No me gustan las necrológicas, pero la noticia de la muerte de Rafael Chirbes, un escritor al que llegué por recomendación de Marisa y del que leímos una obra hace unos cursos, me ha afectado especialmente. Quizá por lo repentino, aunque habitualmente las muertes de personas alejadas de la popularidad suele ser conocida así. O quizá porque el día anterior había estado buscando alguna novela de sus primeros tiempos para un regalo. O simplemente porque tenía prácticamente mi edad. El caso es que me apetece comentar su desaparición y recordar las obras suyas que he leído. Marisa me recomendó hace unos años, Los viejos amigos. Después vi en Canal+ la serie sobre su novela Crematorio, una buena serie que me animó a leer la novela, su mejor novela, muy superior a la serie. En el curso leímos La buena letra, una de sus primeras novelas, que ya dejaba ver su estilo, un tanto personal. Y, por último, En la orilla, en que volvía al mundo de Crematorio, mucho más desencantado todavía, y que no alcanzaba, en mi opinión, la calidad literaria de Crematorio. Chirbes hizo en sus obras, primero, un análisis de la España surgida de la guerra civil, y después, de la transición. Un análisis absolutamente desencantado. "A mí no sólo no me gusta este país, sino que me da miedo", decía en una entrevista en 'El Cultural'. Como el mejor homenaje a un escritor, es leer sus obras, hagámoslo. Y si no lo habéis hecho todavía, leer Crematorio. Vale la pena.
Me quedé con ganas de ver el montaje del Don Juan que presentó Blanca Portillo en el Teatro Pavón esta temporada. Por eso al ver que en el Festival de Almagro se daban cuatro representaciones, me animé a desplazarme hasta la ciudad manchega para verlo. Además siempre es agradable pasar unas horas en esa ciudad, a pesar del calor.
En mi opinión este avance no transmite una idea correcta del montaje, ya que le muestra con una truculencia excesiva que no se corresponde con la expresada en el mismo. No voy a descubrir ahora la obra. Una obra del romanticismo que nos transmite el mito de D.Juan al que salva de la condenación el amor de Inés, al contrario que en el resto de las versiones (El burlador de Sevilla, de Tirso, o la ópera de Mozart, que yo conozca) donde se condena. Creo que la obra tiene cosas buenas y otras que no. La primera parte es teatralmente muy apreciable, pero literariamente no tanto con unos versos que caen en muchas ocasiones en la facilidad y el ripio. Algo de lo que, al parecer, fue consciente Zorrilla que criticó duramente su propia obra. Y tiene un notable sentido del humor. La segunda parte es menos brillante desde un punto de vista de desarrollo teatral y sin embargo gana en la calidad y profundidad de sus versos. La versión de Juan Mayorga y el montaje de Blanca Portillo presenta una serie de características que la alejan de las versiones tradicionales que yo he visto. En primer lugar, consideran que la obra es intemporal, lo que les permite utilizar un vestuario y unas formas un tanto modernas. Así, por ejemplo, Don Juan y Don Luis ( y sus amigos Avellaneda y Centella) son presentados como unos pandilleros navajeros más cerca de West side Story que de la imagen tradicional. Demasiados golpes en la mesa y saltos en la escena inicial en la Hostería del Laurel. Pero la escena tiene fuerza y está bien interpretada. A Diego Tenorio, el padre, nos lo presenta como un individuo violento (de tal palo tal astilla). Choca un poco. Doña Inés es realmente joven y cambiante. Es de agradecer esa juventud. En el texto se nos dice que tiene 17 años. Habitualmente es interpretada por actrices bastante mayores. Choca un tanto su vestuario o más concretamente su "camisón" impropio de una novicia que facilita su desnudo en la escena de la seducción. Brígida, que, tradicionalmente es una sirvienta mayor, se convierte en una celestina joven y atractiva que no duda en satisfacer sus apetencias sexuales