viernes, 30 de mayo de 2014

ARRAIANOS---XOSÉ LUIS MÉNDEZ FERRÍN-










Arraianos
Xosé Luis Méndez Ferrín
Editorial Hoja de Lata.
199 Pag.


Detrás de esta portada tan potente hay un libro con diez relatos del escritor gallego Xosé Luis Méndez
Ferrín escrito en 1991 pero traducido ahora al castellano por Luisa Castro.
Méndez Ferrín fué presidente de la Real Academia Galega de 2010 a 2013, año en el que dimitió,propuesto al Nobel de Literatura en 1999 por la Asociación de Escritores en Lengua Galega, ha conseguido numerosos premios y especificamente por "Arraianos" el de la Crítica Galicia y Española, autor muy vinculado al nacionalismo gallego fué procesado y encarcelado varias veces durante la dictadura, estílisticamente se le considera integrante del llamado realismo mágico del noroeste junto a Álvaro Cunqueiro, José María Merino, y Luis Mateo Díaz.
El nexo de los diez relatos que conforman "Arraianos" es que se desarrollan en el territorio de La Raya ,línea geográfica que determina la difusa frontera de Galicia con Portugal << por ende non lleu pasar Xesús Cristo>>, en estos relatos encontramos la Galicia mítica, ancestral y arcaica, la Galicia de las meigas,del mal de ojo, de los poseídos y aparecidos en fin la Galicia mágica y telúrica. Como dice el autor en la introducción:
                    "Está poblado este libro de gentes transgresoras que se mueven entre montañas y por navas y
  eriales  en los que el poder político pusiera un dia una Raya imaginaria que nunca logró separar totalmente al pueblo que llamamos portugués de su Norte  gallego y viceversa. Los hombres y mujeres de La Raya fueron llamados Arraianos y lo siguen siendo a su paso por los cuentos aquí reunidos.    
                 
                   
La Raya es el escenario común para un recorrido que abarca desde el siglo XI hasta la actualidad pasando por las guerras carlistas y la guerra civil ,entrecruzando en algunos cuentos pasado y presente, cada cuento tiene una estructura  diferente lo que le dá riqueza y versatilidad.
                  " Lobosandaus" el primero de los relatos es de estructura epistolar, a través de catorce cartas, que un maestro destinado en el citado villar de cien vecinos escribe a su tío clérigo. En ellas describe, desde su alojamiento en "casa Aparecida",los extraños acontecimientos que acontecen desde su llegada, suicidios, transmigraciones de muertos a vivos los llamados cuerpos abiertos....Las cartas van derivando de la información al estupor y de la preocupación al pánico, la última carta termina con:

                     Venga por mí señor tío; por el amor de Dios,venga a buscarme y lléveme consigo a Ourense.
El segundo cuento "Medias azules" tiene estructura circular, las mismas frases se repiten al principio y al final
para remarcar ese dar vueltas en la niebla para ir a parar siempre al mismo punto , castigo de los dos protagonistas por haberse burlado de dos hermanas "meigas"
                     El tercero "Lino"  tiene mucho de etnográfico, dos seres especiales Misía "la cojita" y N un retrasado  "que tenía la cabeza llena de estallidos " y  del que todos se burlan  establecen una extraña comunicación coincidiendo con los trabajos de recolección y preparado del lino.

