué Kidane no se defiende de la acusación? (en nuestra cultura, existen infinidad de atenuantes que podría esgrimir, se trata, como mucho de un homicidio imprudente). ¿Quien es el motorista que es perseguido al final? Y junto a estas algunas probablemente derivadas de la propia cultura del pueblo, como esa sensación de resignación que se aprecia en el pueblo, siempre entregado a la religión y a los designios de Alá o la postura de Kidane, que se queda en la Jaima, holgando, mientras el chico pastorea en una tarea que resulta claramente superior a sus posibilidades.

Con todo, hay que decir que la película actúa casi como un documental (de hecho, ese era el proyecto inicial) de denuncia de una situación insoportable tratada con una gran delicadeza y sensibilidad. Con una bella fotografía, una inteligente utilización de la música, el nombre de su director, Abderrahmane Sissako, es un nombre a retener.   

Cine: FOXCATCHER

Película norteamericana dirigida por Bennet Miller. Es su tercera película tras Truman Capote (2005) y Moneyball (2011). Truman Capote era una película interesante sobre la personalidad del escritor. Se centraba en el proceso de gestación de la espléndida A sangre fria y estaba dominada por la interpretación de Philip Seymour Hoffman, tan brillante como siempre. Moneyball se situaba en el mundo del beisbol americano y estaba basado también en un personaje real, gerente de un equipo que conseguía formar un equipo competitivo con una inversión económica pequeña en base a optimizar los medios humanos mediante un programa informático. Era una interesante aproximación al mundo del deporte profesional que abría la posibilidad de encontrar puntos de contacto con el mundo de los managers y entrenadores de fútbol en Europa.

Foxcatcher se basa también en personajes reales. Los campeones olímpicos de lucha David y Mark Schultz en los JJOO de 1984 en Los Angeles y el millonario americano John DuPont.

El ganador de la medalla de oro en los JJOO de 1984, Mark Schultz (Channing Tatum) vive en Wisconsin, dando conferencias en las escuelas,  cuando lo invita el rico heredero John du Pont (Steve Carell) a su lujosa finca para formar un equipo para los Juegos Olímpicos de Seúl de 1988. Schultz aprovecha la oportunidad para salir de la sombra de su respetado hermano mayor, David (Mark Ruffalo) un prominente entrenador y ganador también de una medalla de oro.

Con vastos recursos económicos en el centro de formación Foxcatcher Farm, du Pont se nombra a sí mismo entrenador del equipo, con ansias de ganar el respeto de sus compañeros y la aprobación de su madre (Vanessa Redgrave).

La película nos muestra la evolución de la relación entre Schutlz y du Pont relación que se va deteriorando cuando su hermano David  se incorpora al equipo. 

Realmente se trata de la historia de dos individuos dignos de un estudio psiquiátrico.  Mark tiene una enorme dependencia y un sentimiento de inferioridad respecto a su hermano, de caracteres patológicos. Du Pont es un solitario excéntrico, tramposo, aficionado a las armas, de ideología ultra, sometido a una madre que le desprecia a él y a sus actividades. Como rebelión contra ella, poseedora de una espectacular cuadra de caballos, Du Pont formará una cuadra de luchadores para llevar a cabo el sueño del éxito americano en los JJOO de Seul. Lo malo es que, como es carne de psiquiátrico, su comportamiento desquiciara a los luchadores y dará lugar  a un trágico desenlace.

A pesar de que la lucha es un deporte que no me atrae, la primera mitad de la película es interesante, bien contada. Pero hay un momento en que la relación entre DuPont y Mark empieza a moverse por un camino poco comprensible, con un Du Pont que le empieza a introducir en el mundo del alcohol y las drogas, incompatible con los objetivos que les mueven. Aunque el desenlace está basado en lo que realmente ocurrió, la historia se va diluyendo en su parte final.

 Lo cierto es que no terminó de convencerme. Entre los intérpretes, destacar a Mark Ruffalo y la caracterización y cambio de registro de Steve Carell uno de los actores norteamericanos que menos me gustan, que aquí logra transmitir el carácter patológico de su personaje. Y la presencia de Vanessa Redgrave, la inolvidable Isadora y María Estuardo, con casi 80 años. 

En cualquier caso si se buscan en Internet los datos de los tres personajes, parece que la realidad podría superar claramente a la ficción que, en mi opinión,solo aprovecha parcialmente las enormes posibilidades de los personajes.

LA HOJA ROJA- MIGUEL DELIBES

La hoja roja.
Miguel Delibes.

Austral.
248 Pag.
                   

