sábado, 29 de noviembre de 2014

PAREJA DE PALOMAS




Hoy voy a hacer un comentario sobre estos simpáticos animalitos. El comentario surge porque todas las mañanas, cuando abro la ventana de mi dormitorio, posadas en el cable telefónico que pasa frente a mi casa, se encuentran dos palomas; son paloma y palomo, macho y hembra. Esto lo asevero así categóricamente y tengo mis motivos que voy a exponer a continuación.

Ahora cuando comienzo mi observación, procuro durante un tiempo no abrir la ventana y así no molestarles ni asustarles, además de que puedo contemplarles con tranquilidad sin temor a que inicien el vuelo y se marchen.

Bueno, pues desde mi puesto de observación tras el cristal de la ventana, soy testigo de un completo rito amoroso de la pareja de palomas. El macho toma la iniciativa y comienza a acercarse pavoneandose, desplegando y luciendo lo más vistoso de su plumaje. Se acerca seguro, imponente, acortando la distancia que le separa de la hembra con cierta lentitud, como si quisiera darle a la escena la importancia que, indudablemente, tiene la puesta en práctica de los recursos amorosos que emplea el macho para seducir a la hembra; ella le deja acercarse, sin moverse, pero cuando le tiene prácticamente al lado, comienza a desplazarse lateralmente en dirección opuesta de donde viene el macho, comienza a separarse de él dejando una pequeña distancia entre ambos, que parece ser una distancia de seguridad para la hembra. El juego es extraordinario y merece la pena contemplarlo todas las mañanas, pues son totalmente puntuales y no suelen faltar un solo día.

Este movimiento de acercamiento y separación lo ejecutan tres o cuatro veces, hasta que el macho se para y adopta un cambio de estrategia: se da media vuelta y comienza a caminar por el cable alejándose de la hembra, la cual al darse cuenta que el macho la ignora, debe pensar que ¡cuidado! no vaya a ser de verdad que se esté pasando y suspenda la conquista dadas las dificultades encontradas; entonces, ella comienza a poner en práctica sus dotes de seducción femeninas, e inicia un acercamiento, con pavoneo incluido, hacia el macho, que al ver el movimiento iniciado por la hembra se detiene. En este momento parece que todas las reticencias para hacer más interesante y atractiva la seducción, desaparecen; el juego amoroso del si no, si no, se detiene, y entonces el macho pasa a la acción con la sumisa aceptación de la hembra; comienza un picoteo frenético de la pareja que da paso a una excitación paulatinamente en aumento y a continuación en el punto álgido del éxtasis, el acto sexual se consuma.

Finalizado el encuentro amoroso, ambos quedan parados y muy juntitos uno al lado del otro, poniendo en orden su plumaje de los arrebatos que han sufrido, y una vez todo arreglado y correcto, la hembra le invita al macho, con movimientos más o menos rápidos, a marchar; el macho acepta y ambos inician un vuelo de acrobacias y persecuciones con un jolgorio de canturreos y piar como si quisieran manifestar al mundo la enorme felicidad y satisfacción que han vivido.

Alguna mañana si me retraso un poco en asomarme ya no están, pero estoy seguro que allí frente a mi ventana o en otro lugar similar la pareja de palomas efectuará un canto al amor y a la fidelidad, pues es una de las pocas especies de animales que la pareja es para toda la vida. Las palomas no cambian de pareja, su fidelidad es absoluta, y eso hace aún más bonita esta conducta y extraordinario el comportamiento de esta pareja de palomas. Para ellos, cada día poniendo en práctica su juego amoroso es como si, efectivamente, siempre fuera la primera vez.

jueves, 27 de noviembre de 2014

Cine: INTERESTELAR


Hay películas cuya historia es tan compleja que se haría necesaria una segunda (o más) visión para poder apreciarlas. En literatura, esto se soluciona volviendo a leer un párrafo, un capítulo o varios. En cine, cuando se asiste en una sala a la proyección esto no es posible. Hay que volver a pasar por taquilla o esperar a poder ver la película en la televisión o el ordenador, con la consiguiente pérdida de espectacularidad. Este es el caso de Interestelar. Cuando terminó la proyección  a la que asistí, se produjo un silencio en el cine poco habitual. Era una sensación como de alivio, de incomprensión, de !Madre mía, la que nos han liado¡ O al menos así lo interpreté. Lo malo es que volver a verla supone dedicar otras casi 3 horas a algo que no estoy seguro de que valga la pena.

Interestelar está dirigida por Christopher Nolan, un director que nos ha obsequiado con películas tan poco comprensibles como Origen (Inception), la saga del Caballero oscuro, o sea Batman, y el experimento de Memento. No cabe duda de que es un director que domina el espectáculo pero que lo pone al servicio de historias a las que es difícil encontrarles un sentido.