                      Misía -me dice N. Te traigo una jarra de vino con miel.
 Una vaca mirandesa de  Zé Bastos; la ordeñan y dá en lugar de leche, vino con miel.
                       La ordeñan sólo para los trabajos del lino Misía.
Se desarrollan en un contexto del pasado histórico los cuentos "El exclaustrado  de Diabelle" (4) que narra un episodio real de las guerras carlistas y "Adosinda horrorizada" (8) que relata las reacciones que provoca en una profesora la lectura de un manuscrito apocalíptico narrado por Adosinda hija de Alfonso I y nieta de Don Pelayo, este cuento es el más críptico de todos:
                 
   La Bestia barrió con su rabo los páramos del mundo y las gándaras y los baldíos,y levantó una polvareda de fuego. Levantó las estrellas que habían caído en el suelo  y las devolvió al sitio que le pertenecía cada una en la bóveda celestial.
                       La Bestia tenía siete cabezas.
"Botas de elástico" (5), "Ellos" (7), y "El militante fantasea" (9) son relatos con la guerra civil como fondo , en el primero de ellos se trata el tema de los "topos", hombres que permanecían ocultos una vez perdida la guerra, también jugando con pasado y presente se narra la presión que sufre una niña para que rebele el lugar donde se esconde su padre, es muy curiosa la estructura de los diálogos donde se omiten las preguntas reflejando solo las respuestas así  como la relación entre la niña y el sargento:
                   
   "A lo largo de las entrevistas, siempre en lugares no frecuentados,se estableció un vínculo.
      Una complicidad viscosa, como las frezas de una letrina. La niña había llegado a querer al sargento de la sonrisa mansa y de los ojos azules.
                         .
En "Ellos" ,uno de los cuentos más crueles, una cuadrilla de falangistas en una de sus redadas haciendo limpieza, acaban sufriendo el "mal de ojo" de una mujer a la que queman la casa:

  ".... ví como Fernando se metía los dedos entre el pelo,deshaciendo la costra de gomina que lo mantenía rígido. Todos hicimos gestos semejantes,desabrochamos las guerreras,las camisas azules ,
para rascarnos.Sentíamos un picor difuso en la cabeza, en la espalda, en el pecho.
 Nos daba el sol en la cara. Entonces fue cuando los piojos,se apoderaron de nosotros para siempre.
                         
 En "El militante fantasea" un maquis" recuerda los primeros momentos de la sublevación y recuerda a todos sus compañeros muertos.
"Un castillo en los páramos" recuerda a los cuentos fantásticos del siglo XIX, en él una historia narrada en un manuscrito se repite años después:

    "...... mientras silbaba alegremente la Marcha Turca de Mozart, fue agredido por un animal enorme.
             un perro negro como el Diablo que lo mordió en la garganta y lo dejó muerto instantaneamente..."  
El libro acaba con uno de los mejores relatos "Quinta Velha do Arranhao", cuento gótico de atmósfera mórbida y fantasmal que recuerda mucho a Henry James.

       "Cuando avancé por el paseo principal, hundiendo las botas hasta las rodillas en la nieve fofa y con la llave en la mano, supe que una vez que traspasase el umbral de aquella puerta,todos los            muertos que allí estaban desde hacía cien años ejercitando infatigables su deseo en forma  poliédrica y repetida, querrían apoderarse de mi sueño y de mi vigilia.
                         

jueves, 29 de mayo de 2014

Sobre "Leonora"

Para aquellos que no hayais empezado a leer este libro: No hay que confundir a Leonora Carrington, personaje del que trata el libro con Dora Carrington.
Leonora nació en 1917, y murió en México en 2011. Fue una pintora surrealista y escritora que se instaló en México tras huir a Nueva York durante la 2ª guerra mundial. Allí conoció a Elena Poniatowska.







Dora Carrington nació en 1893 y murió en 1932. Fue una pintora y decoradora inglesa, recordada en parte por su asociación con miembros del círculo de Bloomsbury, especialmente con el escritor Lytton Strachey, de quien leímos hace un par de años la biografía de la Reina Victoria de Inglaterra. En 1995, Christopher Hampton dirigió una película sobre ella con Emma Thompson y Jonathan Pryce.






Como se puede apreciar, sus estilos eran muy diferentes

Cine: 10.000 km.



10.000 Km es una película española dirigida por Carlos Marques-Marcet e interpretada por Natalia Tena y David Verdaguer, que ha obtenido cinco premios en el reciente festival de cine español de Málaga.



