Sobre LA ACADEMIA DE LAS MUSAS

Para los que estáis interesados en la película La academia de las musas, que recomendó el profe,  aquí tenéis un enlace con el artículo que publicó el escritor Gustavo Martín Garzo en El país el sábado pasado:

la academia de las musas

Por otra parte informaros de que la película se proyecta esta semana, hasta el jueves, en el Pequeño cine estudio, en Madrid, calle Magallanes.

Teatro: LLUVIA CONSTANTE

Se me había escapado a finales de 2014 esta represetación, presentada en los Teatros del Canal de Madrid con gran éxito de público. Tanto que cuando decidí ir a verla, no quedaban localidades. Se trata de una obra del dramaturgo y guionista estadounidense  Keith Huff, nombre relacionado con series de TV de tanto éxito como Mad men, House of cards o American crime. Fue presentada en Broadway con Hugh Jackman y Daniel Craig como actores mientras que Spielberg se ha interesado por una posible adaptación al cine.

La historia, mas allá de la trama, se centra en el vínculo de extrema lealtad que une a dos policías compañeros que son amigos desde la infancia y el progresivo deterioro de su amistad. 

Dani (Roberto Álamo) es un padre de familia violento que haría cualquier cosa para proteger a los suyos y Rodo (Sergio Peris-Mencheta) un hombre  con tendencias depresivas que acaba de superar una fase de alcoholismo. Llevan juntos casi toda la vida.
 Una infidelidad de Dani a su esposa con una prostituta y el posterior enfrentamiento con su chulo en uno de los barrios más inseguros de la ciudad, provoca que dias después  alguien dispare contra su ventana. Uno de sus hijos es herido en el cuello y acaba en el hospital. Este hecho ciega al policía, cuya obsesión a partir de ese momento es vengar y proteger a su familia, cueste lo que cueste. En su búsqueda tropiezan con un chico chino que pide auxilio. Un elemento discordante que les viene a distraer de su propósito. Un joven, de aspecto normal, se acerca, cuenta una historia creíble sobre el oriental y asegura que se encargará de él. Ese momento simboliza la ceguera obsesiva e irracional del personaje por encima del deber y dará lugar al desenlace de la historia.

La trama es interesante, aunque los dos personajes rozan un tanto los tópicos y los acontecimientos no sean muy originales, si bien en su desarrollo ganan en complejidad. Lo que pasa es que, aunque bien estructurada dramáticamente, los personajes nos cuentan lo que ha pasado, apenas asistimos a los hechos que desembocan en el conflicto.  Pero lo más destacado de la obra es la puesta en escena. La escenografía es muy clara, sencilla solo en apariencia,  y crea, con ayuda de las luces los múltiples espacios: domicilios, callejones, una sala de interrogatorios e incluso un viaducto. El responsable es David Serrano, director y guionista que últimamente se ha pasado al teatro. De sus adaptaciones recuerdo Buena gente y Bajo terapia. Creo que en esta ocasión ha acertado plenamente.

Y los dos intérpretes están fantásticos. Nunca me habían gustado tanto. Sergio Peris-Mencheta, al que conocí en la serie Isabel y al que luego ví en Julio Cesar y Enrique VIII, está muy bien en su personaje. Y Roberto Álamo está enorme. Le he visto varias veces. En TV fue Urtain, en cine en La gran familia española, en teatro en De ratones y hombres. Pero aquí está desbordante, extraordinario. Vale la pena ver una obra interesante, correcta, pero discutible en su desarrollo, por ver a los dos actores. El dia que la vi, el teatro estaba lleno y el público les aplaudió puesto en pié. Un gran éxito personal de los dos.

