CINE-- LAS HIJAS DE ABRIL

Película mejicana del director Michel Franco, que recibió por ella el premio del jurado en el festival de Cannes, dentro dela sección "Un certain regard ", festival en el que siempre han sido premiadas otras películas suyas como " Después de Lucía", que afrontaba el acoso escolar, y "Chronic: el último paciente" que iba de enfermos terminales y eutanasia, director pues interesado en temas realistas y controvertidos
.

 

En las hijas de Abril, nos introduce en las vidas de Abril ( Emma Suárez ) y sus dos hijas Valeria (Ana Valeria Becerril) y Clara (Joanna Larequi). Abril vuelve a Puerto Vallarta desde España, alertada por su hija Clara , de que Valeria de 17 años está embarazada; a su llegada se muestra comprensiva y ante la negativa de ayuda por parte del padre del muchacho y del padre de Valeria, se hace cargo de la situación, se muestra cariñosa y solicita e incluso hace planes de futuro.
Con el nacimiento de la niña, como era previsible, la situación se complica pues los dos jóvenes quedan pronto sobrepasados por la responsabilidad, Abril toma una serie de decisiones drásticas y hasta cierto punto discutibles ; a partir de ellas asistimos a una extraña mutación, Abril pasa de ser esa madre comprensiva a ser una madre dominante que se resiste a envejecer y se comporta como una adolescente rival de su propia hija, Valeria en cambio sufre un proceso de maduración, abandona su indolencia, toma las riendas y asume plenamente la maternidad.
La película ,sin ser una maravilla,me ha resultado interesante pese a algunas premeditadas lagunas de guión, y la poca consistencia de algunos personajes secundarios. Michel Franco no quiere tomar partido sobre los
comportamientos de los personajes, no desvela casi nada del pasado y eso lleva a que a veces resulten poco comprensibles.
En el capítulo interpretativo, de los jóvenes destaca Ana Varelia Becerril y brilla con una actuación impecable Emma Suárez, solo por ella se justifica la visión de la película, aunque empieza a correr el riesgo de encasillarse en el papel de madre sufriente, recordemos sus dos interpretaciones anteriores Julieta de Pedro Almodóvar y ,para mí , la mejor de las tres "La próxima piel" de Isaki Lacuesta película muy intresante y poco valorada.

Cine: MORIR

Hace cuatro años, una película, La herida, nos presentaba a un nuevo director, Fernando Franco y, sobre todo, consagraba a una actriz, poco conocida pero con una carrera en cine y TV, Marian Alvárez, que consiguió por su papel el premio a mejor actriz en San Sebastián y los Goya. Desde entonces la hemos visto en algunos papeles destacados como en Felices 140 o en Teresa (de TVE). Por su parte Franco ganó el Goya al mejor director novel.

Después de La herida, Fernando Franco ha seguido su carrera como montador en la que lleva ya quince años y donde cuenta con una de las mejores películas del año pasado, Que Dios nos perdone. Y ahora nos ofrece su segunda película, donde repite como autor del guión, junto con Coral Cruz, que ha trabajado también en otra de las películas destacadas del año, Incierta gloria.

Marta y Luis están de vacaciones en una casa junto al mar, pero cuando Marta habla de las próximas vacaciones, Luis no puede evitar confesarle que mintió sobre el resultado de las pruebas médicas que se realizó y que le queda poco tiempo de vida. A partir de ese momento, Marta pide la excedencia en su trabajo y los dos vivirán aislados mientras su relación de pareja se irá deteriorando.

