CINE CLÁSICO--IMPULSO CRIMINAL-R.FLEISCHER.

Compulsion (1959) llamada en España Impulso Criminal es una de las muchas películas que disfrutamos gracias a los buenos tiempos de TVE, eran fantásticos los ciclos que se programaban, alguien debería recuperar la idea .
Richard Fleischer fue uno de los muchos directores artesanos con una carrera sólida, un todo terreno con la confianza de los estudios capaz de rodar películas de todo género desde cine negro ,westerns, melodramas, aventuras, ciencia ficción.  ... Impulso Criminal es de la que el mismo se siente más orgulloso y que junto con "El estrangulador de Boston" 1968 y " El estrangulador de Rillington Place" 1971 conforman una trílogia de psicópatas criminales.

La película está basada en hechos reales acaecidos en Chicago ,a principio de los años 20, el caso Leopold & Loeb dos jóvenes de muy buenas familias y con unas mentes privilegiadas que asesinaron a un joven del mismo círculo, solo con el propósito de demostrarse que son capaces del crimen perfecto, admiradores de Niestche y de su idea del superhombre, la inteligencia por encima de la ley.Este caso también está tratado con anterioridad ,aunque basado en una obra teatral, en la película de Hitchcock " La soga" con mucho menos fidelidad a los hechos reales, a Hitchcock le interesaba más la tensión acumulada en un espacio cerrado  y la filmación en largos planos secuencias.
La pelicula está estructurada en tres partes bien diferenciadas en la primera Fleischer nos presenta a los personajes una vez cometido el asesinato ,que no nos muestra, nos descubre la personalidad narcisista y ególatra de ambos jóvenes, sus fantasmas familiares, y la dependencia a pesar de su inteligencia superior de Jud ( Leopold) respecto a Arthur ( Loeb ) hay una homosexualidad latente aunque no explícita en la relación, esta primera parte podría definirse como cine psícologico, la segunda parte se adentra más en el cine negro o policiaco, en ella se procede a la investigación de los hechos una vez descubierto el cadáver y las pistas que llevan a la policia a sospechar de ambos jóvenes, en esta parte llama la atención el trato que ,en principio, dispensa la policía y el fiscal a los sospechosos que realizan los interrogatorios en un hotel de lujo y en las pausas comen en restaurantes franceses naturalmente pagados por ellos, pero a pesar de las presiones son encausados y llevados a juicio, la tercera parte de apenas veinte minutos corresponde al cine judicial y toca un tema de total actualidad en nuestro país como es la pena de muerte y la cadena perpetua, la validez de los jurados en según que circustancias,las decisiones judiciales no deben quedar influenciadas por los medios, el fanatismo y la ignorancia no deben influir en las decisiones judiciales, el film podría haber tenido una cuarta parte de docudrama carcelario que relatara su experiencia nada fácil en prisión, Leopold murió asesinado por otro recluso.
La película termina con el alegato del abogado defensor, que en la vida real fue Clarence Darrow un especialista en la defensa de sindicalistas y acérrimo defensor de la abolición de la pena de muerte.
El abogado reconoce la culpabilidad de sus defendidos y así evita la actuación del jurado dejando al juez la responsabilidad del veredicto, veredicto que con un jurado contaminado por el revuelo médiatico el fanatismo y la ignorancia no podría ser otro que la horca.
Película que recordaba con agrado y que me sigue pareciendo espléndida, con una factura técnica impecable y unas soberbias interpretaciones de Bradford Hillman y Dean Stockwell en el papel de los jóvenes ,del siempre impecable secundario E.G. Marshall en el papel del fiscal y de Orson Wellesen el de abogado.

Compulsion (Impulso criminal) 1959

Orson Welles llegó al mundo del cine arrasando con "CIUDADANO KANE", en la que además de director también actuaba faceta que repitió en muchas de sus películas y ocasionalmente para otros directores, sobre todo cuando andaba falto de dinero que era casi siempre, Welles era también un fantástico actor como se puede comprobar en este monólogo que tiene ese toque shakesperiano tan querido a este privilegiado cineasta.