con cualquiera. Y Ana de Pantoja está presentada con un notable erotismo. También desarrollan el personaje de Miguel, el mozo de la Hostería, que se mantiene en escena toda la primera parte, tratando de transmitirnos el deslumbramiento que las hazañas de D. Juan podría generar en los jóvenes. Destaca el tratamiento dado a dos de las escenas clave de la obra, la lectura de la carta y la escena del sofá. En la primera, mientras Ines lee, vemos a don Juan componiéndola verso a verso, diciendo algunas lineas, buscando el efecto que espera conseguir. En la escena del sofá, donde no hay sofá, vemos a Don Juan aseándose, recién llegado de seducir a Doña Ana, que va cambiando su actitud hacia doña Inés pasando de la broma al amor. Una última escena, un tanto chocante, nos muestra a Inés que salva a Don Juan, para después lanzarle un escupitajo de desprecio. La interpretación, en general está bien. Jose Luis Garcia Pérez es Don Juan. Le ví hace unos años en La avería, también dirigido por Blanca Portillo. Una interpretación que exige un gran desgaste físico. Me gustó. Creo que se adapta perfectamente al carácter del personaje. Doña Inés es Ariana Martinez. No la conozco. Parece que hizo una serie en Antena 3, Bandolera. Me pareció muy adecuada para su papel. Miguel Hermoso es Luis Mejía. También estuvo en La avería, Bandolera y la serie de TV sobre Alatriste. También me pareció correcto, como el resto del reparto en el que destaca Beatriz Argüello como esa Brígida tan poco tradicional. Otra aportación de este montaje es la inclusión de una cantante, Eva Martín, que al parecer encarna el espectro de una mujer embarazada por Tenorio, que canta con bonita voz en los cambios de escena, canciones compuestas por Pablo Salinas . Esto viene motivado por una escenografía creada por la directora que, aunque sencilla e imaginativa, obliga a ensamblar una serie de elementos entre escena y escena, lo que ralentiza y alarga la obra, sobre todo una vez superada la novedad de las canciones, que llega a superar las dos horas y cuarto. En resumen, una visión algo distinta del clásico de Zorrilla, empeñada en mostrarnos a Tenorio como lo que es, una mala persona, lo que queda claro en la obra sin necesidad de ser recalcado como se hace aquí, con algunas ideas afortunadas y otras no tanto, que personalmente tengo que decir que no me disgustó en absoluto.
José María Merino El río del Edén
Alfaguara
304 Pag.
José María Merino escritor coruñes de nacimiento y de crianza leonesa, académico de la RAE desde el año 2008, escritor de poesía, novela y sobre todo de relatos breves, cuentos de carácter míticos, misterio, fantásticos e incluso ciencia ficción.
Donde se desenvuelve con mayor soltura es en los cuentos de los que lleva cientos escritos, junto con otros escritores leoneses Juan José Aparicio y Luis Mateo Díaz hancontribuido a recuperar el llamado Filandón, los filandones eran reuniones nocturnas que se celebraban en León y algunas zonas de Asturias donde las mujeres hilaban y los hombres ejecutaban algún trabajo manual ,como confeccionar almadreñas, y donde en voz alta se relataban cuentos, os recomiendo ver en youtube un video de la fundación Mapfre con un "filandón" de estos tres escritores que esun auténtico disfrute.
José María Merino es un escritor muy laureado en su carrera, con esta novela consiguió el premio de la crítica de Castilla y León del año 2013 y el premio nacional de narrativa del mismo año.
En una entrevista José María Merino reconoce que antes de la trama surgió "el espacio natural" ,el Alto Tajo y su entorno con la laguna de Taravilla ,telúrica como gran ojo que todo lo vé, y a partir del enclave van surgiendo la trama y los personajes, mi interés por la novela es precisamente por estas localizaciones que visito con frecuencia y que me recuerdan muchas vivencias, un paisaje que también recreó José Luis Sampedro en "El río que nos lleva".