Un tema duro, difícil de tratar. Que nos puede remitir tanto a Love Story (Arthur Hiller, 1970) como a Amor (Michael Haneke, 2012) o incluso a Proyecto Lázaro (Mateo Gil, 2016). Franco se centra sobre todo en el personaje de Marta, a la que como en La herida, da vida Marian Alvárez. Asistimos a los diferentes sentimientos que les genera la situación. La idea de luchar contra la enfermedad, la resignación, la desesperación, el echar de menos su trabajo, el intento de huir, el tratar de disfrutar de los últimos momentos... La degradación física y sentimental, la generosidad y el egoísmo a la vez de la pareja que nos va siendo mostrada hasta llegar al desenlace, en un guión bien construido, que no cae en el sentimentalismo ni en el morbo. Y todo ello servido con la ayuda de de dos actores totalmente involucrados en sus personajes. Marián Álvarez y Andrés Gertrudix, actor poco conocido pero veterano, pareja en la vida real (tuvieron que aplazar el rodaje por el nacimiento de su hija) son Marta y Luis. Sobre todo Marián, que esta inmensa. Va a ser difícil que se le escape el Goya.

Película dura sobre un tema difícil. Pero buen cine. 

Cine: CANCIÓN DE NUEVA YORK

Hace unos cuantos años una película del entonces debutante Marc Webb consiguió llamar la atención. Se trataba de 500 dias juntos, una película joven que trataba del eterno tema de chico encuentra chica con cierta originalidad. Esa película y algunos episodios de series televisivas le llevaron a dirigir dos películas de la saga de Spiderman y, estrenada recientemente, Un don excepcional, que no he visto.  Con canción de Nueva York parece querer acercarse a sus orígenes. Una historia romántica con características un tanto especiales.

Thomas, un joven neoyorkino (Callum Turner), un tanto desorientado, descubre que su padre (Pierce Brosnan) está teniendo una aventura con una atractiva joven (Kate Beckinsale). Tratando de acabar con esa relación para proteger a su madre, acabará involucrado sentimentalmente con ella, mientras su nuevo vecino, un curioso escritor (Jeff Bridges) trata de ser su mentor. 

Una historia sobre amor y desamor, de educación sentimental de jóvenes desorientados y adultos tan desorientados como ellos. Con muchas raíces reconocibles, desde Woody Allen hasta El graduado a la que rinde homenaje con el apellido del protagonista, Webb, por Charles Webb, autor de la novela en la que se basó la película de Mike Nichols y que también es el apellido del director.

La película nos presenta las relaciones de Thomas con los diferentes personajes de la historia. Con Mimí, una amiga con la que le gustaría llegar a más, con su padre, un escritor frustrado convertido en editor de éxito, con su madre, que también arrastra su frustración, con la novia de su padre y con el vecino. De esta serie de relaciones vamos conociendo muchos detalles de la vida de Thomas y de su entorno, mientras le acompañamos en su desorientación y sus descubrimientos. Todo ello contado con cierto humor, lo que la convierte en una comedia agradable con un cierto regusto dramático.

En el reparto destaca Jeff Bridges aunque me da la sensación de que, quizá por ser productor de la película, se le ha dejado demasiado suelto y sobreactúa en algunos momentos. El resto cumple adecuadamente. 

En conjunto me resultó agradable y agradecí que, en unos momentos en que en las películas parece que nadie se atreva a prescindir de metraje innecesario,  su duración no llegara a los noventa minutos.

Cine: LA SUERTE DE LOS LOGAN

A veces se estrenan películas sin grandes alardes publicitarios, llenas de nombres importantes pero sin el tirón imprescindible para atraer al público. La suerte de los Logan es una de esas. 
Dirigida por Steven Soderbergh, un director que ha visto como alguna de sus películas ha ganado premios tan importantes como la Palma de oro en Cannes, y han obtenido varias nominaciones al Oscar, ganando incluso la de mejor director por Traffic y que, sin embargo, no figura a la altura de otros más publicitados. Desde que ganara la Palma de oro con Sexo, mentiras y cintas de video, la carrera de Soderbergh cuenta con una treintena de títulos. Erin Brockovich (por la que Julia Roberts ganó el Oscar a mejor actriz, sobre cinco nominaciones), Traffic (Oscar al mejor actor secundario con cinco nominaciones), Ocean's eleven y sus dos secuelas, El buen alemán, Che, Contagio y la serie de TV The Knick son los mas destacados de sus trabajos, en muchos de los que, además, ha ejercido como guionista y director de fotografía.