  Desde hacía tres meses, el viejo Eloy replicaba indefectiblemente: "Se quiera o no me ha salido la hoja roja en el librillo del papel de fumar. Es un aviso"

En los librillos del papel de fumar aparece una hoja roja en la que se advierte al usuario "Quedan cinco hojas", Don Eloy el protagonista de esta novela, que comienza con su jubilación como funcionario municipal de una ciudad de provincias, siente que su jubilación es la sala de espera de la muerte y que a él ya le ha salido la"hoja roja".
Viudo, con una infancia sin padres, un matrimonio anodino y gris, con un hijo Goyito, que se marchó a los 22 "sin hacer antesala" y otro hijo , Leoncio, despegado y notario en Madrid, Don Eloy se encuentra jubilado, ocioso y aburrido "el tiempo le sobraba de todas partes como unas ropas demaseado holgadas", sin más afecto que el de su amigo desde la infancia y compañero de caminatas Isaías y el que le dá "la Desi" la criada analfabeta que le atiende.
Delibes derrocha ternura por estos personajes, Don Eloy repite una y otra vez a Desi sus recuerdos ,anécdotas y experiencias, no solo como síntoma de senilidad también porque son las pocas cosas que puede contar de una vida triste y monótona en que lo único interesante que le ha ocurrido es dar una conferencia fallida en un círculo de fotografía y recibir una medalla por sus años de servicio en el departamento de recogida de basuras del ayuntamiento.
La Desi ha llegado a la ciudad huyendo ,más que del pueblo de los malos recuerdos de su madrastra, de un padre muerto en extrañas circustancias, de un hermanastro que "salió inocente" por ser "fruto tardío", pero ella siente añoranza por el pueblo y sobre todo añora al Picaza que le cantaba al oído el relicario y del que estaba enamorada a pesar de su mala veta;la Desi representa la bondad y la ingenuidad no exenta de cierta sabiduría popular y de unas firmes conviciones "el afecto entre un hombre y una mujer nace de la tercera vez que aquella le lava a éste sus calzoncillos", también representa el afán de superación en sus deseos de aprender a leer y escribir "le maravillaba la extraña capacidad del hombre para atrapar las palabras y fijarlas indefectiblemente en un papel".
El viejo se refugia en la cocina con la Desi y le habla de Lucita su mujer "....era una mujer muy particular y exigía demaseado de la vida y cuando su marido la decepcionaba, le imponía duras penitencias....", le habla de Isaías, de Goyito y de Leoncio, el viejo habla y ella calla "sus conversaciones con la muchacha tenían esa ventaja.Ella jamàs exigía correspondencia. Si el hablaba ella se lo agradecía y nada más. Desi le habla del pueblo, de sus hermanas, de su madrastra la Caya, de su padre el Galo "....a quien ninguna cosa de este mundo importunaba porque tenía la sangre espesa, y del Picaza "....que dejó de llamarse Manuel, cuando a los seis años amaestró una urraca que había atrapado a la orilla del río. 
Como en todas sus novelas ,incluso en la última la heterodoxa El hereje, Delibes escribe en un excelente castellano, sencillo y llano recuperando muchos tèrminos en desuso, defendiendo la ruralidad frente a las ciudades y dignificando a esos personajes que la vida maltrata.
Trás la muerte de Isaías , Don Elot viaja a Madrid con la secreta esperanza de ser recogido por su hijo Leoncio, pero encuentra un hijo insensible, egoísta y depresivo; al viejo solo le queda la Desi, a su vez desolada por la detención del Picaza por asesinato, al volver el viejo la propone compartir con ella lo poco que tiene "Puesta en pie ,miró docílmente al viejo que también se había levantado,y sus ojos se llenaron de agua. Dijo con apenas un hilo de voz: -Como usted mande,señorito".
La hoja roja es una hermosa y magistral novela con una estructura muy teatral, el propio Delibes escribió una adaptación pero no tuvo el éxito que sus otras dos novelas  La guerra de los antepasados y la muy celebrada Cinco horas con Mario.
Cada poco conviene volver a Miguel Delibes es como una cura de desintoxicación de tanta literatura mediocre.

    Miguel Delibes recibió el premio Príncipe de Asturias en 1982 y el Cervantes en 1993 siendo académico de la RAE desde 1975, su discurso de ingreso a pesar de los cuarenta años transcurridos se revela hoy en día totalmente vigente ,lo tituló "Mi credo", hoy que tanto hablamos de ecologismo descubrimos que Delibes ya lo era en esos años, en este escrito alerta sobre el sacrificio de la Naturaleza en aras de la Tecnología
".....el verdadero progresismo no estriba en un desarrollo ilimatado y competitivo, ni en fabricar cada días más cosas, ni en inventar necesidades al hombre, ni en destruir la Naturaleza, ni en sostener a un tercio de la humanidad en el delirio del despilfarro, mientras los otros dos tercios se mueren de hambre, sino en racionalizar la utilización de la técnica,facilitar el acceso de toda la comunidad a lo necesario, revitalizar los valores humanos, hoy en crisis, establecer relaciones Hombre-Naturaleza en un plano de concordia"
Es un discurso profético de un hombre sabio que recomiendo leaís en su totalidad.

