Carlos Vermut nos sorprendió hace dos años con Magical Girl, una de las películas españolas más interesantes de los últimos años (y ha habido varias). Presentada en el Festival de San Sebastián, galardonada con la Concha de oro a la mejor película y la de plata al mejor director, obtuvo varias nominaciones para los Goya. Nos llega ahora su nueva película, Quien te cantará, en la que se advierte el éxito de la anterior. Ha pasado de un presupuesto de medio millón de euros a más de dos millones. Y se nota.
Lila Cassen (Najwa Nimri) era la cantante española más popular de los noventa, desaparecida como de un día para otro. Años después prepara su vuelta a los escenarios pero, poco antes de la esperada fecha, pierde la memoria tras un ¿accidente o intento de suicidio? Violeta (Eva Llorach) vive dominada por su conflictiva hija Marta (Natalia de Molina). Cada noche escapa de su realidad imitando a Lila Cassen en el karaoke donde trabaja. Un día Violeta recibe una propuesta: enseñar a Lila Cassen a volver a ser Lila Cassen. La pregunta es, ¿quién es Lila Cassen? Carlos Vermut se confiesa admirador de Ingmar Bergman, Pedro Almodóvar (con cuya productora estuvo en tratos para hacer esta película) y Fassbinder. Quizá habría que añadir a Douglas Sirk, maestro del melodrama. En ésta conecta claramente con Persona (1966), del maestro sueco. Dice el director que cuando se la planteó era una película de fantasmas. Una película de posesiones, de juegos de identidad en el que una mujer era poseída por el espíritu de otra. La historia fue creciendo y evolucionando hasta acabar convirtiéndose casi en una película musical. La esencia de la película es la misma, reconocerse o no en la imagen que se proyecta en los demás, perder el contacto con uno mismo, acabar viviendo arrinconado dentro del personaje creado con el fin de conseguir la aceptación o el amor de los demás. Ser poseídos por el personaje de alguien que no reconocemos. Tanto Lila como Violeta no son capaces de reconocerse en sí mismas, pero se reconocen en el personaje que ha creado la otra y eso las une. Esto es básicamente lo que narra la película. Centrada en estas dos mujeres infelices, acompañadas por la manager de Lila, controladora y, probablemente, celosa y la hija de Violeta, una veinteañera, que es para mi un personaje bastante poco logrado, aparte de su odiosa personalidad. Los límites entre sus respectivas personalidades se difuminan a medida que avanza su relación, y acabará apareciendo una nueva Lila. Un juego de personalidades y posesiones bastante interesante y atractivo. Película con cuatro personajes femeninos fundamentales para su desarrollo, cuenta con cuatro buenas actrices, entre las que destaca sobre todo Eva Llorach, actriz poco conocida pero con una carrera bastante amplia en el cine independiente. Najwa Nimri regresa al cine después de la serie Vis a vis, con un personaje que recuerda sus trabajos con Julio Medem. Carmen Elías y Natalia de Molina tienen personajes menos importantes pero resueltos con calidad como cabe esperar de ellas. La música es de Alberto Iglesias. Me pareció una película muy interesante, un poco pretenciosa por parte de su creador y en la que lamenté que el genero musical al que pertenecen sus canciones no me resulte atractivo.
Hace 5 años una película polaca, en blanco y negro, nos cautivó. Se trataba de Ida, dirigida por Pawel Pawlikowski. Ganadora de numerosos premios, entre ellos el Oscar en lengua no inglesa y candidata al de fotografía, destacaba también por la utilización de la música. El Jazz y Mozart se combinaban en su banda sonora. Y también por su escasa duración, alrededor de 80 minutos en una época en que parece que las dos horas se han convertido en norma. Ahora vuelve a reincidir en la utilización de la música como motor de la acción, el blanco y negro y el formato 4:3.