Los hermanos Logan parece que sufren una maldición familiar. Jimmy (Channing Tatum) está desempleado y divorciado. Clyde (Adam Driver) tampoco pasa por un buen momento, perdió un brazo en la guerra de Irak, y  ahora trabaja de camarero.  Junto con su hermana Mellie (Riley Keough), una peluquera obsesionada con los coches, emprenderán un complicado plan para atracar el circuito del Charlotte Motor Speedway. Para llevarlo a cabo tendrán que buscar ayuda externa, y ahí entrará en juego el excéntrico experto Joe Bang (Daniel Craig). 

Película de acción con un elevado componente de comedia. Entra dentro de la categoría de películas de atraco perfecto pero está narrada con mucha agilidad, con buenos personajes, bien diseñados y bastante humor. Lejos de los cauces más habituales, donde el plan acaba fallando o se produce la traición de alguno de los miembros del grupo. Aquí se sigue más el esquema de Ocean's eleven (o La cuadrilla de los once, de la que Ocean' era un remake), pero sin un antagonista. Un guión ingenioso de la debutante Rebecca Blunt.

Tengo que destacar que me gustaron y me sorprendieron los dos actores principales, y el reparto en su conjunto.

Un buen entretenimiento con el que pasé un rato agradable.

Cine: BLADE RUNNER 2049

En 1982 se estrenaba Blade runner, una historia de cine negro situada en un ambiente de ciencia ficción. Aunque no fue un éxito de público sí ha conseguido la calificación de película de culto, ese término un tanto indefinido en el que se agrupan "títulos a las que se les profesa gran admiración por parte de un grupo específico y numeroso de personas". A menudo son filmes ignorados en su estreno y posteriormente reivindicados por crítica y/o público. La dirigía Ridley Scott, ese director capaz de hacer grandes películas y, sobre todo, grandes decepciones.

Como se recordará, en Blade runner Harrison Ford es un policía encargado de buscar y "desactivar" (eliminar) a un grupo de androides (replicantes) rebeldes. Unos replicantes que cada vez se van pareciendo más a sus creadores humanos, tanto físicamente como en su capacidad de sentir y soñar. 

Ahora nos llega una continuación, situada treinta años después, dirigida por Denis Villeneuve, un director del que me he ocupado en varias ocasiones en el blog, cuya presencia hace esperar siempre películas algo más que interesantes.

El agente K (Ryan Gosling), un caza-replicantes del Departamento de Policía de Los Ángeles, descubre un secreto que ha estado enterrado durante mucho tiempo y que tiene el potencial de llevar al caos a lo que queda de una sociedad cada vez más decadente. Su investigación le conducirá a la búsqueda del personaje principal de la película original, Rick Deckard (Harrison Ford), que lleva treinta años desaparecido. 

Aunque creo que las películas deben ser comentadas al margen de que existan otras versiones anteriores, resulta inevitable en este caso referirse al primer Blade runner. Si la gran virtud de la película original era su extraordinario diseño artístico esta continuación no solo no le va a la zaga sino que en mi opinión, la supera. La fotografia de Roger Deakins, un director de fotografía que ha sido nominado al Oscar en trece ocasiones, que no ha ganado nunca y que suele trabajar con Sam Mendes, los hermanos Cohen y el propio Villeneuve, es extraordinaria. Creo que el diseño artístico es el gran valor de esta película.

No tan extraordinaria es la historia, una clásica narración de cine negro con un investigador que va desenredando una embrollada historia en la que descubre muchas cosas que no le gustan. Con una menor profundidad reflexiva sobre la vida, la muerte, la existencia y los sentimientos que la primera, aunque tampoco ésta fuera un tratado filosófico. 