cine: EL RENACIDO

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Dirigida por Alejandro González Iñárritu, El renacido, suma nada menos que 12 nominaciones para los Oscar de este año. Ha ganado,  además, tres globos de oro (mejor drama, director y actor) y aspira a ocho BAFTA (premios de la academia británica). Curiosamente, González Iñarritu ya ganó los Oscar a mejor película y director en la pasada edición por Birdman, lo que en caso de ganar este año, le convertiría en el tercer director en conseguir el premio dos años consecutivos, algo que ya hicieron John Ford en 1940  y 1941, por Las uvas de la ira y Que verde era mi valle y Joseph L. Mankiewicz en 1949 y 1950 por Carta a tres esposas y Eva al desnudo.

trailer de El renacido

Inspirada en un personaje real, Hugh Glass (Leonardo di Caprio), El renacido es una  historia de supervivencia  que tiene lugar en el salvaje Oeste americano alrededor de 1820. Durante una expedición para conseguir pieles por esas inexploradas tierras casi vírgenes, el  explorador resulta brutalmente herido por un oso, y después es abandonado por sus propios compañeros de cacería.
Moribundo y absolutamente solo, Glass se niega a perecer. Impulsado por su fuerza de voluntad y el deseo de venganza  emprende un viaje de más de 300 kilómetros a través del vasto e indómito Oeste persiguiendo al hombre que le
traicionó: John Fitzgerald (Tom Hardy).

El renacido es un espectáculo cinematográfico impresionante por la utilización de la imagen y el sonido, con una serie de secuencias extraordinarias que nos hacen preguntarnos como habrá sido posible rodarlas. Y sobre todo la fotografía con luz natural de Emmanuel Lubezki, ganador del Oscar en este apartado los dos últimos años por Birdman y Gravity y que ha sido en los años anteriores responsable de  títulos como El árbol de la vida y To the wonder dirigidas por Terrence Malick.

Lo que pasa es que el guión no es tan interesante como el aspecto formal. La historia de Hugh Glass está excesivamente alargada e Iñárritu parece no poder reprimir su concepto de autor, introduciendo una serie de imágenes oníricas que, si bien en algunos casos dan lugar a secuencias de una belleza extraordinaria en otros no parecen muy adecuadas al tratamiento realista de la odisea del protagonista. La historia está desarrollada en varios procesos paralelos. Sigue a una tribu india  que persigue al grupo de tramperos, al propio grupo de tramperos que abandona a Glass y a los dos que se quedan con él para darle sepultura cuando muera y que le traicionan además de matar a su hijo mestizo. Pero el proceso fundamental es el seguimiento de la sucesión de penalidades que acosan a Glass y que han dado lugar a su leyenda. El ataque y huida de los indios, el ataque y poco menos que despedazamiento por un oso, la huida por el río, la alimentación con carne cruda y hierbas, sus escasos encuentros con seres humanos, todo ello en unos parajes nevados, un terreno embarrado con sus heridas infectadas y una pierna rota. ¿Realidad o leyenda? Probablemente contiene grandes dosis de leyenda, pero como se dice en El hombre que mató a Liberty Valance, "Cuando la leyenda se convierte en hecho, imprime la leyenda". ("When the legend becomes fact, print the legend"). Por cierto que en la version española se cambia el sentido de la frase, ya que dice. Cuando los hechos se convierten en leyenda, no es bueno imprimirlos. Cosas del doblaje.

Leonardo de Caprio interpreta al sufrido Hugh Glass. Y su interpretación es muy sufrida físicamente, arrastrándose continuamente por la nieve y el barro, introduciéndose en el esqueleto de un caballo muerto para resguardarse del frio,  sumergiéndose en las  heladas aguas de un rio... Con tanto sufrimiento, probablemente gane el Oscar que mereció más por El lobo de Wall Street. Le acompaña un actor que siempre me gusta, Tom Hardy, nominado como mejor secundario. Para mi gusto tiene el papel mas agradecido desde el punto de vista actoral y lo borda. 