Polonia a finales de los cuarenta es una nación marcada por la segunda guerra mundial y sometida al régimen comunista. Wiktor es un pianista que forma parte de un grupo de músicos estudiosos del folklore local. Allí conoce a Zula, una cantante con la que inicia una apasionada historia de amor, encuentros y separaciones, que se extiende hasta mediados de los sesenta, moviéndose por distintos escenarios europeos. A través de la música popular polaca, el Jazz y el Rock and roll, la película sigue a la pareja en sus momentos, pocos, de felicidad y, muchos, de desencuentro y separación. Dos personajes que no pueden estar juntos y que no pueden vivir separados. Es una pareja en crisis permanente que sirve para mostrarnos la incompatibilidad de dos formas de entender la vida. Zula se siente incómoda en occidente, necesita volver a sus raíces, aunque eso le suponga abandonar a su amante, que es capaz de sacrificarse volviendo a Polonia donde se verá juzgado por haber huido ilegalmente. Una historia de amor y sentimientos que permite recorrer el desarrollo de los dos bloques en que se dividió Europa en esos años. Triste y desoladora, pero a la vez bella y con un final lleno de poesía. Una gran película.
Dirigida por el sueco Björn Runge que realiza esta película en Inglaterra. Destacar que el guión es de Jane Anderson sobre una novela. Jane Anderson es una actriz, directora, productora y guionista, responsable de una miniserie de TV, Olive Kitteridge, ganadora de un Emmy
Cuando Joe Castleman gana el Premio Nobel de Literatura, todo parece perfecto para él y su mujer Joan, una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta. Pero lo cierto es que Joan lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio. Siempre se ha dicho que detrás de un hombre de éxito hay una gran mujer. La historia que nos cuenta esta película no solo lo ratifica sino que demuestra que la grande del matrimonio es la mujer. Una historia totalmente previsible desde el trayler, que se sostiene por las buenas interpretaciones de Jonathan Pryce y, sobre todo, de Glenn Close que podría conseguir su séptima nominación al Oscar, premio que nunca ha conseguido. Considero innecesarios los flashbacks dedicados a los primeros encuentros de la pareja, el divorcio de Joe y posteriores desencuentros en la tarea de escribir. El único que aporta algo es el encuentro de Joan, incipiente escritora, con una ya consagrada que le aconseja que guarde su talento para ella misma. Las posibles subtramas con su hijo o el escritor de biografías están desaprovechadas. La presencia de los dos protagonistas principales y la posibilidad de que se revele el auténtico papel de Joan en la escritura de Joe es lo único que nos hace seguir la narración con algo de interés. Lo narrado podría reducirse a un corto o mediometraje sin que la historia se resintiese. Como he dicho, las interpretaciones de los protagonistas son lo que justifica su visionado.
Otro director y guionista debutante en el cine español. Jota Linares da el salto tras una carrera como cortometrajista por la que ha recibido numerosos galardones en festivales de todo el mundo. Comenzó en 2010 con el corto 3,2 (lo que hacen las novias), al que le siguieron Ratas,Rubita y ¿A quien te llevarías a una isla desierta?. Animales sin collar está producida por Beatriz Bodegas, a través de su productora La Canica Films que, tras el éxito alcanzado con su anterior película Tarde para la ira, dirigida por Raúl Arévalo, que logró 4 premios Goya, vuelve a apostar por un director novel.
Abel está a punto de ser nombrado nuevo presidente de la Junta de Andalucía, desbancando a los partidos tradicionales. Es un hombre de orígenes humildes que no oculta que tuvo que someterse a una desintoxicación para superar sus adicciones. Nora, su mujer, es su apoyo incondicional pero guarda un secreto, la ayuda económica que le prestó Victor para esa rehabilitación, con dinero de su padre, un cacique corrupto actualmente en prisión por un escándalo económico. Algo que, de conocerse podría truncar la carrera de Abel. Cuando Nora confiesa a su marido la verdad, se da cuenta de que su esposo se muestra más preocupado por su carrera que por todo lo que ella se ha visto obligada a hacer para protegerle. Claramente inspirada en Casa de muñecas, la obra teatral de Ibsen, esta película traslada la situación al entorno político español y, más concretamente, andaluz. Y lo hace con cierta habilidad, desarrollando una intriga que, en palabras de su director, "trata sobre el poder de la mujer para tomar las riendas de su vida, sobre el éxito y el fracaso, sobre la ambición y las segundas (y últimas) oportunidades. Y, en última instancia, sobre las decisiones que tomamos y que lo cambian todo para siempre". El problema es que no consigue dotar de verosimilitud el paso de la intriga política al drama interior de su protagonista femenina, y el exceso de algún personaje como Victor y la poca consistencia de otros. Su mejor baza es la interpretación de Natalia de Molina como Nora. Bien acompañada por el resto del reparto, Daniel Grao, Ignacio Mateos, Natalia Mateo y Borja Luna. Mejor realizada que guionizada, en cualquier caso es una película que se ve con interés
Hace cuatro años, a raiz del estreno de Hermosa juventud, comente la figura de Jaime Rosales, un director que saltó a la fama con su película La soledad al ganar varios Goya en 2007. Caracterizado por su preocupación formal, su forma de rodar y de narrar sus historias, su última película, Petra, se presenta como un claro ejemplo.