Cuenta la historia de una pareja que, como consecuencia de una beca se ve obligada a separarse durante un año. Ella estará en Los Angeles y él en Barcelona. Tratan de superar esa separación mediante la tecnología, el ordenador, el skype, pero detrás están unas claras diferencias de caracteres e intereses difíciles de superar cuando se está separado.

Se trata de la primera película de ficción de su director que es también autor del guión y plantea varios temas referidos a la relación de pareja. Está claro que la separación es importante, pero también están sus intereses. El quiere tener un hijo y ella antepone su trabajo a ese deseo. La historia se centra exclusivamente en la relación entre ellos dos. No existe un mundo exterior para él mientras ella desarrolla su actividad, se relaciona, se mueve aunque no tengamos noticia de ello mas que por sus fotografías (es fotógrafa).La tecnología se convierte en el tercer personaje de la  historia.

La película comienza con un plano secuencia de más de veinte minutos que es un puro alarde. Vemos a la pareja en su cotidianidad para llegar a la noticia de su separación. Pero después se limita a las conversaciones via ordenador, punteadas por carteles indicativos del tiempo transcurrido, donde queda claro el deterioro de la relación, que el encuentro físico final en Los Angeles, 200 dias después, no hará otra cosa que ratificar. ¿O no? Personalmente creo que la pareja, tal como nos es presentada, rompería con separación o sin ella.



Destaca la interpretación de Natalia Tena, actriz nacida en Inglaterra, popular por la serie Juego de tronos y una película de Harry Potter. Trasmite realidad a su personaje. David Verdaguer tiene un personaje mucho menos atractivo y parece también bastante más limitado. Como suele pasar en muchas películas españolas, resulta difícil seguir sus conversaciones en algunos momentos.

En resumen, una película digna, hecha con pocos medios, lo que sin duda lastra su resultado, con una historia que va perdiendo interés a medida que avanza.


martes, 27 de mayo de 2014

Premios Max de teatro

Ayer se entregaron los premios Max de teatro en una ceremonia que me pareció bastante poco afortunada. Pero no es de la ceremonia de lo quiero escribir sino del hecho de que la gran triunfadora de la noche fue Un trozo invisible de este mundo, que comenté hace unas pocas semanas y del hecho de que, al contrario que en la mayoría de las ocasiones, es posible disfrutar de esta obra en el Matadero hasta el dia 8 de junio.

Al contrario que en el cine, los premios de teatro pocas veces sirven para mejorar el rendimiento de una obra, ya que suelen concederse cuando ya ha sido retirada de cartel. Por eso aconsejo que aprovechéis la oportunidad que ofrece su reposición. 

lunes, 26 de mayo de 2014

Teatro: Aventura, de Alfredo Sanzol


Alfredo Sanzol es un autor y director navarro que ha obtenido varios éxitos en los últimos años con obras suyas, que habitualmente también dirige. Yo recuerdo haber visto hace unos años Un enemigo del pueblo, donde era ayudante de dirección de Gerardo Vera y, la temporada pasada, dirigida por él, Esperando a Godot. 
Como autor, parece que está especializado en obras de varios episodios como Delicadas, Días estupendos, Sí, pero no lo soy y En la luna. Su forma de narrar me recuerda las películas de Cesc Gay (En la ciudad, Ficción, Una pistola en cada mano), nombre que me venía a la cabeza al salir del teatro.  Ha ganado varios premios Max.

Aventura no es una obra de episodios, ya que desarrolla una sola acción, pero está tratada como si lo fuera ya que consiste en una sucesión de escenas cortas que van desarrollando su historia. Yo entiendo la obra como una aproximación a una generación llena de dudas e incertidumbres en todos los aspectos de la vida, inmersa en una situación de crisis, no solo económica sino moral, ética y vital.