Señalar que las aventuras de Glass ya fueron objeto de otra película, El hombre de una tierra salvaje (1971, Richard C. Sarafian) con Richard Harris que también era especialista en personajes sufridos ( Un hombre llamado caballo, Elliot Silverstein, 1970) y que existe una película con Robert Redford, Jeremiah Johnson (1972, Sidney Pollack) a la que recuerda bastante.

En resumen, un gran espectáculo, extraordinario visualmente, que vale la pena ver, aunque no sea la gran película que prometen.

Cine: EL HIJO DE SAUL

Película hungara, dirigida por un debutante en largometrajes, Laszlo Nemes. Fue presentada en el Festival de Cannes, donde obtuvo el Gran premio del jurado y el de la FIPRESCI (críticos cinematográficos), ha ganado el Globo de oro a la película en lengua no inglesa y es la gran favorita para el Oscar a esa categoría.

El hijo de Saul, nos narra unas horas en la vida de Saul, un judio preso en Auschwitz. Saul es un deportado judío de origen húngaro que forma parte de la Sonerkommando en este campo de concentración. Este grupo vivía aislado del resto de los prisioneros y era forzado a trabajar como mano de obra al mando de los nazis en la logística del exterminio, lo que de alguna manera, les mantenía en una situación privilegiada de esperanza. O al menos los mantenía vivos. Su tarea era limpiar los crematorios, quemando todos los cadáveres de los judíos exterminados en la cámara de gas. En este atroz decorado, trata de salvar de las llamas el cuerpo de un joven muchacho a quien él cree identificar como su hijo y buscar un rabino para poder enterrarlo decentemente.
Saul se enfrenta a sus compañeros y sus planes de rebelión para salvar los restos de un muchacho de quien, de ser realmente su hijo, nunca se habría ocupado cuando aún estaba vivo.

Se trata de una película muy dura cuyo mérito reside en el tratamiento de la imagen y el sonido. Está rodada en largos planos secuencia, con una cámara situada a la espalda de su protagonista con una reducida profundidad de campo, lo que hace que todo lo que le rodea aparezca desenfocado, transmitiéndonos la idea de su desarraigo, de su vivir como un sonámbulo dentro del horror que le rodea. Este recurso, que no abandona prácticamente en toda la película, llega a cansar pero es tremendamente eficaz  junto con una banda sonora donde gritos, disparos, explosiones, golpes palabras en múltiples idiomas, se oyen sin poder identificarlos con imágenes, para transmitir el horror de la situación. En este sentido las dos primeras secuencias de la película son impresionantes.

No tan eficaz es la trama que nos presenta. Dos días en la vida de un hombre que se ha visto obligado a perder su humanidad y que encuentra la supervivencia moral en el rescate de un cadáver, contar la historia de ese hombre que quiere extraer un poco de sentido de todo aquello, demostrar que llevar a cabo algo parecido a una ceremonia funeraria, algo que sería tan normal fuera del campo, puede redimirle. Bueno.

En resumen, una aproximación al horror de los campos de exterminio nazis, extraordinaria en el aspecto formal pero que no lo es tanto en la historia que nos cuenta. Eso sí, tan  alejada de otras películas sobre  el mismo tema tan diferentes entre si como La vida es bella, El niño del pijama a rayas o La lista de Schindler. Mucho más sobrecogedora y realista (surrealista, diría yo). A ver tan sólo en condiciones anímicas adecuadas. Deprimidos, abstenerse.

CINE- MIA MADRE

Película franco-italiana que hace la número doce en la filmografía de Nanni Moretti.

La película comienza con una manifestación de obreros portando parcantas con "Laboro per tutti", avanzan hacia la policía antidisturbios y comienza la refriega, se oye una voz femenina "Corten" y descubrimos que se trata del rodaje de una película.
Margueritta ( Margueritta Buy) está rodando una película político-social reflejo de la convulsa situación de crisis europea, al mismo tiempo ella atraviesa una profunda crisis personal y profesional,encontrándose en una situación muy vulnerable, acaba de romper con su pareja,su hija no va bien en sus estudios, el rodaje la supera y se agrava con la llegada del protagonista un vanidoso e insufrible actor italo-americano, su madre está hospitalizada con una enfermedad cardiopulmonar grave y además cuando llega a casa aún tiene que hacer lavadoras. Margueritta atiende a su madre en sus pocos momentos libres mientras que su hermano Giovanni (Nanni Moretti) pide una excedencia laboral para atenderla.