Tras morir su madre, Petra decide buscar a su padre, cuya identidad se le ha mantenido en secreto durante toda su vida. Las sospechas la llevarán hasta Jaume, un célebre artista plástico, poderoso y despiadado, con el que entra en contacto a la vez que con su mujer, Marisa y su hijo, Lucas. Una familia en la que se esconden secretos y traiciones del pasado que dan lugar a un cruce de secretos, sentimientos y fatalidades. Una historia melodramática digna de Almodovar, pero tratada y narrada con una personalidad diferente. Rosales estructura la historia en siete capítulos, todos ellos con un título que nos anuncia lo que va a ocurrir y que presenta de forma desordenada. Utilizando largos planos secuencia, con una cámara en continuo movimiento extremadamente pausado y unos encuadres donde tienen gran importancia los espacios vacíos. Un ejercicio de estilo. Barbara Lennie domina la película en el personaje que le da título. Junto a ella un veterano debutante, Joan Botey, que da vida a uno de los personajes más cínicos y repulsivos que podemos imaginar, Marisa Paredes, Alex Brendemülh, Oriol Pla y Carmen Pla. Película muy interesante, girando alrededor de la traición y la tragedia, pero con un camino de esperanza y redención. Con ésta y su anterior película, Jaime Rosales nos muestra que sigue siendo un director a seguir.
Primera película de Celia Rico Clavellino, autora de un corto, Luisa no está en casa, presente en Venecia en 2012. La película estuvo presente en la sección de nuevos realizadores del Festival de San Sebastián donde tuvo una buena acogida y ganó el premio de la juventud
Leonor quiere marcharse de casa, pero no se atreve a decírselo a su madre. Estrella no quiere que se vaya, pero tampoco es capaz de retenerla a su lado. Madre e hija tendrán que afrontar esa nueva etapa de la vida en la que su mundo en común se tambalea. Una historia sencilla narrada con sencillez y sensibilidad. La relación entre una madre y una hija que han visto desaparecer al padre y que ven que llega el momento de separarse, algo que aparece como inevitable. Es ley de vida, llega un dia en que los hijos tienen que dejar el hogar. Una película de sentimientos con unos personajes que parecen reales y sinceros, gracias en gran medida a las interpretaciones de Lola Dueñas y Anna Castillo (y también de Pedro Casablanc). Es interesante recoger la presentación que de la película hace su directora, ya que refleja lo que es y lo que consigue: "Esta historia surge de una sensación física: el confortable calor con el que las faldas de una mesa-camilla me resguardaban del frío. O me aprisionaban. No era fácil salir de aquel brasero. Los hijos siempre se marchan de casa. Al marcharse, se deja un vacío entre las cuatro paredes de una casa que nadie sabe cómo rellenar. Es ahí, en ese lugar, donde quise asomarme para pensar en la relación a distancia entre una madre y una hija. Es una película sobre los lazos familiares que constantemente nos unen y nos separan, nos hacen fuertes y a la vez tan frágiles. Querer bien, sin coartar al otro ni renunciar a uno mismo, quizá sea una de las tareas más difíciles en las relaciones paterno-filiares. Esta película pretende capturar esos momentos delicados de la vida donde el amor se revela en el saber alejarse, en el dejar ir". Una película modesta en presupuesto y en aspiraciones. Pocos personajes, pocas localizaciones. Casi toda transcurre en el interior de un piso donde parece mentira que se haya podido colocar la cámara. Pero que está llamada a ser un fenómeno comparable al de Verano 1993 del año pasado. Muy recomendable
Hace un par de años la película El desconocido nos descubrió a Dani de la Torre, un director que se mostraba con una notable capacidad para el cine de acción. Se ha estrenado ahora su segunda película, La sombra de la ley. Una película de gangsters ambientada en la Barcelona de 1921 que lo primero que ha traído a mi cabeza ha sido la serie El Continental, de TVE, que está pasando con más pena que gloria por la primera cadena. Influye en ello, sin duda, un alto número de coincidencias, desde la presencia de una misma protagonista femenina, Michelle Jenner, hasta un esforzado y a veces brillante trabajo de ambientación, un buen envoltorio para un producto que no da la talla.