El argumento lo conocéis, supongo, ya que varios fuisteis a verla hace unos días. Un grupo de socios propietarios de una compañía recibe una propuesta de compra por un empresario chino. La cosa evoluciona de manera que, finalmente, lo que podría estar en venta es una de las socias. Las reacciones a esta propuesta son la base de la obra, sirviendo para que conozcamos a los seis socios, sus aspiraciones, sus incertidumbres, sus proyectos, sus crisis y su bajeza moral. Un pero, la propuesta de Sandra que da lugar al equívoco con sus socios, es presentada de una forma tramposa y equívoca también para el espectador.

La obra cuenta con un montaje sencillo pero muy eficaz en la distribución de espacios y ambientes. La interpretación, en general, muy buena, con un excelente ritmo, destacando, en mi opinión, Marta Pérez y sobre todo, Ágata Roca, en el papel de Sandra. La música inspirada y adecuada, pero en exceso repetitiva.

Creo que se trata de un espectáculo muy recomendable, aunque difícil ya de ver en Madrid, pues terminaban ayer las representaciones en el Canal. ¿Que os ha parecido a los que la habéis visto?

miércoles, 21 de mayo de 2014

Nuevo libro: Leonora, de Elena Poniatowska



Ya tenemos libro para cuando finalicemos Crónica de una muerte anunciada. Se trata de Leonora, de Elena Poniatowska, la mexicana nacida en París, última ganadora del Premio Cervantes. Esta novela ganó el Premio Biblioteca breve 2011.

martes, 20 de mayo de 2014

El hombre duplicado, de José Saramago


Hace unas semanas comentaba la película Enemy, basada en la novela de Saramago El hombre duplicado. Al final de mi comentario expresaba mi esperanza de que la novela aportara coherencia al relato de la película.
Así ha sido. La historia que narra Saramago es la misma que Enemy: un profesor universitario descubre en un video que existe un actor que es exacto a él y, obsesionado, no para hasta conocerle. A partir de allí, los hechos que se narran en la película y en la novela son los mismos, pero es en la novela, intimista y bien narrada, donde los caracteres y las motivaciones de los personajes quedan claros, aunque puedan ser difíciles de entender.
La historia, en mi opinión, viene a enlazar con El difunto Matias Pascal en cuanto a que se trata de la identidad personal y, sobre todo, en su conclusión cuando se trata de asumir una personalidad diferente. 

Una vez más se pone de manifiesto lo difícil que es adaptar cierta literatura al cine. Lo que en literatura expresa mediante sentimientos tiene que expresarse mediante acciones al pasar a la pantalla. Y cuando el libro tiene calidad, como en este caso, es muy difícil conseguirlo.Aunque es de justicia señalar la opinión favorable expresada por Pilar del Rio, la esposa y habitual traductora de Saramago, respecto a la película.

lunes, 19 de mayo de 2014

Teatro: La violación de Lucrecia


Nuria Espert, es a sus casi 80 años, la gran dama del teatro español, comparable a los grandes nombres de la escena inglesa o francesa, reconocida tanto en España como fuera como actriz y directora.
Hace unos años se presentó en la sala pequeña del Español con La violación de Lucrecia con gran éxito y llenos diarios. Ahora ha vuelto con esta obra a La Abadía.

Se trata de un poema de Shakespeare, dramatizado, donde se narra la leyenda de Lucrecia que, según la narración de Tito Livio, aceptada sin graves reparos por los historiadores posteriores, tenía fama de mujer hacendosa, honesta y hermosa. Sexto Tarquinio, hijo del Rey Lucio Tarquinio el Soberbio impresionado por su belleza, para satisfacer los lujuriosos deseos que sentía por ella, pidió hospitalidad a Lucrecia cuando su esposo se hallaba ausente. Aprovechando la oscuridad de la noche, se introdujo en la habitación de Lucrecia y la violó, sin que ella se resistiese ni gritara, creyéndole su marido (?). 

