¡ Diecisiete años ! ¡Noche de Junio ! Te emborrachas| La savia es un champán que sube a tu cabeza.... Divagas; y presientes en los labios un beso que palpita en la boca ,como un animalito
Fragmento de " Roman" de Arthur Rimbaud.
André Techiné ha titulado su última película "Cuando tienes 17 años", recordando el poema de Rimbaud "Roman", que es la edad de sus dos protagonistas y que me recuerda la última película estrenada de Francois Ozon " Joven y bonita " que empezaba con el declamado de este poema por unos alumnos de liceo, en ambas sus autores se sirven del poema para recordar que cuando se tienen 17 años nada es serio, es la edad del descubrimiento de otra vida, el descubrimiento del sexo y a veces del amor , la rebeldía y a veces de la muerte.
Damien y Thomas son dos adolescentes que comparten clase en el liceo de su localidad, un pueblo del Pirineo, sus vidas son muy diferentes, Damien es único hijo de un militar y de una doctora con situación desahogada madre e hijo hablan por las noches con el padre que se encuentra en una misión peligrosa en África, Thomas es hijo adoptado de un matrimonio de ganaderos, viven retirados del pueblo y todos los días debe recorrer a pie dos kilómetros para cojer el autobús que le lleva a la escuela.
Los jóvenes no empatizan, Damien como dicen los jóvenes va de sobrado en los estudios y Thomas se siente humillado, esta rivalidad genera en ambos reacciones violentas.
La situación se complica al necesitar hospitalización la madre de Thomas y decidir la madre de Damien que éste se traslade a vivir con ellos , para estar más cerca del liceo y mejorar su rendimiento, todo ello genera nuevos conflictos que lo que esconden ,en el fondo, es que entre ellos existe una fuerte atracción física que se resisten a reconocer pero que acaba estallando.
He visto algunas películas de André Techiné la mayoria correctas pero olvidables, cineasta de la generación posterior a la nouvelle vague y también vinculado a la revista cahiers de cinemá, en su filmografía se muestra preocupado por las relaciones familiares y la homosexualidad, tema que trata en muchas de ellas y sobre todo en ,la para mí su mejor película, "Los juncos salvajes" con la que esta guarda mucha relación, en las dos se trata este tema y en las dos existe un contexto bélico, Argelia en la primera y una guerra menos definida en la segunda, con muerte incluida que también crea un efecto de revulsivo en los personajes.
Me ha gustado la película aunque muchos temas ,como los sentimientos de ser adoptado o la relación de la madre con Thomas, solo estan esbozados sin profundizar, también habría sido interesante saber la reacción de los padres adoptivos, pero mientras Damien lo afronta con su madre Thomas lo oculta.
Buenas interpretaciones del trío protagonista, sobre todo del joven que interpreta a Damien Kacey Mottet Klein.
Añado un video con el poema de Rimbaud al que Leo Ferré puso música.
Dirigida por Rodrigo Sorogoyen, un realizador que llamó la atención con 8 citas (2008, codirigida con Peris Romano) y sobre todo con Stockholm (2013), una película modesta, que obtuvo varios premios y nominaciones (Festival de Málaga, Premios Feroz y Goya). También ha trabajado en varias series de TV. Con Que Dios nos perdone ha ascendido de categoría ya que se trata de una película donde se nota que ha contado con un buen presupuesto y ha sabido aprovecharlo.
Que Dios nos perdone se desarrolla en Madrid, en agosto de 2011. Las calles de la capital están invadidas por el millón de peregrinos que han acudido a ver al Papa Benedicto XVI. En este escenario, alguien está asesinando a mujeres mayores que viven solas. Los encargados de investigar el caso son dos policias un tanto especiales: Velarde (Antonio de la Torre) y Alfaro (Roberto Álamo). Dos policias, especialmente el segundo, con los que no te gustaría encontrarte. Los dos deberán atrapar a este asesino en serie, y hacerlo de manera discreta, mientras resuelven sus problemas personales, tanto profesionales como familiares. Una muy notable película de acción, bien contada. Es cierto que no profundiza en los problemas personales que han llevado a los personajes a su situación actual pero una vez iniciada la trama todo se desarrolla de acuerdo a como nos ha sido presentado. Durante los primeros tres cuartos de la película seguimos la investigación de la policía para, en el último cuarto, introducirnos en el mundo del asesino en un giro bastante atractivo. Y un cuerpo de policía que no sale muy bien parado. No hay originalidad en la trama ni en el desarrollo. Hemos visto historias y ambientes similares en muchas otras ocasiones, pero sí hay una narración ágil, muy correcta y, sobre todo, dos protagonistas de excepción. Antonio de la Torre nos ofrece nuevamente un personaje atormentado en la línea que recuerda a su Canibal (2013, Manuel Martín Cuenca). Roberto Álamo vuelve a mostrar su gran categoría como actor en un personaje hiperviolento y desagradable que recuerda a su papel en Lluvia constante (teatro). Los dos están espléndidos pero corren el peligro de encasillarse en este tipo de personajes. Y mención para Javier Pereira. Una muy buena película de acción. Una más en ese cine español que parece que hubiera encontrado en este tipo de historias un género propio. Recordemos, sin ánimo de exhaustividad, títulos como Grupo 7, El desconocido, El niño, Celda 211, La caja 507, No habrá paz para los malvados, El hombre de las mil caras y Tarde para la ira o La isla mínima. Por cierto que el título viene dado por un fado de Amalia Rodrigues. El personaje de Antonio de la Torre tiene una colección de fados impresionante
Actualmente hay tres exposiciones
de las que dos encuentro son muy recomendables.
.
La primera, la de Robert Capa,
fotografía en color.
Este fotógrafo, principalmente
conocido por su foto del miliciano que cae durante la guerra civil
española, vio publicada su obra fundamentalmente en blanco y negro.
El y su pareja, Gerda Taro, publicaban con el mismo seudónimo, por
lo que, en algunos casos, no se sabe bien cuáles eran de cada uno.
Le gustaba mucho el color, e hizo
estupendas fotos, menos conocidas entre otras cosas por el largo
proceso de revelado de color en sus comienzos, y porque las revistas
para las que trabajaba preferían publicar su obra en blanco y negro.
En esta exposición se exhiben
fotos tomadas durante la segunda guerra mundial, y reportajes sobre
personajes famosos (Picasso, Hemingway, Huston..), países como
Hungría (él era húngaro), Rusia, Marruecos.... ciudades como
París, Roma...
Robert Capa murió al pisar una
mina en la guerra de Indochina. Dejó 70.000 negativos.
Merece dedicarle tiempo, y es
recomendable ir pronto. En domingo, al salir sobre las 12h30 había
una cola enorme.
. La segunda exposición, (en la
que entré ya que estábamos) es sobre el Capitán Trueno.