La primera parte de la película se sitúa en un futuro cercano. En la  Tierra los cultivos están siendo devastados por plagas, y tormentas de polvo asolan el planeta, haciendo de la humanidad una sociedad agraria donde incluso se enseña en la escuela que las expediciones de los Apolo fueron un montaje y el hombre nunca llegó a la Luna, lo que exaspera a Cooper, un ex piloto de la NASA e ingeniero, convertido en granjero que vive con su suegro, y sus dos hijos Tom y  Murphy,  "Murph". Murph cree que en su casa hay algo que está tratando de comunicarse con ella. Mediante mensajes , dirige a su padre y a ella a  una instalación secreta de la NASA, que se ha convertido en una agencia casi clandestina, dirigida por el profesor Brand, quien fue anteriormente uno de los profesores de Cooper.
Allí el profesor le revela a Cooper que se ha descubierto en el sistema solar un agujero de gusano en órbita alrededor de Saturno, y que la única posibilidad de supervivencia para la humanidad es atravesar ese agujero  para colonizar nuevos mundos en otra galaxia. Científicos de la NASA creen que seres extra-dimensionales se están comunicando con ellos y han creado el agujero de gusano para el uso de la humanidad. Cooper es reclutado para pilotar a la "Endurance" (Resistencia), una nave espacial experimental, para continuar  la Misión Lázaro, una serie de naves tripuladas enviadas a través del agujero de gusano para estudiar la habitabilidad a largo plazo de una docena de planetas potenciales.  Los  científicos astronautas fueron a los planetas asignados y comunicaron a la Tierra la potencialidad para albergar vida. Una vez que se confirmara su viabilidad, la humanidad se dirigiría ahí a bordo de la instalación de la NASA, que ha sido construida para servir como una enorme estación espacial. Los datos  le han dado a la NASA tres planetas potencialmente habitables.
La decisión de Cooper, de unirse como piloto de la expedición, no es aceptada por Murph que rechaza cualquier aproximación de su padre, que parte sin haber podido siquiera hablar con ella y explicarle sus razones.
La tripulación está formada por la hija del profesor Brand, Amelia; un físico, un geógrafo  y dos robots polivalentes con inteligencia artificial y sentido del humor, CASE y TARS . Parten en un vuelo espacial de dos años hasta el agujero de gusano antes de cruzar hacia la nueva galaxia. 
Aquí comienza la segunda parte de la película, la aventura espacial. Una vez en el otro lado, la Endurance llega al primero de los planetas candidatos que está en las proximidades de Gargantúa, un agujero negro cercano rotativo.  Descubren que el planeta es inhóspito, con maremotos gigantes a través de su superficie.  Al regresar a la Endurance, Cooper y Amelia descubren, que debido a la fuerza de gravedad, el tiempo transcurrido para el físico que se había quedado en la nave es de 23 años. Acceden a los mensajes que durante esos 23 años han recibido de la Tierra en uno de los mejores momentos de la película. Y comienza la tercera parte donde se alternan en narración paralela, los acontecimientos de la Tierra y la continuación de la aventura espacial.
En la Tierra, Murph es ahora adulta y se ha unido a la NASA, donde trabaja junto al profesor Brand. Cuando el profesor ve próxima la muerte, confiesa a Murph  que llegó a la conclusión de que no había esperanza de que la humanidad pudiera escapar de la Tierra, optando en su lugar por poner su fe en una "bomba de población", un proyecto de repoblación masivo utilizando embriones fertilizados para reiniciar a la humanidad, una solución que sacrificaba a la población actual de la Tierra.



Como consecuencia del elevado consumo de combustible en su visita al primer planeta, el Endurance se ve obligado a elegir entre los otros dos dirigiéndose a  un planeta saturado de amoniaco helado, Su explorador había falseado los datos acerca de la viabilidad de su planeta de modo que la Endurance viniese a rescatarlo de su aislamiento.
Con el poco combustible restante, Cooper y Amelia que se han quedado solos en la nave, crean un plan para intentar que TARS envíe los datos con respecto al interior del agujero negro, que ellos retransmitirán a la Tierra. Esos serían los datos que permitirían que la misión inicial tuviera éxito.Después ellos mismos se impulsarán hacia el tercer  planeta.  Viajar tan cerca de Gargantua hace que pasen unos 68 años en la Tierra mientras dura su maniobra. 
La última parte de la película nos contará el resultado de ese plan y sus efectos en la investigación.


Como se puede ver por este largo resumen, la historia es de una gran complejidad. Se mueve en tres planos que aunque interrelacionados, tienen poco que ver. Por una lado el aspecto sentimental de la relación de Cooper con su familia y especialmente su hija, con un tratamiento que recuerda a Spielberg, con un cierto exceso de sentimentalismo, pero que es lo mas atractivo de la película. Por otro la aventura espacial. Espectacular, extraordinaria visualmente. Digna de 2001 o Gravity, aunque con algunas escenas infumables como el enfrentamiento entre Cooper y el astronauta del segundo planeta. Y un tercer plano donde Nolan se entrega a su habitual derroche de imaginación y donde el sentido común parece desaparecer, en una linea comparable al viaje final de 2001.

 No obstante hay que decir que todo el aspecto relacionado con la ciencia está basado en teorías derivadas de la Teoria de la relatividad de Einstein. Lo que pasa es que, para mí y me temo que para la mayor parte de los mortales, la teoría de la relatividad es poco inteligible, y el resto de las teorías mucho más.

 La película está inspirada en la teoría del experto en relatividad Kip Stephen Thorne sobre la existencia de los agujeros de gusano, y su función como canal para llevar a cabo los viajes en el tiempo. Lo que es cierto es que los agujeros negros, los agujeros de gusano, la relatividad del tiempo, la posibilidad de viajes en el tiempo o el teseracto desde el que Cooper se comunica con su hija, son cosas que aunque nos puedan parecer ciencia ficción, se pueden encontrar en estudios serios de física o geometría.

 Todo ello en un envoltorio espectacular, extraordinario, pero que deja cantidad de incógnitas sin resolver. Por ejemplo, como se puede pensar ( y aparentemente conseguir) transportar millones de personas al espacio, por mucha nave espacial de que se disponga.  O como se puede viajar hacia atrás en el tiempo como para permitir el contacto entre Cooper y su hija. Se juega con el paso del tiempo en los diferentes escenarios a gusto de los guionistas. Da la sensación de que muchos de sus aspectos de ciencia, son ciencia de wikipedia. 

Pero  en cualquier caso la película es muy recomendable. Es de las que hay que ver, aunque sea para poder criticarla.