Teatro: EL CABALLERO DE OLMEDO

En el teatro de la Comedia, sede de la CNTC, se ha presentado el montaje de El caballero de Olmedo, que no es de la mencionada compañía sino de Noviembre, un proyecto con muchos años de historia, con Yolanda Pallín y Eduardo Vasco a la cabeza que ha estado invitada durante poco más de dos semanas. De esta compañía recuerdo haber visto en 2014 su versión de Otelo con los mismos protagonistas masculinos que ahora, Daniel Albaladejo, Arturo Querejeta y Fernando Sendino. Me gustó. Este montaje de la obra de Lope de Vega se presentó en Valladolid el otoño pasado y ha estado de gira hasta llegar ahora a Madrid, desde continuará por distintos lugares

Don Alonso, El Caballero de Olmedo, llega con su criado Tello a las fiestas de Medina y conoce a Inés. Para conseguir su amor se hace con los servicios de una alcahueta llamada Fabia, que le hace llegar una carta del enamorado caballero. Don Rodrigo, pretendiente local de Inés, sospecha que el desdén de esta es debido a la presencia del de Olmedo y su odio crece con cada encuentro.  

Comedia de enredo y tragedia se entremezclan en esta interesante y brillante obra de Lope en una puesta en escena sencilla pero eficaz, amparada en una escenografía de Carolina González muy simple, con un panel giratorio y unos pocos elementos móviles y en una iluminación de Miguel Angel Camacho que juega mucho con las sombras. Un texto brillante como la mayoría del autor, unas buenas interpretaciones con un verso bien dicho y oido, especialmente por Daniel Albaladejo, Isabel Rodes, Arturo Querejeta, que hace el típico criado de las obras de Lope de Vega y Charo Amador como la alcahueta.

Un buen espectáculo, altamente recomendable.

CINE --UNA MUJER FANTÁSTICA

Sebastián Lelio es un director chileno del que se vió en España la película Gloria ,que en su día comentó Joaquín, con Una mujer fantástica ha conseguido el Oscar a la mejor pelicula extranjera en la última edición..

Me ha parecido una buena película en la que se acerca al colectivo LGBT con un planteamiento realista, sin caer en ningún momento en la morbosidad y a veces el mal gusto que conllevan otras películas de este tipo.
Marina Vidal es una joven transexual que mantiene una relación con un hombre de buena posición veinte años mayor que ella, Marina alterna trabajos espóradicos de camarera con otros como cantante en un club ,aunque su verdadera vocación es la de cantante lírica.
Marina lleva una vida normal con su pareja, el entorno familiar y su profesor de canto que asumen y aceptan su condición, esta normalidad se ve rota  con la repentina muerte de su pareja por un aneurisma el mismo día que celebraban el cumpleaños de ella. Marina le lleva al hospital en su coche y allí muere, la autopsia y un pequeño golpe fortuito la ponen en el disparadero de médicos y policía que aunque no pueden acusarla de nada ,la causa de la muerte es clara, si son capaces de someterla a vejaciones, impresionante la secuencia  en que la someten a un examen físico en presencia de una inspectora de policía .
La situación se agrava con la aparición en escena de la familia del fallecido ,mujer e hijos, que quieren que desaparezca de escena y no reconocen que su duelo es tan legítimo como el de ellos.
La película retrata fielmente lo hipócrita de esta sociedad hipócrita que aparentemente acepta la situación de estos colectivos pero siempre que no les afecte y que en el fondo está llena de prejuicios , nadie acepta, excepto el hermano del difunto, la relación.
Marina lucha .no ya por sus derechos ,que realmente tiene perdidos, sino por su dignidad como persona, Quimera la llama la exesposa , fenómeno genético, pero para ella su situación es más una meta, un ideal y una ilusión.
Tema tratado con mucha delicadeza en ningún momento se transpasan los límites aunque la violencia aparece en algunos momentos es más la violencia moral.,la actriz Daniela Vega compone el tipo estupendamente, nada que ver con los esperpenticos travelos almodorovianos.