Daniel y su hijo Silvio un "chicodoun", como el mismo se define,en plena preadolescencia recorren los parajes del Alto Tajo para esparcir las cenizas de Tere esposa y madre .A lo largo de cuarenta capítulos la novela discurre en dos espacios temporales ,el presente en un período de horas y el recuerdo del pasado por parte de Daniel desde que conoció a Tere hasta su accidente, convalecencia y por último su muerte.
La novela es un monólogo interior de Daniel narrado en "segunda persona del singular" bastante inusual que me ha sorprendido y que me ha parecido muy interesante:
-Son las diez de la mañana y Silvio te acompaña con sus pasos inseguros, que acentúan la habitual torpeza de los movimientos de ese cuerpo menudo que remata la pequeña cabeza de ancho cuello. A veces dá verdaderos trompicones, aunque nunca pierde del todo el equilibrio.Hasta en esa manera de andar se manifiesta su diferencia natural, su desdichada insuficiencia.
La novela trata de temas muy humanos y universales, el amor/ desamor en la pareja, el amor de padres e hijos, las traiciones, las rupturas ,el arrepentimiento, el sacrificio, el duro camino de aceptación de una discapacidad.....
-nunca asumiste a Silvio con gusto y lo hubieras abandonado a la suerte de su congénita incapacidad. Fué Tere la que reaccionó desde el primer momento para ayudarlo por todos los medios existentes a superar en lo posible ese dichoso problema del cromosoma de más.
Aunque tangencialmente la novela también se aproxima a los temas recurrentes del autor en su cuentos, el caracter mítico del Edén paraíso perdido por Daniel yTere, el tema del doble tan tratado en la literatura, las fantasías extraterrestres en la ingenua mente de Silvio, el paralelismo entre el Conde Don Julián traidor a Don Rodrigo propiciando la entrada de los moros y su posterior arrepentimiento con la actitud de Daniel con Tere, las leyendas míticas sobre Lucinda, Don Julián y la laguna de Taravilla.....y esos laberintos o mandalas que encabezan cada capítulo, que Tere acostumbraba a dibujar, un línea que comienza, discurre y acaba sin interrupción como las vidas o los ríos.
Hoy el ojo presenta un aspecto blanquecino, ciego,mientras refleja el espacio vacío. Comprendes que lo que tiene de raro el lugar es la simetría, la apariencia de espacio estructurado de una mirada arquitectónica. Aparte del encanto de paraíso que ofreció a vuestra primera visita, sin duda su peculiaridad está en la armonía geométrica con que el propio proceso de la geología lo ha ido esculpiendo a través de los milenios. Acaso este aspecto del lugar ordenado atrajo también la atención de Tere, tan amante de la simetría y de la perfecta distribución de las cosas. Novela intimista que se lee con agrado y con sorpresa final. Merino cultiva también los microrrelatos donde demuestra que se puede hacer literaura con menos de 140 caracteres, como ejemplo esta variación sobre el microrrelato "El dinosaurio" de Augusto Monterroso. Al despertar , Augusto Monterroso se había convertido en un dinosaurio. "Te noto mala cara", le dijo Gregorio Samsa, que también estaba en la cocina.
Poco cabe añadir al comentario de Angel sobre esta película, salvo lamentar su inexistente carrera comercial. Parece mentira que producida en el mismo año que El verdugo (Berlanga), no fuera estrenada hasta dos años después y poco menos que de forma clandestina. Tampoco tiene sentido que ahora nos llegue como consecuencia de una iniciativa comercial privada, cuando la conservación de este tipo de obras cinematográficas debería ser llevada a cabo por la Administración y concretamente por la Filmoteca Nacional. Se trata de una obra de museo y como tal debería ser tratada por el Museo del cine español- Creo recordar que esta película ha sido emitida por televisión en más de una ocasión, pero bienvenida sea la oportunidad de verla en su formato original, en pantalla grande y una copia bien cuidada. Por otra parte hay que decir que la película es un melodrama excesivo que, por otra parte, responde a la realidad española de entonces, la que podemos llamar de la posguerra, aunque hayan pasado casi 25 años desde el final de la guerra, en el que se cuelan asuntos como el maltrato, la prostitución, el adulterio, el aborto, el suicidio, el desastre de la familia, el poder del dinero para hacer perder la cabeza, la condición femenina o la bajeza moral de una época atroz, retrato de una sociedad donde “sólo se puede medrar a través de la bajeza; quien se comporta bien tiene prevista su compensación en el más allá”, en palabras del autor. Y un reflejo del Madrid de entonces, su barrio de Maravillas, las zonas de Chueca y Malasaña en lo que en momentos parece un documental sobre la ciudad.