Matthew McConaughey es un Cooper totalmente convincente, ratificando su buena actuación en Dallas Buyers Club. Jessica Chastain es Murph adulta y siempre está bien.  Michel Caine (siempre eficaz) y Anne Hathaway son el profesor Brand y su hija. También están  John Lithgow, Casey Affleck y Matt Damon en papeles más secundarios. Y la música, claramente reconocible por su estilo, de Hans Zimmer.


El Endurance fue el buque rompehielos en el que se llevó a cabo en 1914 la Expedición Imperial Trans-Antártica, también conocida como la Expedición Endurance, emprendida por Sir Ernest Shackleton. Posteriormente hubo varios barcos, de diferentes nacionalidades con ese nombre.

Kip Stephen Thorne (n. 1 de junio de 1940 (74 años) es un físico teórico estadounidense, conocido por sus numerosas contribuciones en el campo de la física gravitacional y la astrofísica y por haber formado a toda una generación de científicos. Viejo amigo y colega de Stephen Hawking y Carl Sagan, ocupó la cátedra “Profesor Feynman” de Física Teórica en el Instituto Tecnológico de California hasta 2009. Thorne es uno de los mayores expertos mundiales en las aplicaciones a la astrofísica de la Teoría de la Relatividad General de Einstein. En la actualidad prosigue sus investigaciones científicas. Thorne fue una de las primeras personas en investigar sobre si las leyes de la Física permiten la conexión múltiple del espacio y el tiempo (si se pueden atravesar los agujeros de gusano y si es posible la máquina del tiempo). 

martes, 25 de noviembre de 2014

Cine: JIMMY'S HALL



Dirigida por el británico Ken Loach nos llega Jimmy's Hall, una película en la que el director, que destaca siempre por su cine comprometido social y políticamente, vuelve a situarse en la  Irlanda de los años 20 del pasado siglo, para contarnos una historia basada en personajes reales.


Cuenta la historia real de James Gralton, un activista y líder comunista irlandés que se convirtió en el único deportado político de la República de Irlanda. La película comienza con la vuelta de éste a Irlanda, donde vuelve a reabrir una modesta casita para que disfrute de ella toda la comunidad. Allí se organizan clases de baile, música, literatura… y los jóvenes pueden divertirse sin estar bajo la atenta mirada de los representantes de la iglesia católica, a los que eso no les hace ninguna gracia. Así, propietarios, sacerdotes y políticos
hacen un frente común para luchar contra las ideas y las nuevas maneras que está adquiriendo la comunidad, gracias a los movimientos y a la iniciativa de Gralton.

 La película está bastante bien, pero no es de lo mejor de Ken Loach, de quien recuerdo la excelente Agenda oculta (1990)   o El viento que agita la cebada (2006), entre otras. Aquí peca de falta de sutilidad, de finura, en su exposición  lo que hace que, en algunos momentos, la historia de Jimmy roce el panfleto político, donde los malos son muy malos y el héroe muy bueno. Me gustó el personaje del cura, firme en sus convicciones contrarias a Jimmy pero capaz de pedir respeto hacia él, mientras los personajes de los propietarios de tierras son arquetipos poco presentables. Un poco menos de maniqueismo le habría venido bien a la historia, que por otra parte tiene momentos de gran sensibilidad. Bien interpretada por actores poco conocidos en España, excepto Jim Norton (el padre Sheridan) que ha actuado en Harry Potter y El niño del pijama a rayas.

Es curioso pero al verla me vino a la cabeza la película española La lengua de las mariposas, (1999, Jose Luis Cuerda)  

TEATRO: EL JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR


El domingo estuve viendo en el María Guerrero El juego del amor y del azar, de Pierre de Marivaux, con dirección de Jose Maria Flotats.

Marivaux es un autor del siglo XVIII conocido por sus piezas de enredo amoroso y galante como esta. Su fama como hombre de teatro y como escritor siempre se vio ensombrecida por la  figura de Molière, que había dominado la escena francesa durante el siglo anterior,  cuyos personajes y acciones, de alguna manera, irían a trasladarse al propio arsenal dramático de Marivaux.
Su teatro, inmerso en el Siglo de las luces y el Enciclopedismo, ha sido objeto de estudio desde un punto de vista moderno y se ha considerado que, mediante sus juegos dramáticos, resulta ser un trangresor de costumbres y estereotipos.
El Juego del amor y del azar (1730),  sirvió de inspiración a una generación de dramaturgos ya muy avanzado el siglo XIX. 

La versión presentada en Madrid es la misma que se representó en el Teatro Nacional de Cataluña, allí en catalán.  La obra es una comedia de enredo, enredo basado en el juego de los personajes principales que se hacen pasar por sus criados mientras éstos ocupan su lugar. Algo bastante cercano a lo que presenta Francisco Rojas Zorrilla en Donde hay agravios no hay celos, cien años antes.

Una próxima boda tiene que unir a Silvia con Dorante, pero para juzgar la
sinceridad de su futuro esposo, Silvia pide autorización a su padre para hacerse pasar por la criada, Lisette, quien por su parte, se hará pasar por Silvia. Pero Dorante utiliza la misma estratagema y se presenta bajo el nombre de Borgoñón,como criado. Y su criado, Arlequín, se presenta como si fuera Dorante. Ambas parejas, la de los falsos criados y la de los falsos amos, protegidos por su disfraz, liberados de sus códigos sociales, se hablarán de amor y vivirán, durante un tiempo, juntos con la libertad, el placer y también el sufrimiento que provocan el conocimiento de la propia verdad y de la propia identidad. 