Al día siguiente Lucrecia llamó a su padre y a su esposo, y les refirió el ultraje recibido. Les pidió venganza contra Sexto Tarquino y se hundió un puñal en el pecho después de pronunciar la frase: «¡Ninguna mujer quedará autorizada con el ejemplo de Lucrecia para sobrevivir a su deshonor!»

En la versión de Shakespeare, Lucrecia es plenamente consciente de su violación, a la que se resiste.
La violación de Lucrecia vista por Tiziano

Suicidio de Lucrecia, Andrea Casali
La violación y el suicidio de Lucrecia han sido objeto de numerosas representaciones en las artes plásticas, incluyendo entre ellas obras de Tiziano, Rembrandt, Durero, Rafael o Botticelli. El compositor británico Benjamin Britten estrenó en 1946 la ópera La violación de Lucrecia.

La Espert hace un extraordinario esfuerzo, asumiendo todos los papeles (Tarquino, Lucrecia, el esposo, la criada, el mensajero), en una narración llena de sentimiento, pasión y violencia, amparada por una puesta en escena sencilla y eficaz de Miguel del Arco. Es toda una exhibición de capacidad interpretativa.
http://www.teatroabadia.com/tuabadia/ver_video.php?id_video=234&id_obra=413
Lo que pasa es que queda como demasiado diva. Cuando se llega al nivel y al historial de esta actriz, todo se convierte en Nuria Espert haciendo de... Me ocurrió hace unos años con La Loba, de Lillian Hellman en el María Guerrero y me ha vuelto a ocurrir ahora.

Creo que la última vez que disfruté realmente viendo a Nuria Espert fue en Quien teme a Virginia Woolf?, junto a Adolfo Marsillach, en la que sería su despedida del escenario allá por el año 2000.

Teatro: Las dos bandoleras, de Lope de Vega

La compañia nacional de teatro clásico está representando en el Teatro Pavón, Las dos bandoleras, de Lope de Vega, en versión de Carme Portaceli y Marc Rosich.
Se trata de una obra poco habitual de su autor, en que nos presenta a dos hermanas que, burladas por sus galanes, dos soldados de paso, que una vez conseguidos sus propósitos pretenden desaparecer sin atender a su compromiso, deciden echarse a la sierra y convertirse en bandoleras, con el único fin de vengarse de los hombres. Al parecer Lope trato este tema en otra de sus obras, La serrana de la Vera, obra de la que se incluyen fragmentos y personajes en el montaje que se presenta en el CNTC.
La obra está bien, típico enredo con mujeres burladas, fuertes, que deciden vengarse de sus burladores. Lo que no me gustó fue la puesta en escena, ni la interpretación.
Las dos protagonistas son Carmen Ruiz y Macarena Gómez, ambas habituales de series de televisión. Mientras Carmen Ruiz sostiene bien el personaje, su compañera se muestra muy limitada. Grita mucho y su dicción es mala. Tampoco el resto del reparto me gustó. Helio Pedregal, al que he visto mejor en otras ocasiones, interpreta al padre de las dos muchachas y no termina, en mi opinión, de dar el tono adecuado. Del resto, quizá David Fernandez como Orgaz, el gracioso de la obra, sea el más salvable.

En cuanto a la puesta en escena, parece que se ha querido dar un toque antibelicista a la obra, que se sitúa en los tiempos de la conquista de Córdoba y Sevilla, en el siglo XIII, por Fernando el Santo.Pero el vestuario y los efectos  nos sitúan en una época actual, con sonido de helicópteros y uniformes de camuflaje, gorras de requeté, tops ceñidos y anacronismos similares. Todo ello bastante fuera de lugar, en mi opinión.Por otra parte la representación me pareció innecesariamente alargada (2 horas y cuarto)
  