La exposición
no sólo alimenta la nostalgia. También analiza estos tebeos (ahora
habría que decir comics) desde puntos de vista que yo, naturalmente,
ni había imaginado cuando los leía de niña: sus conexiones con la
literatura y sus mitos, los espacios naturales que aparecían en las
historias, los artefactos técnicos (con sus anacronismos
correspondientes), los aspectos arquitectónicos, sus claves gráficas
y sus personajes...
Y, claro
está, la reflexión moral sobre la lucha contra la injusticia. Copio
un texto que acompaña a la exposición: “Seguramente es la
justicia una idea excesiva, el nombre impropio de un anhelo siempre
pendiente”.
El teatro Pavón de Madrid, que durante varios años ha sido la sede provisional de la Compañia nacional de teatro clásico, mientras se remodelaba su sede oficial, el teatro de la Comedia, acoge desde este otoño un nuevo e interesante proyecto: la comunidad Kamikaze. Este grupo ha producido varios de los espectáculos teatrales más interesantes de los últimos años. La función por hacer, Veraneantes, La clausura del amor, Hamlet, Misántropo, Juicio a una zorra. Y al hacerse cargo de la gestión del Pavón pretenden un teatro de calidad para todos los públicos. Un espacio para el entretenimiento, la reflexión, el diálogo y la transformación. Un nuevo recinto artístico que nace con la vocación de ofrecer una mirada contemporánea en la que cualquiera pueda verse reflejado. Un proyecto que definen en este enlace: Teatro Kamikaze. Para iniciar su andadura en la sala grande han elegido una obra de un autor español, Jordi Casanovas. Es el autor de Ruz-Barcenas. Una transcripción de parte del interrogatorio al ex-tesorero del PP. No la vi en teatro pero si en cine.No conozco ninguna otra obra suya. Parece que una de las más populares es Un hombre con gafas de pasta. También suele dirigir no solo sus obras (dirigió el montaje de Idiota en Barcelona) sino las de otros autores.
Un hombre, Carlos, se presenta a unas remuneradas pruebas psicológicas. Lo que él piensa que será una manera fácil y sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos se convertirá en una auténtica trampa. Una atractiva psicóloga le formulará preguntas y enigmas que le pondrán nervioso y que le obligarán a sacar lo mejor de si para evitar un final fatal. Esta sinopsis define bastante bien lo que es la obra. El hombre (Gonzalo de Castro), es un individuo bastante normal. Graciosillo, poco inclinado a la reflexión, no más idiota que la mayoría de nosotros. No lee los contratos que firma porque se fía de la atractiva joven que se lo ofrece y se sorprende cuando descubre a lo que se ha comprometido (¿no os suena a las famosas hipotecas?). Enfrente un sistema representado en una doctora, que le someterá a una serie de pruebas y humillaciones que él soporta ante la perspectiva del premio económico, sin atreverse a decir basta. Una idea está sobre el escenario: Una reflexión sobre la autoridad y la incapacidad de rebelarnos. Vivimos en una sociedad en la que el dinero acaba siendo siempre el vehículo para callarnos. "Primero está el miedo a rebelarnos y después, si encima hay dinero de por medio, todos estamos demasiado dispuestos a cambiar justicia por bienestar, como decía Chirbes", asegura el director, Israel Elejalde. Es muy interesante y clarificador del objetivo de la obra este texto de Israel Elejalde,Idiota y el Proyecto Milgram
La acción se desarrolla de forma que la doctora va proponiendo una serie de pruebas que Carlos debe resolver, en un juego para implicar al espectador que trata a su vez de resolverlas. Si falla el castigo puede ser muy cruel aunque su integridad física está garantizada. Es un juego que recuerda a las obras de Jordi Galcerán (El método Gronholm, Palabras encadenadas, Carnaval e incluso El crédito). A mi modo de ver, pese a que la obra no pasa de los 80 minutos y cuenta con varias sorpresas y giros en su desarrollo, se resiente de que es una única situación excesivamente alargada. En ello puede influir el hecho de que la interpretación de Gonzalo de Castro no me convenció. Demasiado atropellado en su dicción, resulta difícil de entender en bastantes momentos. He visto a este actor en otros papeles en los que me gustó mucho más, especialmente en Glengarry Glen Rose y El inspector, pero ya el año pasado no me gustó en El invernadero. Como es un buen actor, creo que debe ser problema mio, que no consigo conectar con su personaje. Elisabet Gelabert es la doctora y me pareció más acertada. La he visto en varios papeles, (Veraneantes, Maridos y mujeres, Tito Andrónico, en teatro, Magical Girl en cine) y me parece una actriz convincente. Un decorado muy sencillo con un cierto aspecto de concurso televisivo y unas proyecciones fundamentales en el desarrollo de la acción en las que se nos ofrece lo que el personaje ve en el ordenador de su mesa. Un espectáculo interesante pero no del todo satisfactorio para mi, que abre una experiencia a la que deseo el mayor de los éxitos.
Con ocasión de la propuesta de Maite para ir a ver esta obra, publiqué el texto de José Carlos Plaza, responsable de la puesta en escena, así como un breve apunte sobre su autor. No voy por tanto a repetirme.
El padre se centra en el tema de la vejez, la decadencia lenta y la demencia senil a través de la enfermedad (Alzheimer) del protagonista. Presenta a Andrés, interpretado por Héctor Alterio, que hace que el espectador experimente el humor mediante situaciones ambiguas y contradictorias. Los personajes están duplicados, son cambiantes y plantean en todo momento la duda de qué sucede realmente. Es un juego de irrealidad, de enredos, de verdades y mentiras, que coloca al espectador en una sensación de desconcierto similar a la del protagonista. Trata un tema tan espinoso como la perdida de la realidad debida a la vejez. Nos coloca en la perspectiva de una mente confusa o, quizá, confundida por los intereses de los que le rodean. Algo que muchos de los que hemos tenido padres mayores hemos vivido en mayor o menor grado. Todo este juego es el que se propone el autor, sumergiéndonos en la mente de Andrés. Que no sepamos qué es real y qué es lo existe solo en su mente. Lo consigue, en mi opinión, solo parcialmente. Pero es que saber lo que es real y lo que no, es lo menos interesante. No sabemos, y a mi por lo menos me da igual, si Ana, la hija, se va realmente a Londres o, simplemente, junto con su pareja, consideran que es imposible seguir teniendo a Andrés en su casa. Lo que sin duda es cierto es la confusión en que vive Andrés y que acaba en una residencia. Y la presentación de situaciones muy diferentes para ilustrar ese desconcierto no me parece especialmente afortunada. Como tampoco la inclusión de un sueño de Ana. ¿Es realmente su sueño o es lo que Andrés cree que sueña su hija? Creo que la gran virtud de la representación es Hector Alterio. Está espléndido. Parece mentira que a los 87 años se mantenga en el escenario durante hora y media, con una sinceridad, una ternura y un buen hacer extraordinarios. Bien acompañado por Ana Labordeta, a la que recuerdo el año pasado en Pluto y algo más lejano en Noviembre de David Mamet. El resto del reparto tiene una presencia muy secundaria. Me gustó el decorado, con una evolución en el que van desapareciendo elementos hasta quedar en una fría sala de residencia. Pero sobre todo, muy por encima del resto, Hector Alterio. Por él vale la pena ir a ver la obra.