La obra está bien presentada e interpretada, llevada a buen ritmo, con una trama no demasiado ingeniosa. Pero en general buen teatro, un tanto conservador y quizá un poco trasnochado, con algunos momentos prescindibles, pero un buen espectáculo, que lamentablemente, finalizó el domingo con lo que mi recomendación llega tarde.

A destacar los intérpretes, parece ser que bastante conocidos en la televisión y teatro catalán, (algunos con un notable acento catalán) aunque casi desconocidos aquí. Enric Cambray, Alex Casanovas, Rubén de Eguía ( recientemente ha estado en la Abadía con El principio de Arquímedes), Vicky Luengo, Bernat Quintana y Mar Ulldemolin. En general, muy buenos.




domingo, 23 de noviembre de 2014

¿QUIEN LEERÁ A JUAN RODOLFO WILCOCK?

Juan Rodolfo Wilcock, poeta argentino nacido en Buenos Aires, fue uno de los más destacados escritores de la llamada "generación del 40", que reunió a un grupo de escritores, autores notables, que comenzaron a producir por esos años sobre una línea neorromántica, que más tarde incorporaría  elementos de la literatura surrealista. El grupo inició difundiendo su obra a través de revistas literarias. Wilcokc fue colaborador de Sur y director de de Verde Memoria, en las que publicaba poemas inconformistas e innovadoras que oscilan entre la melancolía y el sarcasmo. Entre 1949 y 1953 editó los libros Poemas y canciones, Ensayos de poesía lírica, Persecución de las musas menores, Paseo sentimental, Los hermosos días y Sexto.

Recibió el Premio de Poesía de la Sociedad Argentina de Escritores. Lingüista y filólogo, dominaba varios idiomas. En 1953 se trasladó a Roma para traducir la versión en castellano de L'Observatore Romano y con ello su instalación definitiva en Italia.

En Italia dio a conocer gran parte de su obra, Il caos, La sinagoga de los iconoclastas, El templo etrusco, y Libro de los monstruos, sus libros de poesía, Luoghi comuni, Poesías españolas, y Cancionero italiano: 34 poesías de amor.

Cultivó la amistad de figuras italianas como Alberto Moravia y Pier Paolo Passolini. Era Ingeniero Civil de profesión ejerciendo en la provincia argentina de Mendoza. Pronto abandonó su profesión dedicándose a la escritura. Su profesión de ingeniero le inspiró para escribir su novela L'Ingegnere .

En los últimos años de su vida se trasladó a una casa humilde en la localidad de Lubiano di Bagno Regio, provincia de Viterbo al noroeste de Roma, donde permaneció hasta su muerte en 1978.

Un ejemplo de sus relatos es la colección de cuentos, de los que he seleccionado uno de ellos que me ha sorprendido por su crudeza y brutalidad, así como su imposibilidad física de realización: LOS AMANTES.

                                                                 LOS AMANTES

Harux y Harix han decidido no levantarse más de la cama: se aman locamente, y no pueden alejarse el uno del otro más de sesenta setenta centímetros. Así que lo mejor es quedarse en la cama, lejos de los llamados del mundo. Está todavía el teléfono, en la mesa de luz, que a veces suena interrumpiendo sus abrazos: son los parientes que llaman para saber si todo anda bien. Pero también estas llamadas telefónicas familiares se hace cada vez más raras y lacónicas. Los amantes se levantan solamente para ir al baño, y no siempre; la cama está toda desarreglada, las sábanas gastadas, pero ellos no se dan cuenta, cada uno inmerso en la ola azul de los ojos del otro, sus miembros místicamente entrelazados.

La primera semana se alimentaron de galletitas, de las que se habían provisto abundantemente. Como se terminaron las galletitas, ahora se comen entre ellos. Anestesiados por el deseo, se arrancan grandes pedazos de carne con los dientes, entre dos besos se devoran la nariz o el dedo meñique, se beben el uno al otro la sangre; después,  saciados, hacen de nuevo el amor, como pueden, y se duermen para volver a comenzar cuando despiertan. Han perdido la cuenta de los días y de las horas. No son lindos de ver, eso es cierto, ensangrentados, descuartizados, pegajosos; pero su amor está más allá de las convenciones.
                                                                          FIN

El resto de cuentos que se puede leer, con textos completos de los mismos, son de la misma índole que el publicado en esta entrada, destaco algunos de ellos que se puede acceder a ellos en Internet: Capitán Luiso Ferrauto, Agrimensor Bene Nio y algunos otros, de las mismas o parecidas características del detallado.

ARNO SCHMIDT (Amuleto , de Roberto Bolaño)