 Creo que Nanni Moretti le debía esta película a su madre, durante el rodaje de su último film Habemus Papa ,ella falleció y seguramente sintió esa inquietud de no haberla dedicado más atención, quizás por esto decidió interpretar el papel del hermano abnegado y sacrificado y trasladar su alter ego de director de cine al personaje de la hermana.
Nanni Moretti ya ha tratado el tema de la pérdida y de la enfermedad en otras películas suyas como "La habitación del hijo" que fue Palma de Oro en Cannes y " Caro diario".
En la película hay dos tramas que transcurren paralelamente, el rodaje de una película  y el desarrollo y desenlace de la enfermedad de la madre, cine dentro del cine, ficción y realidad, esquema visto otras veces y recuerdo sobre todo " La noche americana" de Francois Truffaut, también podriamos considerar una subtrama que es lo que narra la la película rodada que refleja el contexto de la situación actual italiana.
Moretti ha conseguido una buena película con un dramatismo que no resulta sensiblero y que alterna escenas intimistas con algunas no exentas de humor el final de la película es un mensaje de esperanza, Margueritta recuerda uno de sus últimos diálogos con su madre:
                    En que piensas mamá.
                     En mañana.
Hay una escena que yo resaltaría, es una secuencia onírica : Margueritta va recorriendo una calle , hay un cine y una inmensa cola para entrar, en ella va encontrando a sus seres mas queridos, la madre , el hermano, y ella misma en su adolescencia, va dialogando con ellos mientras de fondo suena "Famous blue raincoat" de Leonard Cohen, si se compara esta escena con las también oníricas de la recién estrenada "La juventud" esta sale perdiendo, dos formas muy distintas de hacer cine, Sorrentino es el nuevo Fellini y Moretti debe mas a Rosellini o De Sica.
Magníficas interpretaciones de Margueritta Buy ( Viajo sola) y de Giulia Lazzarini en el papel de Ada la madre, ambas premiadas con el David De Donatello, cumplen Nanni Moretti y John Tuturro .

Teatro: CERVANTINA

Hace algo menos de dos años asistí en el Teatro Mira de Pozuelo a la represenatción de En un lugar del Quijote, una versión muy libre y reducida de la obra de Cervantes, adaptada para el teatro por un grupo hasta entonces desconocido para mi, Ron Lalá. Ahora este grupo, nuevamente en coproducción con el CNTC ha presentado en el Teatro de la Comedia de Madrid su nuevo espectáculo, Cervantina, versiones y diversiones sobre textos de Cervantes.

El espectáculo recoge fragmentos y personajes de varias obras de Cervantes, 
con canciones y una escenografía muy sencilla pero eficaz, lo que facilita una aproximación, un tanto superficial, a su obra literaria. Se trata de un intento de divulgación en el que, aunque abusan de algunos chistes fáciles, previsibles y anacrónicos, estos facilitan la conexión con la obra por parte de quienes se acercan a ella por primera vez o quienes la ven como algo muy clásico y alejado de nuestro mundo actual. En sus canciones enlazan con el mundo del grupo argentino Los Luthiers.

Lo cierto es que aunque me pareció mas afortunado su montaje anterior, en este mantienen las mismas características y el ingenio que me sorprendieron entonces y que, no cabe duda, consigue llegar a un público que ha llenado el teatro de la Comedia en todas las representaciones y que disfruta la representación, como bien mostraba una señora que tenía sentada detrás de mí que no paro de reír con una risa absolutamente molesta durante la hora y media que dura la obra. Reconozco que me hubiera gustado poder cambiar de localidad pues me resultaba insoportable.