CARLOS FUENTES – PANTALLAS DE PLATA

Luis Buñuel Portolés

Nació en Calanda, Teruel, el 22 de febrero de 1900 y murió en México el 29 de julio de 1983. No hubo ninguna ceremonia de despedida, siendo en 1997 y  ya fallecida su esposa,  cuando sus cenizas fueron esparcidas en el monte Tolocha, situado en su pueblo natal de Calanda.

En 1949 tomó la nacionalidad mexicana.

A pesar de los hitos cinematográficos logrados en España con películas como Viridiana (1961), Un perro andaluz (1929) o Tristana (1970), la gran mayoría de su obra fue realizada o coproducida en México y Francia, debido a sus convicciones políticas y a las dificultades impuestas por la censura. Es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine.

No me voy a extender en su biografía porque se encuentra ampliamente difundida. Por el contrario, creo que puede sernos más interesante asomarnos  al Buñuel  cineasta  a través  de  un artículo del gran  director de fotografía, además de ensayista y crítico cinematográfico  Néstor Almendros (Barcelona 1930 – New York  1992), recogido en  su libro CINEMANÍA – Ensayos para cine.

El artículo de referencia está construido  o guiado por una serie de frases correspondientes a diversas entrevistas mantenidas por Buñuel con  importantes figuras de la literatura y del cine.

“Luis Buñuel – Revista Cuadernos Brasileiros –(1965) - CINEMANIA

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-“ Estoy contra la moral convencional, contra el sentimentalismo” (Entrevistado por E. Poniatowska, México 1961)

Buñuel no debe su popularidad  en el cine a una conmovedora exhibición de buenos sentimientos, como sus colegas Frank Capra o Vittorio de Sica, sino a una cruda visión de las debilidades del género humano. Se ha dicho que Buñuel  es un autor cruel, pero quien profundice un poco descubrirá en sus películas un amor auténtico hacia sus personajes. Podemos llegar a aceptar al hombre, no a pesar de sus defectos  sino precisamente gracias a ellos.

-“Los olvidados. Es una película de lucha social, pero no quise hacer una obra de tesis. Quiero mostrar  la solidaridad del hombre”(Entrevistado por Truffaut, París, 1955)

Buñuel  hace siempre crítica social, pero nunca política, y raramente pedagogía fácil. No perdona a nadie, no divide el mundo en buenos y malos, pero el bien y el mal, en sentido convencional, coexisten con frecuencia y a veces coinciden. No cae en la trampa del determinismo económico. Por ejemplo,  El bruto, 1952, parece en principio un panfleto  social, pero inmediatamente nos damos cuenta de que lo que le preocupa  es el hombre .Los  seres humanos, en definitiva, no están clasificados de acuerdo con su posición social. Los pobres de Viridiana, Los olvidados. El bruto, El ángel  exterminador, parecen tan dotados para la maldad como los ricos.

-Los mendigos son un tipo clásico en España “(Entrevistado por Yvonne Baby, París, 1961)

Se ha de inscribir su personalidad artística dentro del substrato cultural hispánico. Sin ese requisito, el espectador o  el crítico se quedarán a medio camino en la comprensión de su obra. Los errores de apreciación de ciertos críticos anglosajones y franceses al juzgar su obra suelen tener ese origen.

En su cine – como en Goya, Velázquez y El Greco – abundan el “monstruosismo” físico y psicológico de los Caprichos, los numerosos enanos y mendigos de la corte de Felipe IV, los rostros obsesos de tantos inquisidores. Estamos lejos del mundo placentero de Gainsborough y otros ingleses o  del equilibrio clásico de la pintura francesa. La novela picaresca es la aportación más original de España a la literatura o al arte en general.

-(Octavio Paz sobre Buñuel, 1951)“La película de Buñuel se inscribe en la tradición de un arte pasional y feroz, contenido y delirante, que reclama como antecedente a Goya y a Posada, quizá los artistas plásticos que han llevado más lejos el humor negro.”

-“Yo escogía de entre los temas propuestos aquellos que me podían convenir, a los que me podía adaptar. (Con  F. Truffaut, París 1955)

La mayoría de las películas de Buñuel son encargos de productores. Es curioso, por tanto, observar que hay una temática muy uniforme en él, cuando gran parte de sus argumentos no fueron ideados por el mismo.  Las fuentes literarias no pueden ser más heterogéneas: en Nazarín, una novela  de Pérez Galdós); en Él, una novela de Mercedes Pinto, directora  en Cuba de un consultorio radiofónico sentimental; en Abismos de Pasión, la novela Cumbres Borrascosas, de Emily Bronte; en Don Quintín el Amargao, una comedia corta de Carlos Arniches.