Teatro: EL AMANTE

Me referí a Harold Pinter en mi comentario a su obra Invernadero, que vi en La Abadia hace unos años. En general me ha interesado más como guionista cinematográfico que como autor teatral, aunque recuerdo con agrado una obra suya que fue ofrecida simultáneamente por TVE y varias cadenas europeas, cada una con su propia versión, hace muchos años, creo que con ocasión del dia del teatro. Tea party, se llamaba y formaba parte de un fallido proyecto de la UER, El mayor teatro del mundo. La versión española la protagonizó Gemma Cuervo y, me parece, Jesús Puente.

La obra que comento, El amante, parece que fue escrita originalmente para TV y es de poca duración, una hora aproximadamente. Probablemente esa es la razón por la que, para cubrir la duración habitual de un espectáculo teatral, se haya pensado en incluir un prólogo. Una fiesta sorpresa de celebración del décimo aniversario de la pareja protagonista en la que participa el público que degusta una cerveza y un aperitivo. Una experiencia gastro-escénica, en palabras de sus creadores, Alex García y Nacho Aldeguer. Y que comienza en la que descubriremos innecesaria cola para entrar, con la interactuación de los propios creadores y algúno más. Personalmente este tipo de "experiencias" no me atrae, sobre todo si, como en esta ocasión, se desarrolla en un espacio insuficiente y con un aspecto, lógico por otra parte, de poco elaborado, demasiado improvisado para un público que, en bastantes casos, no tiene claro de que va. 

“Cariño, me voy a trabajar. ¿Viene hoy tu amante?”, esa primera frase del marido nos sitúa, en la relación de Richard y Sarah, ante el efecto del paso del tiempo sobre el amor y el deseo, pero también sobre la complicidad. No tardaremos en descubrir que se trata de un juego en la pareja.

En lo que a la obra hace referencia, tengo que decir que es de lo más atractivo que he visto de Pinter. El juego de la pareja, con buenos diálogos y situaciones que se enfrentan a lo que se considera normal en mentes bienpensantes. Es cierto que el juego erótico que se traen entre manos lo he visto en alguna otra ocasión, pero está bien construido y puesto en escena. Una vez más Pinter disecciona la relación de pareja como ha hecho en muchas de sus obras.

Y buenas interpretaciones. A Verónica Echegui la conozco por sus películas por las que ha obtenido nominaciones a los Goya, pero no la había visto en teatro. Me sorprendió favorablemente. A Daniel Pérez Prada le recuerdo de la serie de TV, El Caso. También me gustó.

Cine: LA ENFERMEDAD DEL DOMINGO

No he visto ninguna pelicula ni corto dirigido por Ramon Salazar, el director de esta película, pese a que cuenta con algunos títulos presentes en festivales. Especialmente 10.000 noches en ninguna parte tuvo buena acogida por la crítica. También ha sido guionista de Tres metros sobre el cielo y Tengo ganas de ti, entre otras.

Anabel (Susi Sánchez) abandonó a su hija Chiara (Bárbara Lennie) cuando esta apenas tenía ocho años. Treinta y cinco años después Chiara regresa  para pedirle que pasen diez días juntas. Anabel ve en ese viaje la oportunidad para recuperar a su hija, pero no sabe que Chiara tiene un propósito oculto y que tendrá que tomar una importante decisión.

Parece que este tema de abandono por parte de la madre le interesa mucho a Salázar que ya dirigió un corto, Domingo, que suponía un prólogo de esta película. Y también da la sensación de que esta es una historia y una película muy elaborada y trabajada, llena de intención en cada imagen. Da la impresión de que lo tenía tan claro que ha olvidado hacer que el espectador lo tenga tan claro como él. Una imagen, un ambiente muy cuidados, unas interpretaciones de Susi Sánchez (sobre todo) y Bárbara Lennie muy buenas en unos personajes y una historia que no consiguieron interesarme lo suficiente. Y, como desgraciadamente, viene siendo habitual, un sonido que hace que me pierda algunos diálogos, sobre todo por parte de Bárbara Lennie. ¿Serán problemas de dicción, de toma de sonido o de mi oído?