Año 1921. España vive un momento de violentos enfrentamientos callejeros entre matones y anarquistas. El gansterismo y los negocios ilegales están instalados en la sociedad. Aníbal Uriarte (Luis Tosar) llega a Barcelona para colaborar con la comisaría local de policía en la detención de los culpables del robo de armas a un tren militar. Aníbal entrará en contacto no sólo con los bajos fondos de la sociedad barcelonesa sino también con el mundo anarquista más radical, dispuesto a todo para conseguir sus objetivos. Allí conocerá a Sara (Michelle Jenner), una joven luchadora y temperamental. Una película de gangsters con un tratamiento que recuerda al cine americano de este género. .Una aproximación a una época convulsa en la historia de España. La Barcelona a la que llega Aníbal Uriarte es una Barcelona con una patronal preocupada por el auge de la CNT, que utiliza una banda de pistoleros manejada por el “Barón” y tolerada por un cuerpo de policía corrupto y torturador enfrentado con otra parte del Cuerpo, legal y ética. Y dentro de la CNT, dos tendencias: la pacífica representada por Salvador, el padre de Sara, y la partidaria de la acción violenta representada por los grupos de acción. Todo esto está claro que tiene una base histórica, aderezada con la situación política nacional, con un Estado preocupado por la situación en Marruecos, el desastre de Annual y el asesinato de Eduardo Dato. Una serie de personajes que pueden identificarse con personajes reales como el Barón Köenning y Antonio Soler, el "mallorquin", el dirigente sindical Salvador Seguí, el jefe de policia Miguel Arlegui,. además del Gobernador militar de Barcelona y posterior Ministro de Gobernación en la Dictadura de Primo de Rivera, Martinez Anido, principalmente conocido por su papel en la dura represión policial del anarquismo en Barcelona a comienzos de la década de 1920 y otros totalmente de ficción. .Una mezcla que no consigue casar adecuadamente dando lugar a una aceptable película de acción que pierde credibilidad cuando se interna en la situación política y, sobre todo, el desarrollo de su trama . No obstante, no hay que pedir fidelidad histórica a una película sino que la trama y los personajes sean creíbles y verosímiles. Y aquí es donde, en mi opinión, falla claramente la película. Nos encontramos con un personaje central demasiado indefinido. Tiene un pasado que no se nos aclara y un presente demasiado ambiguo en sus relaciones con los distintos estamentos. Una heroína anarquista y feminista que se mueve entre las dos tendencias de la CNT. Y un resto de personajes y situaciones que dan la sensación de haber sido vistas en infinidad de ocasiones. Empresarios sin escrúpulos, pistoleros a sueldo, anarquistas enfrentados (los que abogan por el diálogo y los que no ven más opción que la violencia), policía corrupta y violenta, artistas de Music hall, autoridades... Todo ello narrado con superficialidad, con situaciones faltas de lógica, un guión disperso, diálogos que buscan la frase brillante mas que la credibilidad. Muy por encima de la trama queda el aspecto artístico y técnico. Y un amplio y, en general, correcto reparto en el que destacan Manolo Solo y Ernesto Alterio.