sábado, 17 de mayo de 2014

DE LO HUMANO ... Y LO DIVINO

Ayer he visto la obra musical que se representa en el Teatro de la Zarzuela, cuyo titulo es, "De lo humano... y lo divino". Es un espectáculo montado en homenaje a JUAN HIDALGO (1614-1685), compositor madrileño, en el 4º centenario de su nacimiento, perteneciente al periodo barroco, siendo uno de los más conocidos de la segunda mitad del S-XVII.
Es un espectáculo en el que se combinan los tonos a lo Sagrado y a lo Humano. El Amor se presenta como exaltación al mismo tiempo del amor humano y de la Naturaleza del Hombre o de la Mujer, así en mayúscula, y de otra parte del amor divino a Dios y de la religión. Estos dos planos unas veces se separan y otras muchas se unen y confunden de forma voluntaria con la música de Hidalgo, así como de otros compositores de la época. La dirección musical es de Carlos Mena y la dirección escénica de Joan Antón Rechi.
Su duración es de 1 hora y 30 minutos continuadamente sin descanso.
Me ha parecido una obra sorprendente, con una escenografía y colorido de luces y decorados que me han parecido muy logrados. La música la interpretan, un violonchelo, un violín, dos laúdes, uno de tipo medieval de palo largo, y un clavicordio, acompañados de una percusión simple pero muy oportuna y rítmica.
La letra de las canciones, con un lenguaje poético y musical produce emociones y a veces te pone los pelos como escarpias, como vulgarmente se dice.
La obra solo estará en cartel hoy sábado a las 20,00 h. y mañana domingo a las 18,00 h.
La precariedad del tiempo en el que can a estar en cartel es un problema, pero si alguien está interesado en la obra espero que esta información le aporte algo de ayuda para decidir acudir a la representación.


Emilio González Cuenca  -

lunes, 12 de mayo de 2014

Teatro: Un trozo invisible de este mundo


He visto en el Matadero,  Un trozo invisible de este mundo. Estrenada la temporada pasada, tiene seis nominaciones para los Premios Max de teatro que se entregan el próximo día 26.

Se trata de cinco monólogos, escritos por el actor Juan Diego Botto, sobre el tema de la inmigración y el exilio. Cuatro de ellos los interpreta el autor y el tercero, por orden de representación, una actriz de color, Astrid Jones. A través de estos monólogos Botto nos acerca a diferentes enfoques del tema de la inmigración.



El primero corresponde a un agente de ¿aduanas? que expresa las teorías sostenidas por los que rechazan a los inmigrantes en todas partes, no solo en España, en ese tono paternalista tan utilizado por la derecha como propio. En el segundo Botto se transforma en un emigrante argentino que habla con su esposa por teléfono desde un locutorio. Inocente, mentiroso, entrañable. El tercero nos presenta a una mujer africana que se dirige a su hijo y le cuenta como la han engañado, como la han internado en un centro de acogida, su relación con algunas otras mujeres. Conmovedor.
La cuarta parte nos cuenta la historia de un desaparecido en la dictadura argentina. Un pobre delator que, en un arranque de dignidad, se niega a delatar a la mujer que le amó. Y el quinto es su sobrino. Tuvo que huir de Argentina cuando su tío desapareció. Desde entonces, estuvo en otros países, siempre a la busca de papeles. Ahora se va a celebrar el juicio contra uno de los responsables. El personaje podría identificarse, al menos en parte, con la experiencia del autor.
Todo ello está contado con ironía y con humor por un Juan Diego Botto, un actor que, hasta ahora, no me había convencido, que está enorme en sus caracterizaciones.  con una puesta en escena y unos juegos de iluminación, sencillos pero muy eficaces.
La puesta en escena es de Sergio Peris Mencheta, de quien hablaba hace poco a propósito de Continuidad de los parques. Y con unos textos que consiguen conmoverte y emocionarte

Totalmente recomendable

Cine: El pasado

Aunque ya la la comentado Angel, he decidido hacer mi propia entrada sobre esta película, ya que no estoy muy de acuerdo con su opinión.