cine: LA TRIBU

Hace un par de años, en uno de los talent shows más exitosos de la televisión, Got talent, un grupo de señoras que se hacían llamar ‘Las mamis de Badalona’ salieron al escenario y dejaron a todos boquiabiertos con sus pasos de ‘baile urbano’. Eran mujeres del barrio, mujeres trabajadoras (enfermeras, limpiadoras, taxistas) que utilizaban el baile como una forma de terapia y relación. Algunas habían conocido la escuela por que llevaban a sus hijos por las tardes y se quedaban esperando, otras por su propia intuición. Y todas coincidían en la importancia que en sus vidas había supuesto el poder transformador del baile, aquel momento mágico que por nada del mundo dejarían de lado.

A partir de esa actuación, los guionistas Yolanda García Serrano y Joaquin Oristrell y el director Fernando Colomo  crearon una historia. Y esa historia es esta película.  

Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y ‘streetdancer’ vocacional, trata de recuperar al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a ‘Las Mamis’, el grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.

Fernando Colomo vuelve a demostrar su capacidad como director, algo que ha hecho en numerosas ocasiones a lo largo de su carrera desde aquellos Tigres de papel, que abrieron el camino de lo que se llamó "nueva comedia madrileña" a la que se sumaron Fernando Trueba y algunos otros directores.

Aquí desarrolla una comedia amable y reivindicativa en una línea de cine social que el cine inglés ha desarrollado con títulos como Full monty, película con la que La tribu tiene algún punto de contacto. Y se apoya, fundamentalmente, en sus dos protagonistas, Carmen Machi, que vuelve a demostrar su eficacia en los papeles de comedia y nos descubre sus dotes para la danza y Paco León que nos ofrece también algún momento para recordar. Bien acompañados por una serie de secundarios de lo más variada.

Una película muy entretenida, agradable con su pequeño punto social.

Cine: EN LA SOMBRA

Ganadora del Globo de oro a la película en lengua extranjera, pero sin embargo excluida de las finalistas a los Oscar de esa categoría y tampoco presente entre los finalistas a los premios del cine europeo. Dirigida por el cineasta alemán de origen turco Fatih Akin, ganador del Oso de oro en Berlin en 2004 por Contra la pared y que cuenta con otros títulos como Al otro lado o la más reciente Goodbye Berlín. Un cineasta que trata en sus películas sobre choques de culturas, matrimonios mixtos, las drogas, la marginalidad de sus personajes.

La vida de Katja se derrumba cuando su marido y su hijo mueren en un atentado. La policía detiene enseguida  a unos  sospechosos -dos jóvenes relacionados con el movimiento neonazi-y Katja se ve inmersa en un complicado proceso judicial. Danilo, abogado y mejor amigo de su marido, lleva el caso. Katja solo tiene un objetivo, quiere que se haga justicia.

La película está estructurada en un breve prólogo y tres partes. En el prólogo asistimos a la boda en la cárcel entre Katja y Nuri. Varios años después, se produce la tragedia y el hundimiento de la protagonista que solo reacciona ante la posibilidad del castigo a los culpables. La segunda nos lleva al juicio contra los asesinos. Y la tercera a la resolución tras el veredicto del tribunal. 

Me gustaron las dos primeras partes. Y no tanto la tercera, bastante forzada en mi opinión, para dar lugar a que el espectador se plantee que es lo que haría él en un caso similar. Dice el director que se trata de retratar a una madre y hacer el análisis de su dolor, de como ese dolor puede desarrollarse y puede acabar transformado en violencia. Y es en esta transformación donde falla la narración. Al margen de las consideraciones éticas que puedan surgir.

Es fundamental en la película la presencia de Diane Kruger como Katja. Premiada en el festival de Cannes como mejor actriz, su interpretación me pareció muy buena. 