El 21 de julio de 1969, Neil Armstrong se convirtió en el primer hombre en poner el pie en la Luna. Desde que en 1962 se había incorporado a la NASA Armstrong había participado directa o indirectamente en todos los programas llevados a cabo con el fin de conseguirlo. En ese proceso vio como algunos programas fracasaban, algunos compañeros fallecían en el intento y tuvo que superar graves peligros en los vuelos de prueba. Muchos años después James Hansen se puso en contacto con él para que le autorizara a contar su historia. "Tardé unos dos años en convencerle", recuerda. "La familia de Neil estaba totalmente de acuerdo en que se escribiera una biografía". Autorizado finalmente, vio la luz First Man: The Life of Neil A. Armstrong, en el que se basa la película que comento. Está dirigida por Damien Chazelle, director de Whiplash y de La, la land.
Cuenta la historia del programa espacial de la NASA en la carrera con Rusia por conseguir llevar al primer hombre a la Luna, centrada en Neil Armstrong (Ryan Gosling) y el periodo comprendido entre los años 1961 y 1969, el que va desde la pérdida de su hija por un tumor cerebral a la llegada a la Luna. Un relato que explora los riesgos que corrieron los astronautas y el costo que supuso para ellos y sus familias. Aunque no lo consigue del todo, la película parece huir de la épica y centrarse más en el aspecto personal de Armstrong, sacrificando la emoción y el espectáculo. Asistimos a los fracasos de algunas de las misiones, a los peligros resueltos por la habilidad del piloto que incluso ve cuestionada su actuación en el primer acoplamiento espacial. Las dudas de su familia (atractiva la figura de su esposa - Claire Foy, la reina Isabel de The crown, que es capaz de enfrentarse a a la agencia y a su marido). Todo está contado con la calidad que cabe esperar de una producción de este tipo. Pero yo eché en falta un poco de emoción. La narración no consiguió transmitirme el peligro de estas misiones. Sin duda influye el hecho de que todos sabemos lo que ocurrió, hemos podido ver el momento real del desembarco en nuestro satélite y sabemos que la misión fue un éxito, pero cabía pedirle a la narración una mayor sensación de peligro. Por lo demás la película es interesante aunque quizá demasiado impersonal por parte de un director que en sus películas anteriores si dejó huella de su personalidad..
Se trata de la cuarta versión de este título, que a su vez ya fue nueva versión de Hollywood al desnudo, película dirigida por George Cukor en 1932, a partir de un cuento de Adela Rogers cuyo guión fue candidato al Oscar en la categoría de guion original. William A. Wellman en 1937 (7 candidaturas al Oscar y ganadora como mejor guion original), el propio George Cukor en 1954 ( 6 candidaturas), Frank Pierson en 1973 (4 candidaturas) fueron los directores de las versiones posteriores. Los personajes principales han ido evolucionando. Así en las dos primeras ella es una aspirante a actriz, mientras que en el resto de las versiones es cantante. Judy Garland, Barbra Streisand precedieron a Lady Gaga en el papel. Por la parte masculina, era director en la original, actor en las dos siguientes y cantante de rock en las dos últimas. Fredric March, James Mason y Kris Kristofferson precedieron a Bradley Cooper.
Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella del rock, consagrada pero en decadencia, que descubre y se enamora de Ally (Lady Gaga), una joven cantante que lucha por salir adelante, justo cuando Ally está a punto de abandonar su sueño. Jack decide ayudarla en su carrera hacia la fama. La felicidad de la pareja se ve empañada por el declive de él, su caída en el alcohol y las drogas y el rápido ascenso al estrellato de ella.
Bien dirigida por el propio Bradley Cooper sobre un guión en el que se nota la mano de Eric Roth, ganador de un Oscar por Forrest Gump, es una película de una gran eficacia y solidez. Aunque la historia que nos cuenta es conocida y todo lo que ocurre no puede sorprendernos, lo cierto es que, sobre todo en la primera mitad, nos interesa y consigue nuestra atención. Después pierde algo de interés. La decadencia del protagonista y el ascenso de ella son un tanto tópicos y podrían haberse abreviado hasta llegar al emotivo desenlace. Tanto Lady Gaga como Bradley Cooper están muy convincentes tanto actuando como cantando una banda sonora que incluye una canción a la que difícilmente se le escapará el Oscar. Unos premios en los que, siguiendo la tradición de sus antecesoras, optara en varias categorías. La verdad es que me gustó. un producto clásico de Hollywood, bien realizado. .