Y puestos a echar de menos, hay que decir que, mientras la primera se desenvolvía en medio de una sociedad, bajando a la calle donde veíamos a la gente como un enjambre, aquí, prácticamente, no hay nada de eso. Y era algo que contribuía a crear el clima de la película.

El reparto recupera a Harrison Ford en su papel de la primera y cuenta con Ryan Gosling como protagonista absoluto. Destacar la presencia de Jared Leto (ganador del Oscar al mejor secundario por Dallas buyers club) y Ana de Armas, actriz cubana popular en España por su presencia en cine y TV (Hispania y El internado).

En cualquier caso se trata de una película imprescindible para los amantes de Blade runner y muy destacada para cualquier aficionado al cine. Aunque su duración, excesiva en mi opinión, pueda echar para atrás a los espectadores. Y eso sí, hay que verla en pantalla grande. Una gran candidata a los Oscar llamados "técnicos" y quizá alguno de los otros.

Cine: LA LLAMADA

En enero de 2014 comenté en el blog una comedia que se representaba en el Teatro Lara y que había constituido un gran éxito, hasta el punto de que aun se sigue representando, La llamada. Una comedia fresca, original, con canciones y un punto de trasgresión, "ma non troppo".

Sus autores, Javier Ambrossi y Javier Calvo han dirigido esta adaptación al cine, una adaptación que conserva gran parte de las virtudes de la obra teatral original, sobre todo las cuatro intérpretes principales. Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo. Y también al Dios cantante, Richard Collins-Moore. 

Campamento cristiano "La Brújula". Un lugar aislado, rodeado de naturaleza. María (Macarena García) y Susana (Anna Castillo) son dos jóvenes que pasan allí el verano. Pero las chicas quieren divertirse, aman la fiesta y el electro latino, componen un dúo, "Suma latina" y por la noche se escapan por las discotecas cercanas, intentando que las hermanas Bernarda (Gracia Olayo) y Milagros (Belén Cuesta) no descubran sus salidas. Pero una noche, a María se le aparece el mismísimo Dios (Richard Collins-Moore), que tratará de cautivarla con música de Whitney Houston. entonces todo cambia para ella y su amiga Susana también experimentará una revelación. 

Diversificando escenarios, con la utilización de algunos exteriores y la incorporación de un par de secundarios y algunos extras, los directores, creadores de la comedia original, nos ofrecen una película ágil, bien narrada, donde la clave sigue siendo la peripecia central de María y Susana con el contrapunto de las dos monjas, Bernarda y Milagros. Pero a mi me pareció menos fresca, mas elaborada que el recuerdo que tengo de la representación teatral. Aparte de que la presencia de Dios, que aparece cual vedette sobre una escalera, que era un buen recurso en el teatro, aquí parece evidenciar alguna carencia, no sé si de presupuesto o de imaginación. 

La gran baza de la película es la naturalidad de sus cuatro actrices. Sobre todo Anna Castillo, a la que no vi en el teatro y que aquí muestra como ha crecido como actriz desde su presencia en "El olivo". 

Una película que, con seguridad, estará con bastantes nominaciones en la entrega de los Premios Goya. Muy entretenida y agradable.

Teatro: LOS UNIVERSOS PARALELOS

En el Teatro Español de Madrid he visto Los universos paralelos. Es una obra original de David Lindsay-Abaire  que esta considerado uno de los autores mas interesantes de los últimos años. Esta obra ganó el Premio Pulitzer de teatro en 2005. El titulo original es Rabbit hole (La madriguera) y existe una versión cinematográfica con Nicole Kidman, Aaron Eckhart y Dianne West, Los secretos del corazón (2010). Sus obras nos hablan de gente normal a los que podríamos reconocer entre nuestros familiares y conocidos. Todas sus obras están  tratadas con humor y una puerta abierta a la esperanza. 

De él hemos podido ver Buena gente, comentada en este blog hace algo más de dos años y de la que no tengo muy buen recuerdo. Dirigió ese montaje, al igual que el que ahora comento, David Serrano, guionista y director cinematográfico que está siendo responsable de algunos éxitos teatrales últimamente. En esta ocasión es también autor de la adaptación, con excelente resultado.