Tengo un excelente recuerdo de Nader y Simin, una separación, la película iraní que gano el Oscar a película en habla no inglesa y el Oso de Oro en Berlín hace dos años. Aunque no la he vuelto a ver, tengo la imagen de una historia que, pese a desarrollarse en Irán, en un mundo muy distinto al occidental, nos traía problemas que se pueden presentar en cualquier parte del mundo. Una historia que enganchaba.
Ahora nos llega la siguiente película de su director, Asghar Farhadi y es  decepcionante. Todo lo que en la anterior era frescura y naturalidad, aquí se muestra como elaborado, nada natural.
La historia de Ahmad, Marie y sus hijas y Samir y su hijo,  me parece un melodrama digno de Almodóvar o de telenovela. no consigue que me lo crea en ningún momento. Recargado, rebuscado, retorcido. Y con unos personajes que no puedo creerme. Y el caso que el planteamiento no es malo, aunque sea difícil de entender las razones de Ahmad para volver a Francia para un trámite que podía resolver sin necesidad de viajar. Los primeros momentos con Marie y sus hijas, el encuentro con el hijo de Samir, prometen algo interesante. Pero toda la historia de la depresión, intento de suicidio y coma de la mujer de Samir, la relación entre Marie, su ex y su nueva pareja, el personaje de Lucie, la hija de Marie, la investigación casi policiaca de los correos entre Marie y Samir, los sucesivos falsos finales de la historia, no logran en ningún momento provocarme un mínimo de emoción.

Bérénice Bejo es Marie. (La vimos como protagonista de The artist). Ganó el premio de interpretación en Cannes por este papel. Bueno. De los dos protagonistas masculinos, me gusta más el que interpreta a Ahmad, probablemente el papel mas agradecido, aunque tampoco bien desarrollado, en mi opinión.

En resumen. No me ha gustado, aunque reconozco que es un producto bastante correcto.
  

viernes, 9 de mayo de 2014

Cine en los aviones

A lo largo de las muchas horas de avión que pasado en los últimos dias, he tenido ocasión de ver algunas películas que no había visto en su dia. Generalmente porque no me habían interesado lo suficiente. Pero las horas en un avión se hacen muy largas...

 


MANDELA es una interesante narración de la vida de Nelson Mandela. Aunque se hace larga, no cabe duda de que nos acerca a la  lucha que este hombre mantuvo a lo largo de su vida para acabar con el apartheid en Sudáfrica. Destaca la interpretación de su protagonista Idris Elba, que estuvo nominado al Oscar.             .






SEPTIMO es una película argentina,protagonizada por Ricardo Darín y Belén Rueda. Tiene un planteamiento interesante. Dos niños desaparecen mientras bajan desde el séptimo piso de un edificio, donde viven con su madre, mientras su padre, separado, que ha ido a recogerles para llevarles al colegio, lo hace en el ascensor. Esto, que incluso bien tratado, no da para mucho, se convierte en una historia con poco sentido, aderezada de historias paralelas bastante mal llevadas. Ricardo Darín es lo único aprovechable y no es de sus mejores interpretaciones, aunque está creible. La explicación de lo que pasa es bastante previsible y fiada en demasía a las casualidades. Mala, sin paliativos

MONUMENTS MEN es la historia, al parecer basada en personajes reales, de un grupo de expertos en arte a los que fue encomendada, durante la segunda guerra mundial, la tarea de tratar de salvar el patrimonio artístico europeo de las manos de Hitler. Tratada de forma tópica, bebiendo de fuentes mucho más ilustres, como Doce del patíbulo, la película es, a duras penas, entretenida. Destaca la presencia de la oscarizada Cate Blanchett en el único papel femenino de la película. Un papel mal desarrollado y lleno de tópicos. Decepcionante película de George Clooney, de quien sin embargo recuerdo peliculas mucho mas interesante, como Buenas noches y buena suerte y sobre todo y mas reciente, Los Idus de marzo.