Y un capítulo destacado, el reencuentro con los intérpretes. Fernando Fernán Gómez en uno de los personajes más crueles de su carrera,
Lina Canalejas, la inolvidable Prima Angélica de Saura,
Gemma Cuervo, muy guapa, en el papel en el que se truncó, según sus propias palabras, su carrera cinematográfica, al no ser visto por nadie. Milagros Leal, Celestina teatral pocos años después, en 1967, el mismo año en que Francisco Pierrá estrenaba El tragaluz de Buero Vallejo. Y todos esos secundarios del cine español, populares por el cine y la televisión, Agustín González, Joaquín Pamplona, José María Cafarell, Fernando Guillén, María Luisa Ponte, Ana María Noé, José Calvo, creo que todos ellos ya desaparecidos y unas jovencísimas Pilar Bardem y Marisa Paredes. Por cierto, cómo recuerdan, físicamente, Amparo Soler Leal y Cayetana Guillén a sus madres, Milagros Leal y Gemma Cuervo.
Amy Winehouse saltó a la fama internacional con su segundo álbum Back to Black, del que se vendieron unos 12 millones de copias por todo el mundo. Fue muy admirada y colaboró con diversos artistas como Tony Bennett, Prince, Mark Ronson o los Rolling Stones. Amy es un documental sobre su vida, su ascenso hacia el éxito mundial y su descenso a los infiernos de la droga y el alcohol, hasta su muerte, hace ahora cuatro años, por una intoxicación etílica.
Amy Winehouse fue considerada uno de esos talentos únicos que surge en cada generación y una artista de jazz en el sentido más puro del género. Escribió y cantó desde el corazón usando sus dotes musicales para analizar sus propios problemas. La combinación de su cruda honestidad y su increíble talento la llevaron a ganar seis Grammy, y a componer algunas de las canciones más originales y adoradas del siglo XXI. Su gran éxito, sin embargo, dio lugar a una exposición mediática implacable e invasiva que, unida a las relaciones conflictivas de Amy y a su trepidante estilo de vida hizo que su vida comenzara a desmoronarse hasta su muerte a la edad de 27 años. Asif Kapadia es un guionista, productor y director de cine, autor en 2010 de un documental sobre el piloto de Fórmula 1 Ayrton Senna, ganador de varios premios y muy bien considerado por los críticos. También fue responsable de una de las películas sobre Londres creadas alrededor de los JJOO de 2012. Cuando la Universal music UK ofreció al equipo responsable de Senna (James Gay-Rees y Chris King, junto al mencionado Kapadia), hacer una película del mismo estilo sobre la figura de Amy, no dudaron en aceptar la oferta. La película contiene numeroso material de archivo, incluso familiar, y una serie de entrevistas con personas que compartieron su vida. Las letras de sus canciones, que constituyen la columna vertebral de la película, sirven para contar su vida. El director afirma que "Una vez que entiendes su vida y lees sus letras, entiendes que son mucho más profundas de lo que podrías haber pensado". El documental es interesante incluso si no sabes mucho acerca de Amy y su obra, si bien su duración es excesiva. Y desde el punto de vista narrativo, hace hincapié en la negativa influencia de su entorno, marido y padre incluidos, y sobre todo de los medios de comunicación, en su camino hacia la destrucción. Para mi supuso una aproximación a una figura de la que prácticamente lo ignoraba todo, incluso sus canciones. No es mi género de música, pero me parece que tiene un estilo muy personal, buen gusto y buena voz. Me resultó, no obstante, más interesante, narrativa y cinematográficamente hablando, otro documental relativamente reciente, Searching for Sugar man (2012).