Patricia y Alberto, un matrimonio acomodado, intentan reconducir su vida tras la muerte de su hijo pequeño, atropellado al correr tras su perro en la puerta de su casa.  Hace tan solo ocho meses eran una familia feliz; ahora se encuentran inmersos en un laberinto de recuerdos, añoranzas y culpabilidades del que les resulta casi imposible salir. Uno quiere mantener vivo el recuerdo del niño, con su habitación llena de robots, sus juguetes preferidos; otra cree que lo mejor es quitar sus dibujos pegados en la nevera, o recoger la ropa de su dormitorio. Pero los dos intentan librarse de su dolor. Un dolor que, como dice un personaje de la obra, a veces parece que desaparece, pero siempre vuelve. Solo cambia.

Lo que podía ser una tragedia o al menos un melodrama, se mantiene en un difícil equilibrio entre el drama y la comedia gracias a la habilidad del autor, con unos diálogos ágiles, ingeniosos en ocasiones, bien construidos y muy bien interpretados y una notable puesta en escena. La obra nos va introduciendo de forma insospechada mediante un diálogo entre  Patricia y su hermana, lleno de humor, en el drama de la pareja. 

Mención especial merecen los intérpretes. Se dice que el autor es especialmente hábil en la creación de los personajes femeninos. En esta obra se puede comprobar. Creo que nunca me había gustado tanto Malena Alterio, a la que ya he visto en bastantes ocasiones, como en este personaje. Belén Cuesta es Lucía, su hermana, un personaje lleno de frescura y confusión y también de humor, que me da la sensación de que ha sido más desarrollado por David Serrado en la versión española. A esta actriz la recuerdo de La llamada donde ya me llamó la atención. Después varios papeles en el cine. Aquí está muy bien, dotando de naturalidad y bien hacer a su personaje. Carmen Balagué es popular por su presencia en series de TV. Aquí es Lola, la madre de Patricia y Lucía. Otro buen personaje al que interpreta perfectamente, dotándole de especial humanidad. Daniel Grao es Alberto. Un personaje menos agradecido que los femeninos. Me gustó mucho este actor en La piedra oscura, luego no tanto en algunas películas (Julieta) y nada en una serie de TV. Aquí sí me ha gustado. Por último, Itzan Escamilla en un papel secundario pero con dos escenas bien interpretadas.

Muy recomendable.

Cine: MADRE !

Una extraña y polémica película dirigida por Darren Aronofsky sobre su propio guion. Aronofsky es el director de títulos como Noé y El cisne negro que he visto y, la primera, comentado en el blog, y otros como Requiem por un sueño, La fuente de la vida y El luchador, que no he visto. Su visión de Noé y el diluvio me pareció un sin sentido, en cambio El cisne negro resultó, por lo menos, interesante. En cualquier caso no es un director que me atraiga. No obstante la polémica montada alrededor de Madre! me llevó a verla.

Madre! nos presenta a una pareja instalada en una gran y aislada mansión en el campo para que él, un poeta maduro en horas bajas (Javier Bardem), encuentre la inspiración de nuevo mientras ella (Jennifer Lawrence), se centra en rehabilitar el edificio. La llegada de un extraño (Ed Harris), la de su esposa  (Michelle Pfeiffer) al dia siguiente y, posteriormente los dos hijos de esta pareja, perturba su vida y su relación por completo. Pero también conseguirá que el poeta recupere la inspiración.

Realmente esta sinopsis no ayuda nada a la hora de ver la película. Porque Madre! es una alegoría bastante poco comprensible y no puede ser vista como una historia convencional. De acuerdo con los planteamientos del director y creador de la historia, el hombre sería Dios o el creador y la mujer y la casa, la tierra o la madre naturaleza, que los hombres ponemos en peligro, en realidad destrozamos literalmente, con nuestra actuación. Una visión ecologista quizá. Pero, además, la pareja que llega a su casa son Adán y Eva, sus hijos, Cain y Abel y, ya puestos, el fruto del embarazo de ella, podría ser Jesucristo, sacrificado y devorado por los humanos en una analogía de la Eucaristía. 