La chica del tren es la adaptación al cine del best-seller de Paula Hawkins del mismo título. Una mediocre novela que, increíblemente, ha vendido millones de ejemplares en todo el mundo. Está dirigida por Tate Taylor, el director de la notable Criadas y señoras ( The help, 2011). Ya en esa película nos demostró un interés por los personajes femeninos y las buenas actrices (Emma Stone, Viola Davis, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain, entre otras figuraban en el reparto). Tuvo cuatro nominaciones a los Oscar, tres de ellos a sus actrices. Octavia Spencer ganó el de mejor actriz de reparto.
Rachel (Emily Blunt) es una mujer divorciada y alcohólica. con problemas con la bebida. Cada día, toma el tren para ir a Nueva York, y cada día el tren pasa por su antigua casa en la que ahora vive su marido con su nueva esposa, Anna (Rebecca Ferguson), y su hijo. Rachel se concentra en mirar a una pareja, Megan (Haley Bennett) y Scott , que vive unas casas más abajo, creándose una imagen aparentemente perfecta sobre ellos.
Pero una mañana, desde la ventana del tren, Rachel es testigo de una aparente infidelidad de Megan que la impacta y llena de rabia. Al día siguiente, se despierta con una resaca terrible, diversas heridas y contusiones, y no recuerda nada de la noche anterior, aunque tiene la extraña sensación de que algo malo ha pasado. Cuando descubre que Megan ha desaparecido, Rachel se ve envuelta en el caso, y trata de averiguar qué pasó y qué fue exactamente lo que ella misma hizo la noche en que Megan desapareció. Una historia de intriga, más propia de Agatha Christie que de Hitchcock, con algunos puntos notables, sobre todo la imagen de la visión de las casas desde el tren. Una idea que estropea el director al ofrecernos planos cortos de la casa desde la visión, aparentemente subjetiva, de Rachel. El resto, la historia de tres mujeres con un punto de conexión, Tom. El ex marido de Rachel que es ahora el marido de Anna y que ha contratado a Megan como niñera. La película sigue fielmente la acción, aunque no tanto el juego de tiempos y narración en primera persona de la novela. Siempre es dificil el relato en primera persona en el cine, que suele obligar a la voz en off. Esta película no es una excepción. Recurre también a la inserción de numerosas analepsis (flash back), cometiendo incluso lo que Hitchcock señalaba como gran error en una de sus películas (Pánico en la escena). Que el flash-back sea falso. Película lastrada por un guión insuficiente que no aprovecha lo que constituía, para mí, lo único aprovechable de la novela, el juego temporal de las tres narradoras. Y que, como en la novela, llega a la resolución final de forma tan artificial como abrupta. Bien las tres actrices principales, mientras que los actores tienen unos personajes tan poco atractivos e interesantes que es imposible que destaquen.
Siguiendo la linea marcada por Angel, estas han sido mis lecturas del verano. PARIS AUSTERLITZ de Rafael Chirbes
LA LEY DEL MENOR de Ian Mc Ewan y ya puestos, del mismo autor, AMOR PERDURABLE CINCO ESQUINAS de Vargas LLosa EL INVIERNO DEL MUNDO DE Ken Follet LA CHICA DEL TREN de Paula Hawkins LO QUE EL DIA DEBE A LA NOCHE de Yasmina Khadra CAROL de Patricia Highsmith BROOKLYN de Colm Toibin LA HABITACION de Emma Donoghue y pendiente de terminar ANA KARENINA de Leon Tolstoi
"Fuí a los bosques porque quería vivir deliberadamente; enfrentar solo los hechos de la vida y ver si podía aprender lo que ella me tenía que enseñar. Quise vivir profundamente y desechar todo aquello que no fuera vida... Para no darme cuenta, en el momento de morir, que no había vivido. HENRY DAVID THOREAU ( WALDEN ).
Film norteamericano dirigido por Matt Ross, también autor del guión, actor de series de Tv como Big Love o Silicon Valley, y pasado ahora a la dirección con esta película de lo que se ha dado en llamar cine "indie" y que ha pasado por el festival de Sundance y por el de Cannes, donde recibió el premio al mejor director en la sección "Un certain regard".
Ben y Leslie son un matrimonio que decidieron vivir en los bosques, al margen de la sociedad de consumo, encargándose ellos mismos de la educación e instrucción de sus seis hijos, sin acudir a ninguna escuela pública, potenciando la vida en contacto con la naturaleza, la actividad fisíca, la meditacíon, la lectura ,el conocimiento de idiomas, la música y todo tipo de temas sin inhibiciones en base al diálogo y la verdad, todo ello impregnado por una mística ácrata mezclada con un budismo zen que ya arraigó en la sociedad americana en los años 60 con el movimiento hippie, pero que tiene sus bases en la desobediencia civil y el anarquismo de Henry David Thoreau, que también defendió Gary Snyder ( al que dediqué una entrada en este blog en noviembre de 2014) y que también tiene sus representantes en la actualidad como Noam Chomsky, citado insistentemente en la película.
La aparentemente ídilica vida de la familia se fractura con la muerte de la madre, hospitalizada por sus padres ,en contra de la opinión de su marido. El viaje de la familia , con el propósito de que se cumplan las últimas voluntades de Leslie, chocan con las del resto de la familia, el contacto de los niños con la sociedad y los acontecimientos que provoca la reacción de Ben, hace que empiezen a surgir fisuras entre los miembros de la familia y por primera vez hace que Ben se replantee el futuro de todos ellos.
Me ha gustado la película, me ha caído simpática, es ideal para mantener un debate, como hacíamos en los tiempos de los cineclubs, debate sobre el neoliberalismo, sobre la sociedad consumista, sobre los movimientos ecólogicos, sobre la educación en fin, hasta que punto podemos prescindir de la sociedad tal como está organizada.
Me ha gustado el desarrollo y el desenlace, el director no defiende a ultranza, las posiciones de los personajes, yo creo que el mensaje final está en que los padres no podemos suplantar a las instituciones y a los enseñantes ,si estamos para vigilar,completar y corregir aquellos planteamientos que no compartimos, Ben enseña e instruye a sus hijos según su único criterio, con ello más que instruirlos los está instrumentalizando, en una secuencia el hijo mayor le reprocha que los haya convertido en fenómenos, en otra el hijo mediano le reprocha porqué no celebran la navidad ,como todas las familias, y celebran el cumpleaños de Noam Chomsky.