Domingo, 23 de noviembre 2014
ARNO SCHMIDT            ( Roberto Bolaño  “Amuleto”)
Para presentaros a Arno Schmidt, he tomado   una carta de Julio Cortazar a Francisco Porrua
“Arno Schmidt nació en Hamburgo el 18 de enero de 1914. Se crió en Silesia. Fue reclutado como soldado durante la Segunda Guerra –en la sección de cartografía– y peleó en Francia y Noruega hasta caer prisionero en Bruselas en 1945. Escribió su primer relato en 1937. En 1949 publicó su primera obra, Leviatán. Los relatos reunidos en Meteoro de verano fueron redactados hacia finales de los años 50 y principios de los 60. Desde 1958 vivió en una casa de madera en las afueras del pueblo de Bargfeld. Obstinado colaborador de diarios y revistas, el periodismo y la traducción fueron durante años su más asiduo ganapán. (Realizó más de una decena de traducciones de autores ingleses y norteamericanos, como Wilkie Collins y Faulkner). Otro medio de vida se lo proporcionó la Süddeutsche Rundfunk, que le encargó programas de radio nocturnos, de más de una hora de duración, y que Schmidt aprovechó para inaugurar un género nuevo: diálogos encendidos sobre escritores del pasado. Caminante, fotógrafo aficionado, hombre solitario y de pocos amigos, mezcla de arqueólogo y predicador literario, a sus favoritos no podía criticárselos: “Jean Paul es uno de nuestros grandes, uno de entre aquellos veinte por los cuales me batiría a duelo contra todo el mundo”. En ese panteón se encontraban, además, Karl Philipp Moritz, Ludwig Tieck, Christoph Martin Wieland, Adalbert Stifter, pero también Edward Bulwer-Lytton, James Fenimore Cooper, H. Rider Haggard, Edgar Allan Poe, Lewis Carroll, James Joyce y Raymond Queneau. De una obra que incluye ocho novelas, diez nouvelles, dos volúmenes de cuentos, cinco de ensayos, una biografía de La Motte Fouqué, un estudio sobre Karl May, diversos tomos de correspondencia e innumerables fragmentos dispersos, al español se ha traducido La república de los sabios, Momentos de la vida de un fauno, El corazón de piedra, El brezal de Brand y Leviatán/Espejos negros. Según Schmidt, cuya especialidad era la novela de mediano alcance, los cuentos eran “pequeños yuyos venenosos”. Acaso su obra magna sea una investigación entre documental y novelesca sobre la vida y obra de Poe, publicada en 1970 y titulada El sueño de la ficha. (Al igual que Nabokov, era a partir de fichas como Schmidt componía sus textos y para este libro se calcula que utilizó unas ciento veinte mil, que llenaron más de mil trescientas páginas impresas). Arno Schmidt murió el 3 de junio de 1979. Un escritor que no se compara con nadie, en alguna oportunidad escribió: “Es mejor andar a pie solo que viajar con muchos”.
Así también, un prólogo de Gabriela Adamo sobre la obra del autor puede ayudarnos a comprender y quizás  a interesarnos por un escritor poco conocido en el ámbito cultural de la lengua castellana.
“Los textos de Arno Schmidt son un desafío para todo lector. Su primer obstáculo radica en que se oponen a cualquier lectura veloz: nos obligan a ir despacio para evitar los sacudones de un camino que parece plagado de ripios, pero que esconde un virtuosismo deslumbrante. Y que expone, si se lo recorre con calma, una idiosincrasia de posguerra que resulta rabiosamente actual. Los cuentos se repiten casi como una fórmula, pero es una fórmula que permite el lucimiento de todas las artes de Schmidt: sus constantes neologismos, sus juegos de palabras, su dominio sobre el aspecto plástico de la lengua –la sonoridad y el ritmo–, sus conocimientos literarios e históricos, su ironía implacable y su vocabulario infinito. Todos los relatos están unidos por un narrador que se repite en la obra de Schmidt: un alter ego del autor que algunos críticos han leído como una especie de Don Quijote “malo”. Porque con su ironía Schmidt destila una maldad implacable, una furia potente que se dirige contra el mundo que lo rodea y del que solo se permite rescatar tres zonas: las ciencias puras, el arte y la naturaleza. Su esfuerzo por destruirlo todo y, a la vez, reconstruir amorosamente estas estrellas que sobreviven en el lodazal, impulsa su fuerza narrativa, le da forma a un poder hipnótico del que es imposible sustraerse”
Notas:
Francisco Porrúa (Corcubión, La Coruña; 1922), conocido también como Paco Porrúa, es un editor y traductor literario español con nacionalidad argentina. Para sus traducciones ha empleado varios seudónimos, como Luis Domènech, Ricardo Gosseyn, Francisco Abelenda o simplemente F. A.  Publicó  Rayuela, de Julio Cortázar y  Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez. Fundó Ediciones Minotauro, una de las principales editoriales de ciencia ficción de habla hispana, donde editó por primera vez en este idioma libros de Bradbury, Tolkien y Ballard, entre otros.

Gabriela Adamo, directora ejecutiva de la Fundación El Libro y de la Feria del Libro de Buenos Aires, cree que en los próximos años se alterará lo que entendemos por autor y por editor.  Sostiene que "los diseñadores tendrán que adaptarse a nuevos retos y los libreros deberán poner todo su esfuerzo en revalorizar su lugar simbólico como mediadores culturales más que simples despachantes de mercancía".
Estas declaraciones forman parte de una consulta de LecturaLab sobre sus predicciones para 2014 acerca del papel que jugarán en el acto de leer los nuevos escenarios creados a partir de la irrupción del libro digital y la influencia que ejercerán las nuevas tecnologías en el comercio del libro, las bibliotecas y la industria editorial en general.


viernes, 21 de noviembre de 2014

Jean Pierre Dupray. Los poetas malditos



Jean Pierre Duprey 1930-1959
Poeta y escultor francés, un moderno ejemplo de Poeta maldito.
Nacido en Rouen, sus poesías escritas entre 1948 y 1949 fascinaron a André Breton que incluyó su libro “Detrás de su doble” en su antología del humor negro.
En 1951 abandonó la poesía  para dedicarse a la escultura en hierro y a la pintura, repleta de seres amenazantes y fantásticos. Volvió a la escritura con una obra dramática, “El bosque sacrílego” y un ciclo de poemas en el que manifestaba su atracción por el vacío y la muerte.
El 2 de octubre de 1959 envió por correo a Breton su último libro de poemas “El final y sus maneras” y el mismo día se suicidó. Su mujer, que había llevado el libro al correo, lo encontró ahorcado a su vuelta a la casa.
En todas sus obras no hay nada que no lleve el signo de las fuerzas más oscuras que a veces invaden la mente humana, nada que no esté marcado por la noche y de la muerte.
Personaje dado a los escándalos. Un dia orinó en la tumba al soldado desconocido en el Arco de Triunfo, lo que le llevó a la cárcel y a un hospital mental.