Película de animación, de la productora Pixar. Una de las mejores películas que he visto en los últimos meses.
Pixar se creó en 1979 como parte de la división de computadoras de Lucas film. En 1986 empezó a producir cortos de animación por ordenador pero desde que en 1995 produjo su primer largometraje, Toy story se ha convertido en la más importante productora de largometrajes de animación. Desde entonces ha producido un total de 15 largometrajes, inicialmente con el apoyo de Disney que, finalmente, compró la compañía en 2006. Pixar ha conseguido hacer películas de animación que no solo vayan dirigidas a los niños sino también a los mayores que les acompañan, hasta el punto de que algunas de ellas como Wall-e y Up han sido consideradas películas totalmente para adultos, que también gustaban a los niños.
De su éxito da fe que, desde que en 2001 se empezaron a otorgar los Oscar a la mejor película de animación, Pixar ha conseguido nueve nominaciones y siete victorias mientras que tan solo Disney y Dreamworks han conseguido dos premios. Además tanto Up como Toy Story 3 fueron nominadas como mejor película, algo que había conseguido solamente La bella y la bestia (1995) con anterioridad.
Del revés nos cuenta la historia de Riley, una niña de once años, que se ve obligada a dejar atrás su vida en el Medio Oeste americano porque su padre encuentra un nuevo trabajo en San Francisco. Riley se deja guiar por sus emociones: Alegría, Miedo, Ira , Asco y Tristeza. Las emociones se encuentran en el Cuartel General, el centro de control de la mente de Riley, desde donde la ayudan a superar los problemas de la vida cotidiana. Aunque Alegría, la emoción más importante de Riley, intenta mantener una actitud positiva, el conflicto de emociones surge al tener que hacer frente a una nueva ciudad, una nueva casa y una nueva escuela. La relación entre Alegría y Tristeza es el núcleo de la historia ya que cuando se ven arrastradas al fondo de la mente de Riley -el País de la Imaginación, la Fábrica de Sueños y la Memoria a Largo Plazo-, el caos se apodera del Cuartel General. Todo esto está puesto en imágenes con un derroche de imaginación e ingenio y pese a un cierto exceso de sentimentalismo en la resolución, la película me ha parecido plenamente lograda. Y contrasta con la pobre impresión que me había producido unos dias antes otra película de animación, Los Minions, que me aburrió soberanamente. Los responsables son Peter Docter como director (dirigió Up y Monstruos S.A.) y como productor John Lasseter, verdadera alma de Pixar, aunque tengo que decir que el corto que precede a la película, al menos en el cine donde la ví, que está dirigido por él, me pareció excesivamente sensiblero. En resumen, una película totalmente recomendable, quizá más para los mayores que para los niños pequeños, pero sobre todo para los adultos que disfrutamos con la lección de elipsis de los primeros minutos de Up.
Sigue, pues sigue cuchillo volando, hiriendo. Algún día se pondrá el tiempo amarillo sobre mi fotografía
Miguel Hernández. El rayo que no cesa.
Fernando Fernán Gómez tituló sus memorias "El tiempo amarillo" aludiendo como Miguel Hernández al color sepia que las fotografías adquirían con el paso del tiempo, el tiempo también afectó a su película "El mundo sigue", ahora que se cumplen 50 años desde su estreno casi clandestino en un cine bilbaíno en programa doble, se vuelve a estrenar en una copia digitalizada y ditribuida por una compañia paradojicamente llamada "A contracorriente", y es que esta película nació ya a contracorriente, rodada en 1963 y estrenada dos años después, desapareció de la cartelera y se convirtió en una película maldita y de culto como poco después le sucedió con "El último viaje", en un contexto en que el cine español estaba poblado por un lado de niñas y niños cantarines, de folclóricas y de comedias costumbristas ramplonas y por otro lado ya promocionaba el llamado "nuevo cine español" con directores procedentes de la recientemente creada escuela oficial de cinematografía en ninguno de estos dos campos jugaba "El mundo sigue".