Una comedia negra bastante insulsa. Está dirigida por Gracia Querejeta, la directora de películas casi siempre interesantes entre las que destaco Héctor y, sobre todo, Siete mesas de billar francés. Su película más reciente era Felices 140 que comenté en su momento. Ya en ésta parecía decantarse por la comedia negra como género, no obstante Ola de crímenes, va mucho más allá. Se nota la mano del guionista, Luis Marías, autor del guión de las dos primeras películas de Enrique Urbizu, Tu novia está loca y Todo por la pasta. El recuerdo que tengo de esta última podría enlazar con la que comento.
Leyre (MAribel Verdú) es un ama de casa divorciada, que vive de forma acomodada con su hijo. Cuando éste, en un arrebato, mata a su padre, ella trata de ocultarlo lo que desata una caótica ola de crímenes en la ciudad de Bilbao, en la que acaban involucradas la nueva pareja del difunto (Paula Echevarría), su abogada ( Juana Acosta), dos policias autonómicos, una empresa de mudanzas y un taxista.
Una trama que pretende ser ingeniosa pero que por culpa del guion y una realización ineficaces se queda en una torpe parodia. Con un reparto de figuras desaprovechado, con unas situaciones poco afortunadas y, algunos diálogos sin chispa y nada ocurrentes. Un juego de convertir algunos personajes masculinos tópicos en femeninos, pero sin éxito, en un, quizá, guiño feminista. Como curiosidad, en la película debuta como actor Miguel Bernardeau, hijo de Belén Rueda. Sinceramente, una gran decepción viniendo de una directora como Gracia Querejeta.
El capitán es una multicoproducción europea que se basa en un hecho real sucedido en la 2ª guerra mundial. Está dirigida por Robert Schwentke sobre su propio guion. Se trata de un director alemán, que ha desarrollado su carrera también en USA, con bastantes películas poco distinguidas en las que destacan algunas de la serie Divergente, que desconozco. El capitán, en blanco y negro, consiguió el premio a la mejor fotografía en el festival de San Sebastián en 2017
En los últimos momentos de la II Guerra Mundial, un joven soldado desertor, perseguido y hambriento, encuentra casualmente el uniforme de un capitán nazi. Haciéndose pasar por oficial, reúne a un grupo de desertores y comienza a matar y saquear a su paso, sembrando el horror entre la población, asumiendo la monstruosa identidad de aquellos de los que trata de escapar. Una nueva aproximación al horror nazi, ahora a través de la transformación que experimenta un joven desertor cuando se puede hacer pasar por oficial. Lo que podría suponer la salvación se transforma en una actuación tanto o más cruel que la de aquellos de los que huye. Su llegada a un campo de prisioneros desencadena una sucesión de violentas ejecuciones de otros desertores como él. Su nueva personalidad le permite actuar con impunidad en un proceso de degradación moral que se dirige contra los inocentes, no contra los responsables de la barbarie. Lo peor es que se trata de un caso real y que acabó con ciento setenta vidas. Y lo que vemos es como un psicópata puede en un momento determinado, si se dan las circunstancias favorables, manifestarse en toda su plenitud. Y lo sencillo que le resulta encontrar cómplices. Una historia brutal e incómoda que resulta demasiado desagradable, pese a que el blanco y negro nos ahorra la visión de la orgía de sangre en que desembocan sus acciones. Pero que por otra parte nos muestra lo sencillo que resulta para el ser humano cometer los actos más terribles... y justificarlos.
El reverendo está dirigida por Paul Schrader quien fue conocido por ser el autor del guion de Taxi driver (Martin Scorsese, 1975), lo que le abrió las puertas a la dirección. Entre otros guiones, destaca su colaboración con el propio Scorsese en Toro salvaje y La última tentación de Cristo. Su trabajo como director ha tenido menos repercusión y en su carrera destacan sus primeros títulos, Blue collar, Hardcore, American gigolo y El beso de la pantera. La religión, las difíciles relaciones familiares y sentimentales, una sociedad manipulada y sin esperanza, los personajes autodestructivos y de complicada psicologia, apasionados e intensos, son algunos de los temas recurrentes en su filmografía.