¿Qué son los poetas malditos?

Un poeta maldito es aquel que vive al margen o contra la sociedad. El consumo de drogas y alcohol, la locura, la violencia y, en general, los pecados sociales que a menudo desembocan en la muerte, son los elementos típicos del poeta maldito.
Su prototipo fue Francois Villon, en el siglo XV, pero el concepto fue acuñado en el XIX por Alfred de Vigny en su drama Stello, en el que llama al poeta la raza siempre maldita por los poderosos de la tierra. Se consideran ejemplos típicos, Baudelaire, Paul Verlaine y Rimbaud.
El término fue ampliamente utilizado tras la antología de Verlaine, Los poetas malditos de Saftsack (1884). En ella Verlaine expuso que el genio de cada uno de ellos había sido también su maldición, alejándolos del resto de personas y llevándolos de esta forma a acoger el hermetismo y la idiosincrasia como formas de escritura. También fueron retratados como desiguales respecto a la sociedad, teniendo vidas trágicas y entregados con frecuencia a tendencias autodestructivas; todo esto como consecuencia de sus dotes literarias.
El concepto de Verlaine del poeta maldito se cree que fue tomado del poema de Charles Baudelaire llamado Bendición, que inicia su libro Las flores del mal. El uso de esta expresión y del término malditismo se generalizó luego para referirse a cualquier poeta (o a un escritor de otros géneros o incluso a un artista plástico) que, independientemente de su talento, es incomprendido por sus contemporáneos y no obtiene el éxito en vida; especialmente para los que llevan una vida bohemia, rechazan las normas establecidas (tanto las del arte como los convencionalismos sociales) y desarrollan un arte libre y provocativo.

En 1970 Pierre Seghers publicó una nueva antología (1946-1970) Los poetas malditos de hoy donde incluía a Antonin Artaud y Jean Pierre Dupray.

Un par de muestras de sus textos:

Una mano de rosas clavada sobre un objeto negro...
¿Qué queda, qué queda?
Del cielo sólo un gran tejido ajado de espectros y los ojos que sólo colman las órbitas del vacío.
Una araña desplaza la noche, es el sueño de una muerta
La araña lleva en sí el sexo abierto de la noche y sus hijos irán a ennegrecer el sueño de los vivos.
Un paso secreto cierra el túnel del silencio y la estrella palidece.
En la cámara nupcial, es la cultura de los corazones negros. Loreta... Olim perseguidas por sus sombras. La balanza se inclina hacia el lado del abismo. A todo lo largo de los muros se encienden los candelabros que no alumbran, sino reflejan los ojos de los muertos, los habitantes.
-Y ahora a toda marcha-ordena el caporal espectro. ¡Cuidado! una profundidad de subterráneo, una llamada de lo que esté debajo del mundo hace caer la sonda hacia las Sombras de lo Anterior.
¡Una llamada interminable! Es la respuesta de las campanas del vacío, a las campanas del vacío, al vacío bajo campanas...
El hoyo-escotadura en pleno corazón de la vida.
¡Oh la espina clavada en la historia del mundo!




La eternidad en sábanas negras. Mis funerales vestido de ceniza. ¡Aquí el gran trepanador de imbéciles!... Nos transformaron. Lo que somos nos produce un hermoso reflejo y yo siempre llevo conmigo la foto del supremo detergente. ¡Todos nuestros puertos naufragarán en alguna parte! Tengo un navío, una pala de recuerdos que flota, que flota. No se necesita el pez, vea usted, yo elimino. Lanzo un gran día al descubierto; ya tengo comisión por el día de los muertos. En otro lugar, cerré puertas y ventanas, bajé las cortinas, busqué los venenos posibles. Tengo la vela como el interior de la vista y nada me impedirá arrojarme al fuego de los proyectiles de recuerdos. Herrero, golpeé en la cabeza de piedra los fuegos de pólvora de un acero que no quería oírse decir. Instalado por mi cuenta, separé lo propio de lo que no era; instalado especialmente, me reemplazo por un sueño lleno de galpones que me alojan un seso convertido en esponja en una cama de arañas crudas. Y a mí me gustaban bien cocidas, patas peladas, espárragos de rabia

jueves, 20 de noviembre de 2014

EN EL AÑO 2059 ¿QUIEN LEERÁ A GARY SNYDER ?

Hacemos nuestros votos juntos con todos los seres.

Comiendo un bocadillo
durante el trabajo ,en el bosque
mientras una cierva mordisquea hierba en la nieve

mirándonos el uno al otro,
masticando juntos.

Un bombardero de Beale
sobre las nubes
cruza el cielo con un rugido.

Levanta la cabeza, escucha
espera que el fragor haya pasado.
Y yo también.