Ciertamente la película tiene algunos elementos tramposos, desde la hipótesis de partida bastante increíble, los hippies son algo del pasado, cercano pero pasado, hasta la alta cualificación de los padres capaces de enseñar de todo, idiomas, música, esperanto, y son consumados atletas ;tampoco me gusta la entrada en el funeral de toda la familia planteada para impactar al espectador, a pesar de todo la recomiendo me parece que prevalecen las cosas positivas y combina momentos de buena comedia como los provocados en la convivencia con la familia con momentos enternecedores.
El casting es perfecto, todos están muy bien, destacando como no Viggo Motersen, actor que me gusta desde sus inicios y que sabe alternar grandes producciones con películas más modestas como ésta.
Por último me gustaría trancribir unas frases de Noam Chomsky que pronuncia Rellian el hijo mediano. Si asumes que no hay esperanza, entonces está garantizando que no la haya, Si asumes que existe un instinto de libertad, que hay oportunidades para cambiar las cosas, entonces hay una posibilidad de que puedas contribuir a un mundo mejor.
En la clase de hoy hemos quedado en visionar a lo largo de la semana para evitar que se nos vaya la clase en ver videos el correspondiente a Juan Ramón en la serie de TVE Creadores del siglo XX. Aquí os pongo un enlace. Juan Ramón Jiménez
En el teatro de la Abadía se está representando Incendios, del libanés Wajdi Mouawad. Vivió en su Beirut natal hasta los ocho años. Allí, al comienzo de la guerra civil libanesa, vio cómo un autobús repleto de refugiados palestinos era acribillado por las milicias cristianas. Sus padres emigraron a París. Seis años después tuvieron que abandonar Francia. En Montreal, él y su familia corrieron mejor suerte. "En el exilio, tuve que buscarme algo con lo que recrear el espacio de felicidad de mi infancia, algo que volviera a ponerme en relación con la naturaleza", dice. Y ese algo fue el teatro. Empezó a dirigir, a actuar y a escribir. En 2009 presentó en el festival de Avignon la columna vertebral de su trabajo: Littoral, Incendies y Fôrets, trilogía de once horas de duración, representada de sol a sol por actores canadienses y franceses, culminando con el estreno de Ciels, broche de lo que ya es una tetralogía, y estreno absoluto en Aviñón. Incendios se presentó en Madrid, creo que en 2008, dirigida por el autor, y ha contado con alguna otra representación. También hubo un montaje en Barcelona en 2014. Y una película dirigida por Dennis Villeneuve que es lo que yo había visto. Por los comentarios y la película esperaba con expectación este montaje de Mario Gas con Nuria Espert, Ramón Barea y Laia Marull al frente. Ha respondido a lo esperado.
Tras permanecer en un silencio hermético durante cinco años, fallece Nawal. En su testamento, deja un mandato a sus hijos gemelos: han de buscar a su padre, al que creían muerto, y a un hermano cuya existencia ignoraban, y entregarles un sobre cerrado a cada uno. Los chicos no están por la labor, pero el deseo de desvelar su origen acabará por llevarles de regreso a su país natal, que no se nombra pero se intuye. Incendies cruza tres historias entroncadas: la de Nawal, desde que se quedó embarazada, con 15 años, hasta su muerte; la historia de ese primer hijo, de quien la separaron nada más nacer y a quien buscó durante toda su vida, y la historia de la nueva búsqueda, emprendida por sus gemelos. Pero con ser emocionante lo que Mouawad cuenta, lo que también importa es cómo lo cuenta: sin un tiempo muerto, sin un oscuro, solapando escenas. Los protagonistas de una escena comparten espacio con los de la siguiente, en una especie de encadenado cinematográfico. La obra nos remite a la tragedia clásica. Y como en ella, cuenta con algunas casualidades y excesos. Nawal es la mujer de cualquier país en guerra, humillada, violada e inseminada por el enemigo. Un texto lleno de crueldad, de belleza poética. Monólogos y diálogos conmovedores e intensos. Nawal es Nuria Espert y Laia Marull. Una Nuria Espert a la que en esta ocasión he visto menos diva que en las últimas ocasiones, entregada al papel. Laia Marull, que no me había terminado de gustar hace unos años como Hedda Gabler, aquí confirma su calidad que ya conocía de películas como Te doy mis ojos o Pa negre. Junto a ellas destaca otro veterano, Ramón Barea, que interpreta varios personajes. A otro nivel, pero siempre correctos, actores conocidos por series de TV, cine o teatro: Carlota Olcina (Amar en tiempos revueltos y Seis hermanas), Alex García (La novia), Alberto Iglesias (El largo viaje del dia hacia la noche), Edu Soto (Cabaret) y Lucía Barrado (La que se avecina, Carlos emperador) quizá la que mas me gustó en un personaje secundario pero conmovedor. Por lo que sé, la puesta en escena de Mario Gas sigue la del autor. Me pareció muy adecuada, utilizando proyecciones que, en algunos momentos, complementan la narración. La escena final es digna de la mejor tragedia clásica. El notario Hermile Lebel comienza a tender una lona traslúcida para resguardarse de una lluvia repentina y persistente, y los demás personajes se van poniendo a su lado, uno a uno. Excepto el moralmente monstruoso Nihad. Por un instante eterno, ese grupo compacto queda como congelado. Nihad, fuera de la lona, gira la cabeza hacia ellos, se les acerca, y se pone también a cubierto. En esa imagen fija y muda del grupo bajo la lluvia cristalizan las palabras póstumas de Nawal, pronunciadas por el notario al inicio del espectáculo: "Ahora que estamos juntos, todo va mejor". Emocionante y conmovedor. La verdad es que la obra da para escribir mucho más sobre ella. A mi modo de ver, podría acortarse un poco (dura tres horas), pero es de lo mejor que he visto en bastante tiempo. Las entradas están agotadas para todas las funciones, pero la obra volverá en junio. Un consejo, No os la perdáis.
Dirigida por Paul Verhoeven, un veterano director holandés (78 años) que empezó a ser conocido en 1973 por su película Delicias turcas, elegida en 1999 como la mejor película holandesa del siglo y donde destacaba su intenso erotismo. En 1985 rodó en España Los señores del acero. A finales de los años 80 se trasladó a EEUU donde dirigió Robocop y Desafío total. En 1992 dirigió su película más conocida, , donde abandonaba los efectos especiales y, en parte, la violencia para centrarse en una intriga con mucho erotismo. No volvería a repetir su éxito siendo sus títulos posteriores mas destacados Showgirls (1995) y Starship troopers (1997. Desde 2006 en que rodó El libro negro (una historia de sexo y espionaje en la Alemania nazi), no había vuelto a saber de él. Elle es la adaptación de la novela Oh de Philippe Djian. De este autor ya se había adaptado otra novela, Betty Blue (1986) de fuerte carga sexual.