Todo esto, que suena bastante confuso, realmente lo es, pero hay que reconocer que está contado con una extraordinaria riqueza visual e imaginativa, lo que no impide que todo sea confuso e irracional. Está claro que Aranofsky no pretende, en absoluto, contentar al espectador ni contarle una historia racional. Pero también que, al menos en mi caso, esa falta de racionalidad hizo que no conectase en absoluto con la película, que además es bastante desagradable en su última parte. ¿Surrealismo? Puede.

Destacar la utilización de la cámara que sigue en permanente primer plano a Jennifer Lawrence durante gran parte de la película y las presencias de esta actriz y de Javier Bardem, excelentes ambos. 

Teatro: ENSAYO

Hace un año saludé desde este blog la aparición de un nuevo proyecto teatral, Teatro Kamikaze, un proyecto, ya una realidad, que acaba de ser refrendado con el Premio Nacional de teatro.  El jurado ha concedido este galardón al Teatro Kamikaze “por la puesta en marcha de un proyecto colectivo en el que se desarrollan con excelencia las diversas ramas de la creación escénica: dirección, dramaturgia, producción e interpretación”.

El jurado también ha querido resaltar “la valentí­a de sus propuestas y la adhesión de un público fiel que respalda este proyecto único en el panorama actual de nuestro teatro. Con una gran variedad de actividades: lecturas, ensayos, conferencias, formación y educación, tertulias, y una programación de calidad que mezcla obras propias y externas -nacionales y extranjeras-, el Teatro Kamikaze ofrece un teatro de calidad para todos los públicos“.

A lo largo de este año el Teatro Kamikaze ha presentado numerosas y variadas propuestas. El jurado destaca que por los escenarios del Teatro Kamikaze han pasado La función por hacer, Juicio a una zorra, Misántropo, Antígona o Hamlet -ésta última en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico-, todos ellas comentadas en el blog, en su presentación anterior en otros escenarios. Pero también ha presentado proyectos nuevos. De algunos de ellos he dejado constancia en el blog.

 Miguel del Arco, Israel Elejalde, responsables de la dirección artística y Aitor Tejada y Jordi Buxó, responsables de la gestión 

Una de las primeras propuestas para esta temporada ha sido la obra de Pascal Rambert, Ensayo. Pascal Rambert, autor y director de Ensayo, está considerado una de las figuras más brillantes del teatro contemporáneo europeo. Su trabajo se distingue por un compromiso con las últimas corrientes de las artes escénicas: autores contemporáneos, actores y actrices, bailarines, cuerpos y voces. Su teatro pretende ser un reflejo agudo y mordaz de la vida, de las complejas relaciones humanas entre hombres, mujeres, amigos, amores y compañeros de trabajo. 

De este autor pudimos ver, hace un par de años, La clausura del amor,  dos monólogos sobre la ruptura de una pareja donde destacaba la interpretación de Bárbara Lennie e Israel Elejalde sobre un texto demasiado literario y una puesta en escena poco convencional. La comenté en su momento. Ahora nos presenta una obra que sigue un esquema similar. Dos actrices, el autor y el director toman la palabra sucesivamente. Cuatro monólogos. En esta ocasión no es solamente el amor y la separación, si no, sobre todo, el lenguaje, la escritura y la creación. Y en el centro el ser humano.

Cuatro amigos –dos parejas– se citan para ensayar una nueva obra. Una obra que también tiene estructura cuadrangular. Trabajan juntos desde hace tiempo, tienen un pasado lleno de vivencias y de deseos que les une, les confiere una identidad.  Pero este pequeño grupo explota ante nosotros. En un momento, Fernanda se da cuenta de una mirada entre Jesús y María. A partir de ahí el autor establece un proceso implacable, activado por la primera que toma la palabra y que hará estallar su unión. 