Gary Snyder, nacido en San Francisco en 1930 y criado en una granja en Seattle, es un poeta, ensayista, traductor de poesía china y japonesa, mezcla de budista y anarquista zen, indigenista, naturalista, ecologista activo y algo chamán.
Licenciado en antropología y literatura pasó diez años en una escuela para monjes de Kioto donde se impregnó de filosofía budista que marcó toda su trayectoria personal y poética que le llevó a ganar el Pulitzer en el año 1974 por su poemario "Turtle Island".
Unido generacionalmente y por amistad a algunos miembros de la llamada generación "beat", sobre todo con Kerouacs que le ficcionó en su novela "Los vagabundos de Dharma", no compartió sin embargo su pesimista ideario, él está más identificado con la filosofía de Thoreau, Snyder prefirió los caminos de montaña a los itinerarios asfaltados, la cabaña en el bosque antes que los garitos de carretera, la compañia de lobos, osos,águilas y halcones antes que la de "camellos", la música country antes que el jazz, en definitiva el acercamiento a la naturaleza "Magna Mater" y a la vida sencilla con la máxima "crecer con lo mínimo", sí compartió con ellos el sentimiento transgresor y de ruptura esa "contracultura" que llevaría a la sociedad norteamericana en los 60 al hippismo y al enfrentamiento civil a la guerra de Vietnam.
Muestra de su ideario la encontramos en el ensayo que escribió en 1961 titulado "El budismo y la revolución venidera":
              Hoy en día, ya nadie puede ser inocente o permanecer en la ignorancia de la naturaleza de los gobiernos actuales, de la política y de los órdenes sociales. Los regímenes del mundo moderno mantienen su existencia mediante una avidez y un miedo deliberadamente conservados: extorsiones monstruosas de protección. "El mundo libre" se ha vuelto económicamente dependiente de un sistema increíble de incitación a una avidez que no puede ser colmada, a una sexualidad que no puede ser satisfecha y a un odio que no pude ser expresado salvo contra uno mismo, las personas que se supone que amamos o las aspiraciones revolucionarias de las lamentables sociedades marginales, afectadas por la pobreza, como Cuba o Vietnam .Las condiciones de la guerra fría han transformado todas las sociedades modernas- incluidas las comunistas-en viciosos distorsionadores del verdadero potencial humano. Engendran poblaciones de "preta"-esos fantasmas hambrientos con un apetito de gigante y una garganta no más amplia que una aguja. La tierra, los bosques y toda la vida animal son utilizadas por esos colectivos cancerosos que deshonran el aire y el agua del planeta.
Al igual que Auxilio Lacouture me repito la pregunta ,en el año 2059¿Quién leerá a Gary Snyder" creo yo que los amantes de la naturaleza y la poesía ,los descendendientes de aquellos que caminaron cantando hacia el abismo sin fondo, al final del valle.

lunes, 17 de noviembre de 2014

Teatro: DESDE BERLIN tributo a Lou Reed



En el Matadero, Naves del Español, se representa Desde Berlín, tributo a Lou Reed, con textos de Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró, dirección de Andrés Lima e interpretada por Nathalie Poza y Pablo Derqui.

Lou Reed fue un cantante, compositor y letrista norteamericano dedicado a la música de rock. Fallecido el año pasado, fue lider de un grupo, Velvet underground, y está considerado como el padre del rock alternativo. Nacido en 1942, en los años 70, tras el fracaso del grupo, empezó a trabajar en solitario y tras algunos éxitos iniciales pareció estar llamado a convertirse en un ídolo del Pop. La publicación, en 1973, de un album llamado Berlin, un trabajo sombrio que narra una historia trágica de amor entre dos drogadictos en esa ciudad, un disco que fue calificado como uno de los más deprimentes de la historia, acabó con esas expectativas, pero le convirtió en músico de culto, es decir, sin exito de público pero adorado por minorías. Uno de sus primeros éxitos fue Walk on the dark side, que no tiene que ver con la película del mismo título (En España La gata negra, 1962, Edward Dmitrik);  la canción es diez años posterior.

Borja Sitjá, director artístico del Teatro Romea de Barcelona, quiso rendir homenaje a este músico y encargó a Andrés Lima la función. Lima pidió a Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró que escribieran escenas inspiradas en las canciones, y luego armó la dramaturgia, la historia de una pareja, Caroline y Jim, que se desarrolla siguiendo el contenido de las canciones del album Berlín.
Probablemente la historia como tal, sea lo menos atractivo de la función. En cambio la puesta en escena, con la escenografía de Beatriz Sanjuán, habitual colaboradora de Andrés Lima, las proyecciones y la iluminación me pareció excelente.  Y las interpretaciones de los dos actores, a veces casi coreografía, sobresalientes.







 Nathalie Poza es una actriz capaz de tocar el piano y cantar y sobre todo, emocionar. Habitual del grupo Animalario, la he visto en Marat Sade, Tito Andrónico, Penumbra y A cielo abierto y nunca me ha defraudado. Aquí es Caroline, una prostituta tierna, enamorada y desesperada.








 A Pablo Derqui solo le conozco por la primera temporada de la serie Isabel, donde interpretaba a Enrique IV de Castilla y destacaba como uno de los mejores actores.  Aquí es Jim, un yonqui enamorado y violento. 



La música, las canciones de Lou Reed, a un volumen excesivo en ocasiones, nos conducen por una relación trágica, violenta, amorosa y sin esperanza. No son unos personajes originales. Les hemos visto en muchas ocasiones en cine y teatro, pero nos transmiten una sensación emocionante.

Por supuesto, por lo que he escrito, queda claro que no es una obra para pasar el rato, pero sí un buen espectáculo.





lunes, 10 de noviembre de 2014

Cine; DOS DIAS, UNA NOCHE


Coproducción franco-belga dirigida por los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, de los que recuerdo, hace un par de años, El niño de la bicicleta, una sensible e interesante película sobre un niño de 11 años que se escapa de su hogar de acogida para encontrar a su padre y la relación que establece con una joven peluquera




Ahora nos traen la historia de Sandra, quien tras una baja por depresión se encuentra con que en la fábrica en que trabaja, han decidido prescindir de ella y dar una extra de mil euros al resto del personal. Sandra dispondrá de dos dias y una noche para tratar de convencer a sus compañeros para que renuncien a la paga y ella pueda volver a ocupar su puesto.




Dos dias, una noche se encuentra en una línea del cine francés al que pertenecen títulos como Las nieves del Kilimanjaro (Robert Guédiguian, 2011) o  Una vida mejor (Cédric Kahn, 2011). Cine social, con las raices en la crisis económica actual. 