-“Elijo temas donde yo pueda introducir algunos elementos irracionales” (Entrevistado por Truffaut , París 1955)

-“Yo quería expresar obsesiones de infancia eróticas y religiosas.”(Con  Yvonne Baby, París 1961)

En los argumentos ajenos elegidos por Buñuel estaba latente su mundo. Introdujo, a través de la adaptación cinematográfica, sus obsesiones de infancia que son como marcas de fábrica en sus películas, un sello de estilo. Como en un sueño recurrente, aparecen  imágenes que se asemejan: cuchillos cortando o a punto de cortar y a punto de penetrar en la carne o en los ojos (Un perro andaluz, Él, El bruto); pies y piernas de mujeres y niñas (Los olvidados, Viridiana, Ensayos de un crimen); insectos, reptiles o aves (Abismos de Pasión, Tierra sin pan); el sacrilegio religioso (Ensayo de un  crimen, La Edad de oro).

-“No pongo nunca nada simbólico en mis películas” (Entrevistado por Truffaut, París 1955)

-“Insisto en que no trato de demostrar nada” ( Con  Yvonne Baby, París, 1961)

Las obsesiones de todas las películas de Buñuel  inspirarán a muchos críticos diferentes interpretaciones, al hallar en sus imágenes oníricas un fácil sentido simbolista. Buñuel, en 1929, se burlaba de quienes pretendían encontrar explicaciones literarias en los “símbolos” de  Un perro andaluz, y  seguiría burlándose  en el futuro. En Un perro andaluz, “nada” quiere decir “nada”, nos decía entonces; esta revelación de los primeros tiempos habría de guiarnos en la interpretación de su obra posterior.

-“Lo más admirable de lo fantástico es que lo fantástico no existe”. (Buñuel citando a A. Breton en un coloquio en la Universidad de México, 1953)

Algunos quisieran ver etapas bien delimitadas en su carrera. De no ser por las diferencias determinadas por un cambio en su situación geográfica, su obra presenta  una importante unidad.

El pretendido paso del surrealismo de Un perro  andaluz  y La Edad de Oro a una etapa realista que comenzará con Tierra sin Pan, solo es aparente.

El tránsito de España a México tampoco supone contradicción en su obra. Las culturas española e indígena sufrieron en México un proceso de integración que duró varios siglos. Paralelismos: el culto de los sacrificios sangrientos en las pirámides, la mitología animal de los aztecas, en fin el humor negro mexicano que se ríe de la muerte hasta el punto de hacer calaveras y esqueletos de azúcar y mazapán.

Por todo ello, más que autor español hay que llamarlo autor hispánico y sólo dentro de ese ámbito estético se siente a gusto. Esto explica el fracaso de su experiencia cinematográfica norteamericana  (1938-1946) y de algunas aventuras francesas (Así es la aurora, La Muerte en el jardín).

Esto explica, también,  su exilio voluntario de tantos años en México y su regreso temporal a España (Viridiana ), 1961,  afrontando los inconvenientes de tal visita.

 La obra de Buñuel no puede ser juzgada separadamente, sino en su totalidad. En otros autores, una sola obra  aislada de las demás puede bastar para su definición. En él es necesario haber visto la anterior para comprender mejor cada una de las nuevas obras, y cada nueva obra, a su vez, hace comprender mejor las anteriores.

-“Me interesa la ambigüedad en el estilo;  una buena película ha de poseer ambivalencia” (Con E. Poniatowska, México 1961)

-“La técnica no es un problema para mí. Le tengo horror a las películas de encuadre o de ángulos raros. Si en mis películas hay 250 planos, habrá en ella 250 planos, sin ningún error, sin ningún lujo” (Con Truffaut, París 1961).

No crea escuela en España.  En México por el contrario, su influencia es más importante.

La larga carrera de este cineasta  presenta  caracteres paradójicos. Muchos  grandes directores comienzan balbuceando,  hasta que su  obra se desarrolla, plenamente en la madurez (Rossellini, por ejemplo ) Otros debutan con brillantez para después caer en el empequeñecimiento o la mediocridad. Buñuel, por el contrario, comienza en la juventud con una película sensacional, Un perro  andaluz. ” Tras Tierra sin pan (1932), y durante los primeros años de México, todo hacía pensar en una decadencia definitiva. Inesperadamente y ya en plena madurez, su obra ha vuelto a alcanzar categoría internacional. Todavía podemos esperar nuevas sorpresas…….”.

Y En efecto, así fue.  Hoy podemos recordar películas como:

 Bella de día (1966-1967

-La Vía Láctea (1969).

 Tristana (1970).

-El discreto encanto de la burguesía ( 1972).

-El fantasma de la libertad ( 1974).

-Ese oscuro objeto del deseo  1977).

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