Respecto a George Clooney, aproveché para volver a ver Syriana. Una película que en su momento no me gustó y que, sin embargo, ahora consiguió interesarme a pesar de que recordaba bastate bien el argumento.  Recordar que Clooney ganó un Oscar por esta película y que tambien compartía protagonismo con Matt Damon, como en la anterior.





Además recuperé la película por la que Jeff Bridges ganó, hace ya bastantes años (creo que es de 2004) el Oscar, Crazy heart que me parece que se llamó Corazón salvaje. Interpreta a un cantante de country y lo cierto es que él está muy bien en su papel. La película es un poco tópica , pero me entretuvo.

Bueno este ha sido mi repaso al cine visto en los aviones. Hasta otra entrada.

domingo, 4 de mayo de 2014

De vuelta

Ya he vuelto de mi viaje y veo con agrado que algunos habéis seguido haciendo entradas en el blog. !Estupendo!
Espero que nos veamos pronto, aunque no este martes, pues no tengo intención de ir al Pardo.  

sábado, 3 de mayo de 2014

CINE- EL PASADO


El pasado está dirigida por Asghar Farhadi, director iraníe ya conocido en España sobre todo por su anterior película "Nader y Simin, una separación" (2011), ganadora de un Oscar y un Globo de oro.


Al igual que en Nadir y Simin es el divorcio de los protagonistas el punto de arranque, que pasa luego a ser un elemento secundario y que solo es el desencadenante de otros acontecimientos que afectan a los distintos personajes que aparecen y que van ganando protagonismo.
Ahmad es un iraní que regresa a París para firmar los papeles del divorcio acordado con Marie trás cuatro años de separación. Ahmad se convierte sin buscarlo en el confidente, catalizador y mediador de los problemas que va descubriendo en su antigua familia.Marie mantiene una nueva relación y está embarazada, Lucil la hija adolescente de otra relación anterior prácticamente no se habla con su madre, Samir la nueva pareja también tiene un hijo y su mujer está en coma tras un intento de suicidio.
Con un buenísimo  guión el film va mostrando los sentimientos de los distintos personajes que van pasando de una incomunicación incial a ir desvelando sus secretos y sus miedos, el miedo de Marie a no poder consolidar su relación con Samir, el miedo de Lucie cansada de lo poco que le duran las relaciones a su madre y miedo del terrible remordimiento de algo que oculta, el miedo de Samir a una relación llena de vacíos que se siente incapaz de llenar, con el fantasma de la eutanasia flotando en la cabeza de todos pero que nadie menciona excepto el pequeño Fouad que en una magistral y dura secuencia en el metro de París, harto de vagar de una casa a otra  se encara con su padre reclamando una familia, para él su madre ,enchufada a una máquina ya está muerta.
Asghar Farhadi ha conseguido una película excelente que consigue transmitir al espectador con una gran sutileza la complejidad de las relaciones entre todos los personajes, la incomunicación inicial en el aeropuerto donde la pareja a través del cristal hablan pero no se escuchan, la sensación  de incomodidad de Ahmed al tener que instalarse en casa de Marie subrayada por el desorden de los utensilios de pintura, la rivalidad silenciosa entre los dos hombres,la desconfianza inicial del niño,el final desesperanzado...
Todas las interpretaciones están a gran altura Berénice Bajo ( The Artist) fué premiada en Cannes en 2013,
Tahar Samin (El profeta) como Samir y una estupenda revelación de Pauline Burlet como Lucie.
Con esta película rodada en francés en París, sin ninguna concesión al París de postal, Farhadi hace un discurso más universal que en sus anteriores películas primando sobre todo los sentimientos olvidándose de condicionantes religiosos o sociales.