La película es interesante en cuanto nos presenta un panorama de los diferentes compañeros de Sandra con los que ésta se pone en contacto. Sus egoísmos, sus angustias, sus necesidades, se nos ofrecen en un recorrido por diferentes personajes de la clase media trabajadora, pero salvo en  casos concretos, sin juzgarlos.  No lo es tanto en cuanto las circunstancias de Sandra, trabajadora en situación de baja por enfermedad, de treinta y tantos años, casada con un marido que trabaja,  la quiere y ayuda, con dos hijos, con una hipoteca, no nos resultan tan conmovedoras ni desesperadas como podría parecer. Ni tampoco la visión económica de  los compañeros que aceptan  el ahorro de un sueldo a cambio de una extra de una cuantía poco proporcionada al ahorro de ese puesto de trabajo. Cabe suponer que tendrá unos derechos que deberán ser respetados en caso de que la despidan, podrá acogerse al paro. Otra cosa es, como he dicho, la galería de personajes, de compañeros de trabajo. Desde quien la evita para no tener que enfrentarse a ella, quien no puede prescindir de la paga con la que ya cuenta o quien se siente culpable por haber votado por su despido y rectifica su postura. Una colección de seres humanos con sus miserias y un denominador común, la crisis en una empresa que ha descubierto que el trabajo que se hacía con 17 personas, se puede hacer con una menos.

Ante todo ello el espectador no puede menos que preguntarse cual sería su reacción en un caso similar. En cualquier caso y sin querer anticipar el final, hay que decir que la postura de Sandra será coherente y honesta y al final habrá recuperado la autoestima y el valor.

La película se apoya en Marion Cotillard que interpreta a Sandra. Es Sandra, con sus momentos de desesperación y de esperanza, de fe y de comprensión hacia sus compañeros, de generosidad y de falta de capacidad de reacción, según el momento. Una excelente interpretación, El marido es Fabrizio Rongione, un actor belga habitual de los directores.

Película muy recomendable, aunque, evidentemente, dado su tema, no es para pasar el rato simplemente. 

miércoles, 5 de noviembre de 2014

Cine: RELATOS SALVAJES


En los años sesenta, Dino Risi uno de los grandes directores italianos, realizó una película, I Mostri, (Los monstruos) que en España se tituló Monstruos de hoy. La película constaba de veinte episodios que retrataban la Italia de los años de prosperidad económica. Una sátira social ácida, aguda e inteligente aunque de muy irregular calidad que, apoyada en unos extraordinarios intérpretes, Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi sobre todo, criticaba por igual a la Iglesia, los políticos, los ricos, los pobres, la sociedad italiana en general... Casi quince años después, de nuevo Dino Risi, junto con otros dos grandes del cine italiano, Mario Monicelli y Ettore Scola nos ofrecían I nuovi mostri (Los nuevos monstruos) que en España se tituló Que viva Italia, volviendo a unir a Gassman y Tognazzi, junto con Alberto Sordi y Ornella Muti, aunque el resultado era aún más irregular.

Con ellas se inauguraba una moda de películas de episodios que llegaba hasta España, Francia y EEUU. Se trata en general de películas muy desiguales, con episodios extraordinarios y otros con muy poco interés.

Viene esto a cuento por que Relatos salvajes podría incorporarse claramente a esta corriente cinematográfica.



Relatos salvajes consta de seis episodios muy irregulares en calidad y duración, que nos presentan las reacciones extremas de sus protagonistas ante situaciones que les llevan, en algunos casos, a perder el control, y en otros, directamente, a la violencia meditada. Todo ello con grandes dosis de humor negro y con una conclusión que supone un vuelco mas o menos inesperado.
Al igual que las italianas que comentaba antes, su eficacia se basa en gran medida en sus intérpretes, entre ellos el gran Ricardo Darín, un actor que consigue que nos creamos cualquier cosa que interpreta.

Las historias son variadas. La primera es casi un chiste. En un avión se encuentran una serie de personas con la particularidad de que todas ellas han tenido relación con otro determinado en algún momento de sus vidas. Una especie de Diez Negritos mucho menos enrevesada.
Después una camarera se ve obligada a atender al hombre que destrozó su vida y la de su familia y tiene la oportunidad de vengarse. ¿Será capaz?
Un nimio incidente de tráfico da lugar a una lucha feroz en la tercera historia.
En otra, unos padres intentan salvar a su hijo, culpable de un accidente mortal, buscando a alguien que asuma las culpas. Un descarnado retrato de la corrupción de los diferentes estamentos sociales. Probablemente la mas cercana a los planteamientos de crítica social de las películas italianas que comentaba al principio. 
Un ingeniero, especialista en demoliciones, sufre una serie de contratiempos con su coche (se lo retira la grúa, padece un atasco, llega tarde a la fiesta de su hija) y su mujer, lo que le llevará a reaccionar contra todo, con un desenlace quizá demasiado complaciente. Por último, una mujer descubre en su boda que el marido le es infiel con una de las invitadas. De esta historia se ha dicho que es propia de Pedro Almodóvar, uno de los productores de la película, que es una coproducción entre España y Argentina.  

Relatos salvajes está bien, es entretenida, bien interpretada y dirigida (Damián Szifrón, a quien no conocía, pero que al parecer ha sido el creador de alguna serie de TV de éxito) y está teniendo un enorme éxito de público en Argentina y ahora aquí, en España. Será la representante de Argentina en los Oscar, tratando de revivir el éxito de El secreto de sus ojos, ganadora en 2009. Por cierto, mucho mejor que ésta, aunque lo cierto es que la película se puede recomendar.