Michèle (Isabelle Huppert) dirige una gran compañía de videojuegos, y maneja con seguridad tanto los negocios como su vida sentimental. Está separada, tiene un hijo a punto de ser padre, una nuera dominante con la que mantiene una tensa relación, una madre promiscua y un padre encarcelado por una serie de crímenes que cometió cuando ella era una niña. Todo un personaje. Su vida parece cambiar cuando es violada por un misterioso enmascarado en su propia casa. Pero después del violento ataque, Michèle no llama a la policía ni derrama una sola lágrima. Simplemente, limpia el lugar de los hechos, se da un baño y va al médico para asegurarse de que no existe ninguna secuela en su salud. Decidida, tratará de encontrar a su agresor. Será entonces cuando comience un peligroso juego que amenaza su controlada personalidad. Una historia un tanto morbosa que tiene como principal virtud la presencia de Isabelle Huppert cuya presencia en pantalla es casi constante. La historia es retorcida, oscura, llena de detalles de humor y cargada de erotismo y ambigüedad. Todo lo cual hace que se siga con interés, pese a los numerosos giros que nos ofrece. Está narrada con habilidad y eficacia. Y me recuerda mucho, aunque la historia no tiene nada que ver, a Instinto básico. Probablemente menos tramposa en su desarrollo, aunque los conflictos de algunos de los personajes son un tanto arbitrarios y en algunos casos poco justificados. Como ya he dicho la presencia de Isabelle Huppert es fundamental. Resulta difícil imaginar esta película con otra actriz. Interesante. Y comercial, aunque, sorprendentemente se ha estrenado en pocas salas.
A principio de los años 60 la música popular que
escuchabamos los españoles era la de "las peticiones del oyente", copla, boleros y a lo mucho algo de música francesa o italiana. En 1963 nació un programa de radio, Caravana y Vuelo 605, presentado por una voz susurrada, era Angel Álvarez un enamorado de la música anglosajona, el folk, el country,el jazz y los buenos "crooners" todos estaban entre sus predileciones, su profesión de piloto de Iberia le permitía hacerse con las novedades discográficas que nunca llegaban o muy tardiamente a España, todavía un mercado insignificante para la venta de discos.
Los que eramos jóvenes en estos años nos hicimos devotos de sus programas y nos sacudiamos la caspa, todo esto viene a cuento porqué Angel Álvarez nos descubrió y nos enganchó a Bob Dylan un cantante distinto a todos, con su voz un pelín atiplada,su pelo rizado, con su guitarra , su ármonica,y sus gafas negras, con sus largas canciones y como no con su rebeldía. Hoy más de cincuenta años después, los académicos suecos le han distinguido con el Premio Nobel de ¿Literatura? "por haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradicción americana de la canción"
Decisión histórica y muy controvertida la de este Nobel, por primera vez se galardona a un cantaautor, alguien no discutible en su carrera artística pero que no es exactamente un narrador, no dispone de obra escrita, solamente un libro "Tarántula" que nadie ha leido y que me temo ahora se reeditará, a bombo y platillo; quizás le tocaba este año a EEUU, pero no es de recibo dejar en la cuneta a Philip Roth, a Paul Auster, Cormac McCarthy, De Lillo, Ford o Pynchon, todos ellos con una obra literaria importante, en fin"Los tiempos están cambiando" titulaba Dylan una de sus más populares canciones y parece el lema de estos dieciocho acádemicos cuyas últimas decisiones están siendo controvertidas.
Me gustó mucho Bob Dylan , sobre todo en su primera etapa cuando era un cantante de folk, heredero de los cantantes country como Hank Williams añadiendo en sus letras y en su actitud el compromiso político como Pete Seeger, otra de sus referencias, su mundo era la contracultura de la generación perdida, sus posiciones como defensor de los derechos humanos y civiles, su oposición a los señores de la guerra (Master of War) y en especial al conflicto de Vietnam le convirtieron en alguien incómodo pero a la vez inofensivo que el sistema ha acabado digiriendo y domesticado. Dejé de seguir su carrera cuando evolucionó y se pasó al pop/ rock ,en los últimos años le llueven los reconocimientos, múltiples Grammys, varios Honoris causa, el Pulitzer, el premio Príncipe de Asturias, Legiones de honor..... se fotografía con Papas ,se reune con reyes y presidentes ,en fin dada su personalidad no sabemos si todo esto le trae sin cuidado o al contrario si se siente "como si estuviera tocando las puertas del cielo", "la respuesta amigo mío está flotando en el viento" como dice una de sus mejores canciones "Blowin'In the wind"
Este galardón pude venirnos hasta bien, podemos presentar la candidatura de Joaquín Sabina ,es un buen músico y mejor poeta que Dylan.
Este verano las lecturas han ido más por autores muy consagrados, clásicos contemporáneos.
Para empezar recomendar un breve relato de Alejo Carpentier "Viaje a la semilla ", podeis leerlo en la Web de Ciudad Seva, que es un prodigio de composición, la historia de Don Marcial marqués de Capellanes, narrada en regresión, desde la demolición de su hacienda y de su muerte a su bautismo y concepción.
LA TREGUA- MARIO BENEDETTI.
Diario de un funcionario gris , viudo y próximo a la jubilación al que la vida le concede una tregua ,recobrando la ilusión con una relación amorosa que le libera del tedio de su vida ínsipida. Imprescindible. "Pienso en el placer( cualquier forma de placer), y estoy seguro de que eso es vida. De ahí el apuro ,el trágico apuro de estos cincuenta años que me pisan los talones. Aún me quedan, así lo espero, uños cuantos años de amistad, de pasable salud, de rutinarios afanes, de expectativa ante la suerte, pero ¿cuántos me quedan de placer?.Tenía veinte años y era joven; tenía treinta y era joven; tenía cuarenta y era joven. Ahora tengo cincuenta años y soy "todavía joven". Todavía quiere decir :se termina.
EL CAMINO DEL TABACO- ERSKINE CALDWELL.
La editorial Navona está recuperando toda la narrativa de Erskine Caldwell, un escritor que me parece muy interesante y que como Faulkner retrata la decadencia moral y económica de los territorios del Sur. En los personajes de esta novela no hay ni un ápice de dignidad, son indolentes, inanes, egoístas en su pobreza y ,como no, racistas.Recomendable. "Ada estaba convencida de que iba a morir cualquier día y por lo general
se sorprendía al despertarse por la mañanas y ver que aún seguía viva.
La pelagra, que extinguía lentamente la vida en su cuerpo consumido, no
era otra cosa que una muerte lenta. La abuela también tenía pelagra,
pero no se moría; su cuerpo frágil luchaba día trás día contra la
enfermedad, pero, pese al lento resecamiento de su piel y de su carne,
nadie podía decir cuando moriría. Pesaba ahora solamente treinta y cinco
kilos, a pesar de ser una mujer alta, que veinte años atrás había
pesado noventa kilos.. Jeeter la tenía encono porque persistía en vivir,
y no solo nunca le daba comida, sino que trataba de conseguir que la
consiguiera, sin embago la vieja había aprendido a hallar sus medios de
sustento, sin que nadie pudiera explicarse como lo hacía. A veces hervía
hojas y raíces, y otras comía hierba y flores en los campos."