El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke) es un párroco solitario de una pequeña iglesia en el estado de Nueva York que está a punto de celebrar su 250 aniversario, convertida casi en una atracción turística, ya que está un tanto eclipsada por su iglesia matriz cercana y sus instalaciones de vanguardia. Cuando una feligresa embarazada le pide al reverendo que aconseje a su marido, un ecologista radical, Toller se sumerge en su atormentado pasado y se encuentra a sí mismo cuestionando su futuro y el paradero de la redención. Con claras referencias a clásicos de Robert Bresson, Ingmar Bergman y Carl T. Dreyer y con un formato de 4:3, poco habitual, Schrader nos cuenta una historia dura sobre la opresión a la que se ve sometido su personaje, un pastor marcado por la muerte de su hijo en Irak, al que el encuentro con un activista radical y su esposa le atormenta con una visión de un mundo en el que no hay síntomas de cambio ni refugio para la esperanza. Algo bastante habitual en el cine de este director. La trama mezcla temas generales como el futuro del planeta, el terrorismo, la mercantilización de la religión, con la desesperación y la soledad espiritual. Todo ello rodado de forma pausada, fría, sin música ni, apenas, efectos. Solo un personaje que ha perdido a su hijo, su fe y sus convicciones.
Destaca la presencia continua de Ethan Hawke, convincente en su angustiado personaje, y la de Amanda Seyfried, que rodó estando embarazada. Película interesante, cargada de ideología nihilista, pero que puede resultar abrumadora
Dirigida por Rodrigo Sorogoyen, de quien hemos visto Stockholm y Que Dios nos perdone (para mi la mejor película española de 2016), además de un excelente corto, Madre, que parece va a desarrollar en su próximo proyecto. El reino es una coproducción con Francia y desarrolla una trama de intriga y corrupción en un partido político español, que no identifica. Presentada en el Festival de San Sebastián con notable éxito y críticas favorables, ha quedado, sin embargo, fuera del palmarés del festival.
Manuel (Antonio de la Torre), un alto cargo autonómico de un partido político, ve como sus aspiraciones, su vida y su familia se desmoronan cuando se descubre una trama de corrupción en la que está implicado. El partido se desentiende del escándalo, pero Manuel no se resigna a ser el único que cae.
La corrupción en la política española (y mundial) está, desgraciadamente, de actualidad. Basándose en algunos de los diferentes casos abiertos aquí, Sorogoyen y su habitual colaboradora en los guiones, Isabel Peña, han urdido una trama con claras referencias pero que no cita a ningún partido concreto. En ella nos muestra la trastienda de un partido político, las relaciones entre sus miembros, sus odios y afinidades. Para ello se centra en un personaje que, cuando sale a la luz un caso de corrupción que salpica a un amigo y compañero de partido, desobedece las directrices del partido y trata de encubrirlo, pero entonces es él en que se ve implicado como la cabeza de la red de corrupción y ve como la cúpula del partido y sus compañeros le abandonan a su suerte. Pero realmente él sólo es un corrupto más, y al verse abandonado por el partido decide tirar de la manta. La historia está bien narrada, con muy buen ritmo. Puede parecer algo confusa en los primeros momentos, con la presentación de los diferentes personajes. La introducción de la periodista (Barbara Lennie), personaje clave en el desenlace de la narración, me pareció un tanto forzada. Hay un momento de la historia, cuando se empieza a desarrollar la intriga que podríamos denominar criminal, donde el protagonista, acorralado y traicionado actúa de forma que me pareció un tanto fuera de foco dentro de la narración, pero sin embargo da lugar a los mejores momentos cinematográficos, con un notable plano secuencia. La escena final, clave, abre un campo de esperanza. Quizá todavía se puede confiar en la honestidad de algunas personas, como la periodista. Antonio de la Torre es un excelente protagonista, bien acompañado por el resto del reparto. Claro candidato, una vez más a los Goya. Una película tan interesante como notable, que trata de un tema actual y candente y que consigue atrapar al espectador. Me gustó más la realización que el guion, pese a lo trabajado y bien asesorado que se muestra.