Ron Lalá estará con este espectáculo en el Teatro Mira de Pozuelo el dia 9 de abril. Como dicen en su presentación, "la compañía da un paso más en su exploración del mundo literario cervantino a través de las herramientas de su lenguaje escénico: el humor, la poesía, el ritmo desenfrenado, la música en directo… Un diálogo abierto y sin complejos para contagiar a los espectadores la risa inteligente, sensible y honda de Miguel de Cervantes".

Como suele ser habitual, el CNTC ha editado un cuaderno pedagógico sobre la representación. Este es el enlace 

Cine: SPOTLIGHT

Poco a poco nos van llegando las películas con nominaciones para los Oscar. Esta semana lo ha hecho Spotlight. Dirigida por Tom McCarthy, actor, guionista y director del que no he visto ninguna de sus películas anteriores, aunque sí le recuerdo como uno de los guionistas de Up, la excelente película de animación que ganó la categoría en los Oscar de 2009 y que incluso estuvo nominada como mejor película. Fue presentada en el Festival de Venecia

Spotlight es el nombre de un tipo de foco utilizado en cine y teatro conocido también como cañón.

Pero en este caso Spotlight es el nombre que recibía un equipo de investigación del periódico Boston Globe que en 2002 gano el Premio Pulitzer de Servicio público al sacar a la luz el encubrimiento por parte de la jerarquía de la Iglesia católica de numerosos casos de pedofilia cometidos por decenas de sacerdotes locales.

La película se centra en la investigación de este equipo formado, básicamente,  por cuatro personas,  con el apoyo del director y el editor. La incorporación de un nuevo director que viene de Miami genera dudas en el equipo acerca de su continuidad, pero por el contrario, la aparición de una noticia sobre un cura pederasta abrirá  la investigación que se desarrolla de forma tradicional, rastreando archivos, entrevistando victimas, contrastando testimonios, luchando por obtener documentos de archivos reservados, evitando todos los obstáculos, incluidos los atentados del 11 S. que obligaron a retrasar la investigación y su publicación. La referencia más clara de esta película es Todos los hombres del Presidente (1976, Alan Pakula), pero en este caso se centra más en los procedimientos de la investigación sin dar lugar a la acción y las amenazas del Watergate. 

El otro tema de la película es el hecho investigado. ¿Cómo fueron posibles todos esos abusos que se denuncian sin que nadie fuera capaz de decir nada durante décadas?. Incluso en el propio periódico se habían recibido denuncias, pero no se habían investigado. Probablemente existía el temor a la reacción, no ya de la jerarquía de la Iglesia católica sino a los propios ciudadanos de una de las ciudades más católicas de EEUU. Pero la reacción fue positiva, dando lugar a denuncias de las victimas y a la vergüenza colectiva que llevó este caso a las portadas de toda la prensa internacional y sacudió a la Iglesia Católica en todo su núcleo.  Desde entonces, en EEUU y en otros muchos países de todo el mundo, se han destapado casos similares de abusos.

La historia es interesante y está bien contada. Es una narración de forma clásica. Con un equipo de intérpretes, Michael Keaton, Mark Ruffalo y Rachel McAdams como los más destacados, que acaba de ser premiados por el sindicato de actores USA. Una apología del buen periodismo social, algo que no es fácil encontrar en nuestros días. Como dice su director: "estoy  preocupado por la escasa presencia en la actualidad del periodismo de investigación de

calidad, comparado con lo que había hace 15 años. Vi esta película como una oportunidad de enseñar con el ejemplo: aquí tenemos la clase de impacto que se puede producir cuando se cuenta con periodismo bien financiado hecho por profesionales con experiencia".

 Muy interesante. Una buena película. Lástima que no se haya arriesgado un poco más en la forma narrativa. Y, quizá, en la vida privada de los investigadores, de la que tan solo se ofrecen unos mínimos apuntes.