LUZ DE AGOSTO- WILLIAM FAULKNER.
Es la tercera novela que leo de Faulkner, las otras son Luz que agoniza y El ruido y la furia y la que más me ha gustado. Dos historias en paralelo sin nada en común que acaban confluyendo,la historia de Lena en la búsqueda del padre del hijo que va ha tener y la de Joe Christmas que arrastra algo imperdonable en el Sur, parecer blanco pero tener sangre negra, contraste de personajes principales y secundarios ,odio,amor ,inocencia,violencia se reflejan con crudeza y veracidad. Imprescindible. " Y allí, interrumpiendo el oficio para subir al púlpito, predicaba a los negros, con su voz ronca, muerta, algunas veces con grandes obscenidades, la humildad ante todas las pieles más claras que las de ellos. Inonscientemente parádojico en su fanatismo, les predicaba la superioridad de la raza blanca, preséntandose el mismo como el mejor ejemplo. Los negros le creían loco. Pensaban que la mano de Dios le había tocado o que quizás era él quien había tocado a Dios.Lo más probable es que no escuchasen o que no pudiesen comprender lo que el hombrecillo decía. Tal vez le tomaban por el mismo Dios, puesto que, para ellos, Dios era también un hombre blanco cuyos caminos eran siempre un tanto impenetrables"
EL PRIMER HOMBRE- ALBERT CAMUS
Novela en la que Camus trabajaba cuando tuvo el accidente de automóvil que le causó la muerte, todavía sin correciones definitivas se publicó póstumamente en base al manuscrito hallado en su cartera en el mismo lugar del accidente. Novela biogràfica donde narra su infancia misérrima en Argelia con una abuela autoritaria, una madre paciente y analfabeta y la sombra de un padre muerto en la batalla del Marne, al que no llegó a conocer, el libro responde a esa eterna búsqueda del padre, que sustituyó por su maestro al que adoraba, por ese también se incluye en el libro un apéndice con la carta de agradecimiento que le envió después de haber recibido el premio Nobel. Magnífica. " No ,la escuela no sólo les ofrecía una evasión de la vida de familia. En la clase del señor Bernard por lo menos, la escuela alimentaba en ellos un hambre más esencial todavía para el niño que para el hombre, que es el hambre de descubrir. En las otras clases les enseñaban sin duda muchas cosas, pero un poco como se ceba a un ganso. Les presentaban un alimento ya preparado rogándoles que tuvieran a bien tragarlo. En la clase del señor Germain, sentian por primera vez que existían y que eran objeto de la más alta consideración: se les juzgaba dignos de descubrir el mundo. Más aún, el maestro no se dedicaba solamente a enseñarles lo que le pagaban para que enseñara: los acogía con con simplicidad en su vida personal, la vivía con ellos contándoles su infancia y la historia de otros niños que había conocido, les exponía sus propios puntos de vista, no sus ideas, pues siendo, por ejemplo, anticlerical como muchos de sus colegas, nunca decía en clase una sola palabra contra la religión ni contra nada de lo que podía ser objeto de una elección o de una convicción, y en cambio condenaba con la mayor energía lo que no admitía discusión: el robo,la delación, la indelicadeza, la suciedad."
La reconquista es la cuarta película dirigida por Jonás Trueba, hijo de Fernando Trueba y Cristina Huete y sobrino de David Trueba. Un hombre que, supongo, ha vivido el cine desde la cuna. Tras participar en el guión de Vete de mí de Victor García León en 2006 (otro hijo de populares, el director José Luis García Sanchez y la cantante Rosa León) y el de El baile de la victoria de su padre Fernando (2009), y la realización de algunos cortos, dirigió su primer largo, Todas las canciones hablan de mi, en 2010. Le siguieron Los ilusos, en 2013, Los exiliados románticos en 2015 y, ahora, La reconquista. Recuerdo haber visto la primera en TV. No me llamó la atención. El año pasado vi, en el cine, Los exiliados románticos. No consiguió engancharme. Me pareció una película rodada por un grupo de amigos, con pocos medios, muy verbal, y algunas ideas interesantes. Como podréis apreciar es un trailer poco convencional, tan poco convencional como la película.
Olmo y Manuela cuando tenían quince años experimentaron su primer amor. Adolescentes y enamorados, prometieron volver a encontrarse en el futuro, quince años después. Ahora tienen la oportunidad de revivir esos momentos. Bajo el cielo de una noche de invierno en Madrid, recuerdan ese sentimiento y la pasión parece que puede volver. Se trata de una película sobre el tiempo, sobre la conciencia del tiempo, sobre lo que recordamos de nosotros mismos y lo que no; sobre las palabras, los gestos y los sentimientos. Dividida en tres partes, nos cuenta, en primer lugar, el reencuentro en una noche de invierno. Después un breve intermedio de la relación de Olmo y su pareja, Clara, para, por último, acercarnos a la pareja adolescente. Una película que nos recuerda a Eric Rohmer y a Richard Linklater; donde la palabra es el hilo conductor. Y en la que tras una sensación de desinterés por lo que me estaban contando, de repente, me sentí inmerso en una historia que parecía verdadera, que me enganchaba. Y lo cierto es que pese a que la primera parte, con algunas canciones del cantautor Rafael Berrio completas que no dan ningún ritmo a la película, parecía que me dejaba frío, mi sensación fue cambiando. Y esa sensación siguió mejorando después; el presente de él con su pareja y, sobre todo, ese amor de adolescencia me parecieron llenos de sentimiento. Es una película muy cuidada y meditada. En este sentido es interesante un artículo Desnudando "La reconquista" publicado en Jet Down, del que os dejo un enlace, que pone en evidencia el proceso de elaboración de una película poco convencional en su narración. Destacar la interpretación de Aura Garrido (El ministerio del tiempo) como Clara. Y la para mí desconocida Itsaso Arana. Me gustó
En el comienzo del nuevo curso Cristina me ha comentado que ,como otros años, la gustaría saber que libros hemos leído este verano, relaciono los mismos y tengo que admitir que hay unos cuantos de la primavera que me interesa señalar. Algunos como "La ley del menor" y "Novela del ajedrez"los he reseñado con más amplitud, otros como "El palacio azul de los ingenieros belgas" sé que los leísteis en clase antes de que yo asistiera, y de los que voy a citar hay algunos que me gustaría reseñar más ampliamente.
En primer lugar tres libros de no ficción.
DE VIDAS AJENAS.
Emmanuel Carrére ha creado un estilo propio en el que se aleja de la novela y construye libros con personajes reales, a veces como en este caso que son de su entorno familiar curiosamente él quiere escribir un libro sobre esas personas pero el resultado es más bien la preparación de dicho libro. Libro duro sobre la muerte, la enfermedad, el amor y la justicia. Desgarrador y conmovedor.