Al igual que ocurría en La clausura del amor asistimos a distintas exposiciones sobre un tema común, exposiciones que van ampliando nuestra visión de conjunto del conflicto. Y al igual que entonces, el exceso de contenido de los monólogos no nos deja percibirlo en su totalidad.  Es cierto que en esta ocasión existe una mayor interacción entre los personajes, mayor gestualidad (en ocasiones hasta excesiva), pero en cualquier caso me parecen textos más para ser leídos que declamados, con lo que el título de la obra, Ensayo, podría no referirse exclusivamente a lo que constituye su escenario, una sala de ensayo, sino a su contenido, más propio de un ensayo literario que de una representación teatral.

Mención especial para los intérpretes. A Fernanda Orazi le corresponde abrir el fuego. A mi modo de ver con una sobrecarga de gestos y de energía que en ocasiones hacen que se pierda el texto. Más ajustada me pareció María Morales en su turno. Quizá su texto sea más agradecido o se beneficia de la intensidad del primero. Jesús Noguero, el autor de la obra que se supone están ensayando mantiene el tono ajustado, racional. Y por último Israel Elejalde, el director, que nos transmite lo que debería ser la tesis final de la obra , no consiguió transmitírmela totalmente, pese a sus esfuerzos y su buen hacer, por otra parte habitual en este actor.

En resumen, un espectáculo poco convencional pero interesante, en el marco del Teatro Kamikaze.

Cine: LA CORDILLERA

Película argentina, en coproducción con España y Francia, con guión y dirección de Santiago Mitre. De este director recuerdo haber visto hace dos años Paulina, que comenté en el blog. Está protagonizada por Ricardo Darín al que acompaña un nutrido reparto de destacados actores y actrices hispanoamericanos.

El presidente de Argentina, Hernán Blanco (Ricardo Darín) es un hombre común, o al menos así se presenta. Lleva pocos meses en el poder  y asiste a una cumbre de países latinoamericanos que ultiman los detalles para crear una alianza petrolera con Brasil presionando por llevarse la mejor parte del acuerdo.  A la vez, la sombra de un posible caso de corrupción destapado por su yerno, planea sobre su gobierno, lo que dará lugar a la presencia de su hija en el hotel donde se desarrolla la cumbre, aislado en plena cordillera de los Andes.  

Una historia que no se acaba de definir. Una intriga política, un drama familiar, una intriga psicológica. Todo para mostrarnos como el "hombre común" que ha llegado a presidente de la nación, ni es tan común ni está tan limpio como pretende aparentar.

Está protagonizada por un estelar Ricardo Darín, que acaba de recibir el Premio Donostia en el Festival de San Sebastián. Un actor que, a sus sesenta años, cuenta con innumerables interpretaciones brillantes,que siempre responde y al que casi siempre me creo.

El director parece inicialmente, tras un prólogo un poco a trasmano, tratar de meternos en una visión del mundo de la política, un poco a la manera de algunas series de televisión. Pero cuando aparece el personaje de su hija, y padece un ataque de ansiedad, se abre una intriga psicológica, con hipnosis incluida, que me pareció un tanto retorcida y, sobre todo, mal integrada en la historia. Una historia que, de todas formas, apoyada en actores tan solventes como Dolores Fonzi (la hija), a la que recuerdo en Paulina y Truman,  Erica Rivas ( la jefe de gabinete), a quien vi en teatro con Darín en Secretos de un matrimonio, Paulina García (la presidente chilena) protagonista de Gloria, Daniel Giménez Cacho (presidente mexicano) visto en Blancanieves, entre otros, consigue mantener el interés, aunque deja demasiadas cosas sin explicar. También está la española Elena Anaya, como una entrevistadora, cuya presencia es claramente un recurso para que el personaje de Darín se defina.

A destacar que la música es de Alberto Iglesias, muy de su estilo.