En este nuevo estreno la película sigue estando a contracorriente fuera de lugar entre motoristas apocaliptícos, dinosaurios o películas de animación que son los actuales éxitos de taquilla.
Fernando Fernán Gómez dirigió y arriesgó su dinero en producirla, ,escribió el guión basado en la novela homónima de J.A. Zunzunegui, confiando en no tener problemas con la censura teniendo en cuenta que el escritor era académico y falangista, García Escudero recién nombrado Director general de cinematografía de la mano de Fraga, sentía simpatía personal hacia F,F. Gómez, aún así la película solo consiguió una clasificación tipo C , lo que suponía subvención cero y la condena a un estreno simbólico, para que la distribuidora pudiera conseguir licencia de importación de películas extranjeras.
La acción se desarrolla en Madrid ,en el barrio de Maravillas y retrata las vivencias de una familia humilde,en una España de posguerra sórdida y gris donde los personajes están condicionados por el dinero, unos por la penuria de no tenerlo y otros por la falta de escrúpulos por conseguirlo.
Es sobre todo la historia de dos hermanas que se odian y se envidian profundamente, una de ellas Eloísa ( Lina Canalejas) llegó a ser Miss Maravillas y trabajar de modelo carrera frustrada al casarse con Faustino (F.F, Fernán Gómez) maltratador, vago, ludópata y al final ladrón que la llena de hijos, la otra hermana es Luisa ( Gemma Cuervo) empeñada en salir de la mediocridad que no duda en utilizar a los hombres para ello.
La familia se completa con los padres Francisco Pierrá y Milagros Leal y el hermano beato al que rechazaron del seminario por enfermo, padres que cierran los ojos y que no dudan en aceptar los regalos de Luisa , el dinero es bueno aunque su procedencia no sea del todo lícita y Luisa maneja bien la aguja de marear. El conjunto es un grupo de personajes capaces de llegar a la violencia física con los que es imposible empatizar, Agustín Gónzalez en el papel de un autor teatral fracasado que tiene que ganarse la vida como crítico teatral resulta ser el único con cierta dignidad.
F.F.Gómez ya había dirigido con anterioridad La vida por delante y La vida alrededor películas costumbristas en clave de comedia satíritica sobre el comienzo de la sociedad de consumo, en El mundo sigue el costumbrismo se transforma en un naturalismo brutal, en un sainete trágico, va más allá del sensible neorrealismo italiano o de los intentos españoles de Marco Ferreri como El pisito o El cochecito vistos bajo un prisma más esperpéntico, F.F. Gómez está más en la línea de Surcos de José Antonio Nieves Conde , también se aprecian influencias en las secuencias más documentalistas de Edgar Neville.
Desde la primera secuencia en que vemos a Doña Eloísa subir cansinamente la escalera nos invade una incomodidad y un desasosiego que ya no nos abandona en toda la película, no dá respiro, se tratan temas que nunca se habían tratado con tanta valentía en el cine español, la prostitución real y la encubierta, el aborto, los malos tratos, la ludopatía, el suicidio.
Película dura pero imprescindible los que tenemos una edad y más si somos madrileños reconocemos esos personajes y ese Madrid que oscilaba entre tabernas, chigres y calles sin asfaltar y ese otro de coctelerías, piscinas y "aigas". Rodada en blanco y negro y con poco presupuesto sorprenden las imágenes casi documentales de las calles, el empleo de la voz en off de los distintos personajes, y sobre todo la maravillosa elipsis de Luisa subiendo las escaleras y tranformándose en la niña que subía a por su merienda, en su primer beso de adolescente...
Reparto excepcional que también incluye a Fernando Guillén y Maria Luisa Ponte.