"No digo que la enfermedad me haya hecho más inteligente y profunda, pero gracias a ella estoy con Patrice, gracias a ella existen las niñas, y esto es lo contrario de una decepción, lo contrario de la amargura, no pasa un día sin que me diga: tengo el amor.
VIAJE A LA ALDEA DE LA MUERTE.
Ramón J. Sender viajó a Medina Sidonia ,en Enero de 1933, a recabar de primera mano los sucesos acaecidos en la pedanía de Casas Viejas, que culminaron con la muerte de un guardia civil y de un guardia de asalto y de la familia Seisdedos y seis obreros más, todos ellos anarcosindicalistas decepcionados con la República azañista.
Ramón J.Sender simpatizante anarquista y posteriormente comunista, escribió una serie de crónicas para el diario , considerado de izquierdas,"La Libertad" donde se mostró implacable con las autoridades republicanas a las que culpó de ordenar la brutal represión, estos hechos marcaron el comienzo del declive republicano y la llegada del alzamiento. Sin ser su intención estas crónicas de Sender contribuyeron a ello, hay que recordar que el dueño del periódico en ese momento era el banquero Juan March ,que también controlaba la prensa conservadora "Informaciones" y que luego financió la cruzada. Lo mejor del libro es el retrato de esa Andalucía caciquil e interesadamente atrasada.
"El caso de Casas Viejas es, por eso, un hecho capital en la historia española reciente. En la propia insurreción, en el sofoco de la misma y en las reacciones políticas que provocó se expusieron sangrientamente todas las patologías sociales e históricas que la joven república trataba de corregir.El hambre y la miseria en gran parte del país, sobre todo en Andalucía; el abuso y el capricho de una autoridad alejada de esa realidad miserable; la polarización extrema de los posicionamientos políticos; la insolidaridad criminal de los terratenientes. Casas Viejas era, en enero de 1933, una miniatura de España, un ALEPH donde las dinámicas perversas que conducían a nuestro país al desastre se evidenciaban con una claridad trágica.
COMO LA SOMBRA QUE SE VA.
Últimamente muchos autores se pasan a la autoficción abandonando la novela, siguiendo un poco los pasos de Carrére, Echenoz o Javier Cercas, Antonio Muñoz Molina lo intenta en este libro.
A través de su interés por el personaje de James Earl Jones que fue el inculpado por el asesinato de Martin Luther King y que en su huida pasó unos pocos días en Lisboa ,trata de recrear su estancia en la ciudad y paralelamente lo relaciona con la importancia que esta ciudad ha tenido en su vida anímica y literaria, recordemos que su primer éxito literario fue "Un invierno en Lisboa", la propuesta parece interesante pero me ha resultado fallida y farragosa, Molina intenta hablar de muchas cosas y acaba perdiéndose, meter en un mismo texto el intento de acercamiento a un asesino con su fracaso matrimonial (alguien se puede creer que hubo una época en que fue un chico malo), su relación con la escritura y la creación literaria con el acercamiento final a la figura de Luther King, en fin 526 páginas y dá la impresión que no sabe como acabar el libro.No todo es criticable ,hay cosas interesantes pero otras son tediosas, no se puede describir las mismas escenas lisboetas cada 30 páginas, si resulta más interesante el acercamiento al personaje de Earl Jones y la desmitificación de Luther King. A pesar de todo siento cierta empatía por algunas de sus opiniones ,será similitud generacional.
"Me escondía de cada vida en la otra. Entre mis actos verdaderos y mis deseos o mis sueños rara vez había una conexión. Había aceptado tener un hijo como había aceptado casarme, o buscado y aceptado un trabajo administrativo, sin pensarlo demasiado, sin una conciencia de las consecuencias inapelables de las cosas. Quizás por eso los únicos mundos en los que me encontraba de verdad a mis anchas eran los de la literatura y el cine, donde cualquier cosa puede suceder y al mismo tiempo no haber sucedido, donde las normas tediosas de la vida real no rigen, los disparos no matan a nadie, las desgracias desatan las lágrimas pero no provocan verdadero dolor, las historias empiezan tan limpiamente como terminan, sin dejar residuos, como cigarrillos que no provocan cáncer ni mal aliento ni dejaran ceniza, sólo volutas de humo flotando en el aire entre los personajes, hilos de humo saliendo de la boca entrabierta de una mujer inexistente y deseable, a ser posible en blanco y negro.
Aunque yo no voy a poder ir, os presento información sobre la obra que ha propuesto Maite para asistir el próximo 24 de noviembre en el Teatro Bellas Artes. Sinopsis El padre es calificado por el propio autor Florian Zeller de farsa trágica. Y ahí radica su grandeza y su dificultad. Trata un tema tan espinoso como la perdida de la realidad debida a la vejez. Nos coloca en la perspectiva de una mente confusa o, quizá, confundida por los intereses de los que le rodean, nunca lo sabremos. Sin ridiculizar jamás el carácter principal, Andrés nos hace reír. Las situaciones ambiguas, muchas veces contradictorias, las réplicas mordaces, los personajes duplicados, cambiantes, y por encima de todo la duda de si lo que realmente sucede es lo que dice la familia o es lo que siente el padre, producen una de las obras más divertidas, apasionantes y profundas del teatro contemporáneo. Muchas veces se acerca al drama, otras muchas a la comedia y la mayoría de las veces a un inquietante “thriller” al estilo Hitchcock. Nunca decae y cuando creemos estar en una certeza, un revés inesperado, una imagen nueva nos desconcierta y nos vuelve a atrapar. Gran y divertido teatro. Naturalmente es una obra escrita para un actor. Contar con Héctor Alterio para el papel principal convierte este proyecto en un sueño para cualquier equipo ya que el rigor, la inteligencia, el dramatismo y el sentido del humor están garantizados. Duración: 1 hora y 40 minutos.
Florian Zeller es un autor de moda en Francia y también en España. Hace unos años pudimos ver a Flotats en una obra suya, La verdad y actualmente se está representando La mentira, con Carlos Hipólito y Natalia Millán en el Maravillas. Y aquí un enlace con una entrevista a Hector Alterio
Hace unos años leímos en clase La neblina del ayer, una novela de Leonardo Padura en la que el protagonista era Mario Conde, un ex-policía desordenado, frecuentemente borracho, descontento y desencantado, que hubiera querido ser escritor y que siente solidaridad por los escritores, locos y borrachos. Veíamos entonces que este personaje se encontraba en otras novelas del autor y el año pasado se conocía que se iba a realizar una película y una miniserie de televisión. Lo cierto es que, aunque me gustó la forma de narrar de Padura, la lectura no consiguió interesarme en otras novelas de la serie Mario Conde. Vientos de La Habana es el título que se ha dado aquí a la película basada en Vientos de cuaresma, la segunda novela de la serie y ha contado con Padura entre los guionistas. El director es el español Félix Viscarret del que recuerdo Bajo las estrellas (2007), creo que su único largometraje, con Emma Suarez y Alberto San Juan.
El teniente Mario Conde de la policía de la Habana, conoce a Karina, una enigmática mujer por la cual se siente profundamente atraído, al mismo tiempo que le asignan la investigación de la violación y asesinato de una profesora del instituto preuniversitario donde estudió el propio Conde. La investigación permitirá adentrarse en el mundo de la droga e intuir la corrupción dentro de la policía, pero Conde no podrá ir más allá, como tampoco en su relación con Karina.
Mario Conde está interpretado por Jorge Perugorría, probablemente el actor cubano más conocido, por lo menos en España. Y tengo que decir que no da la imagen que yo me había formado del personaje. La película es una más de acción e intriga. Como está situada en La Habana da lugar a diferentes recorridos por sus bajos fondos, su arquitectura de edificios casi en ruinas, coches antiguos y ambiente que reconocemos de documentales y reportajes. También aparece el círculo de amigos de Conde. Y una historia de amor imposible que, a pesar del esfuerzo de los protagonistas, me pareció un pegote innecesario. Y el tema de la corrupción dentro de la policía que no queda más que planteado. Quizá con la idea de desarrollarlo en sucesivas entregas. Como he leído por ahí, falta el aliento de la buena literatura de Padura lo que da como resultado una película poco atractiva.
Hace un par de años, a finales de agosto, comentaba Angel una agradable película musical, Begin again. Su director era John Carney. Nos llega ahora su siguiente película, tambien musical, Sing Street, situada en Dublin a mediados de la década de los 80 del siglo pasado. Una historia que, al parecer, tiene algo de autobiográfica, ya que John Carney creció en la capital irlandesa y vivió la experiencia de pasar de una escuela privada y refinada a otra religiosa y popular, un mundo mucho más crudo, donde padeció una transformación similar a la del protagonista.
SING STREET nos cuenta la historia de Conor, un adolescente en el Dublín de 1980, miembro de una familia en la que la relación entre los padres no es satisfactoria, lo que crea una situación incomoda a los tres hijos. La recesión económica hace que abandone la comodidad de la escuela privada en la que estudia y tenga que sobrevivir en la escuela pública del centro de la ciudad, donde el clima es mucho más tenso. Conor encontrará un rayo de esperanza en una extraña joven, Raphina, y con el objetivo de conquistarla, le invita a ser la estrella en los videoclips de la banda que quiere formar. Ella accede, y Conor se sumerge en la música rock de los años 80, forma su banda y se lanza a componer canciones y a grabar videoclips como una forma de lucha contra el ambiente que le rodea. John Carney se nos vuelve a mostrar, como ya hiciera en Begin again como hábil para contar de forma agradable historias donde los sentimientos de los personajes son lo que importa, en busca de un final feliz pero abierto, y que es el que esperamos. La película es ágil y correcta, la música responde a la época, lo que quiere decir que a mi no gusta especialmente, los intérpretes son adecuados a sus personajes, un tanto tópicos eso sí, y todo, en general, funciona para hacer pasar un rato agradable, con una serie de apuntes críticos sobre la situación social y religiosa en Irlanda en aquellos años, comparable con la española en los setenta en bastantes aspectos.
Gary Ross dirige esta película basándose en la vida de Newton Knigth que consiguió establecer una comunidad interracial en el condado de Jones en pleno Sur, en el estado de Mississippi, Ross deja a un lado las distopías( Los juegos del hambre ) para relatarnos la utopía de este hombre que creía firmemente en la abolición de la esclavitud.
1862 Newton Knigth está reclutado como camillero en el ejército confederado ,asiste impotente a la prioridad de atención médica de los oficiales sobre los soldados, a la muerte de su sobrino, casi un niño, a la injusta ley de Jefferson Davis "ley de los 20 negros" que libraba de servir en el ejército a un miembro de una familia por cada 20 esclavos que tuvieran, todo ello hace que Newton deserte de esta "pelea de pobres y guerra de ricos".
Newton comienza su guerra particular en defensa de los granjeros que son esquilmados sistemáticamente por el ejército sudista, recluido en los pantanos va formando una compañia con esclavos huidos y más soldados desertores, convirténdose en una mezcla de Robin Hood con alma de predicador y antiesclavista cuyo referente podría ser John Brownn ,líder que fue ahorcado antes de la contienda. La partida crece y Newton reclama el apoyo de armamento necesario al ejército del Norte pero el general Sherman no reconoce su lucha y se lo deniega ,lo que lleva a Newton a fundar el condado de Jones "No tenemos país en ninguno de los dos bandos".Con el término de la guerra Newton y su comunidad interracial se erige en defensor de los derechos civiles y en contra de las nuevas leyes que van devolviendo otra vez los privilegos a los mismos hacendados que perdieron la guerra.
La película resulta interesante por la singularidad de este hecho histórico a pesar de las muchas lagunas del guión, no queda claro cuando y porqué se rompe la relación con su esposa, se alarga mucho en las mismas disquisiciones de ricos o pobres y el período después de la guerra lo trata con muchas prisas, en una película que peca un poco de tediosa,podría haber sido una buena serie.
Lo mejor la brutal batalla inicial, las escenas del entierro de los granjeros, la secuencia de la votación donde tanto votantes como la mesa electoral portan rifles...y la interpretación de Matthew McConaughey que definitivamente se ha convertido en un buen actor. Lo que menos se entiende son las interrupciones de la acción de la película, insertando escenas de un juicio de un bisnieto de Mattew, al que se le niega el matrimonio con una mujer blanca por tener él un octavo de sangre blanca, es un subrayado para señalar lo obvio, que una guerra y la abolición no pudieron con las leyes de segregación.
Se ha iniciado un nuevo curso con un nuevo profesor, Miguel Ángel Bailón. Parece que no es el mismo en los grupos de Volturno lo que personalmente considero que no es bueno. Creo que la homogeneidad de contenidos entre todos los grupos era positiva para todos. La propuesta para el primer trimestre es: PLATERO Y YO de Juan Ramón Jiménez VIDAS SOMBRIAS de Pío Baroja y CAMPOS DE CASTILLA de Antonio Machado Prosa poética, novela y poesía, todo ello con el nexo de Generación del 98 y generación del 27. La visión de la España rural. Creo que tanto el primero como el último son sobradamente conocidos (no sé si leídos). Vidas sombrías parece ser una colección de relatos y cuentos que fueron escritos durante su etapa como estudiante de medicina y desde sus primeros destinos como médico, profesión que más tarde abandonaría por las letras, constituyendo su primer libro publicado. Tan solo desear que el curso nos sea provechoso y pedir a los grupos de Volturno que nos tengan informados de sus actividades. Y ofrecer una vez más este blog para todos los que queráis colaborar para que nos sirva de punto de contacto