Una película muy interesante en sus planteamientos y que consigue mantener la emoción y la duda sobre su resolución.

CINE-- LA ÚLTIMA BANDERA-

Para todos los conocedores de la filmografía de Richard Linklater, es conocido su interés por el paso del tiempo en los personajes de sus películas, los personajes de su anterior película "Todos queremos algo" vienen a ser los mismos de " Movida del 76" que han pasado del instituto a la universidad, en su famosa trilogía "Antes de..."asistiamos a la evolución de una pareja en sus encuentros cada nueve años, y en "Boyhood" seguía durante años la evolución del personaje, y su familia ,desde la niñez a la adolescencia, filmada durante años por los mismos intérpretes, por todo ello no tiene nada de extrordinario que se interesara por la novela  de 2003 "The last detail" del escritor Darryl Ponicsán , que retomaba los personajes de otra novela suya "El último deber", treinta años después y que fué llevada al cine por el director Hal Ashby en 1973.

         

                                                                                                                                                                  

En  "El Último deber"película que he revisado para hacer esta reseña, se nos narra la peripecia de tres marinos,dos de ellos interpretados por Jack Nicholson y el actor de color Otis Young son comandados a trasladar aun tercero Randy Quaid, a una prisión naval ,condenado a ocho años por el hurto de 40 dólares.

Los dos marines  con la guerra de Vietnam aún sobre sus cabezas "El mando te dice ve y tu vas" , no andan muy sobrados de neuronas pero si de buen corazón por lo que empatizan con el preso, que con solo diecinueve años es un grandullón inocente al que los dos marines en el largo periplo Washington, Nueva York ,Boston le  espabilan en todos los aspectos.

La película en plena era Nixon ,con una gran contestación pública a la guerra del Vietnam no tiene una gran carga política, si crítica con el estamento militar y lo que si es ,es una loa a la camaraderia y a la amistad.

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En "La ùltima bandera"se retoman los personajes treinta y cuatro años después, aunque cambiando el nombre de los mismos, dando a la película otra dimensión en la que cobra más importancia el lamentable episodio ,aún no asumido ,que vivieron en Vietnam, dándole así una mayor carga crítica a la triste realidad de estas guerras tan crueles como innecesarias e inútiles.

Steve Carrell interpreta a "Doc " Sheperd , el mismo papel que interpretaba Randy Quaid, trabaja para la Armada pero desposeído de su rango militar, ha perdido a su mujer por un cáncer y acaba de ser notificado de la muerte de su hijo en la guerra de Irak, emprende la búsqueda de aquellos dos compañeros que le escoltaron a la cárcel, Nealon (Bryan Cranstom) regenta un bar ruinoso, tiene problemas con la bebida pero sigue siendo el personaje ácido, irónico y crítico que interpretaba Nicholson, Mueller (Lawrence Fishburne) ha abandonado todos sus vicios y se ha convertido en pastor, los tres se dirigen a Arlington para hacerse cargo del cuerpo y enterrar al hijo,después de escuchar toda la retórica militarista del coronel, descubren casualmente que no hubo ninguna heroicidad en la muerte del joven que fue tiroteado por la espalda en una reyerta, la patria está necesitada de héroes en una guerra tan impopular, el padre exige ver el cádaver y decide no enterrarle en Arligton, "No enterraré a un infante de marina , solo enterraré a mi hijo"

La película narra el viaje desde Arlington  a la localidad natal del soldado, de nuevo el viaje  salpicado de esos extensos diálogos que tanto gustan a este director, un viaje que también les lleva  a la redención del episodio vergonzante del que fueron protagonistas en Vietnam.

Al final es enterrado de uniforme y con la ceremonia habitual porque prevalece la ética personal del soldado sobre la ética militarista y castrense. Las guerras son úlceras que tardan en curar, como la llamada "úlcera de Bagdad" que sufre el soldado Washington ,amigo del finado y personaje clave, la bandera plegada y entregada por los dos amigos al padre en la íntima ceremonia no será ni mucho menos ,la última bandera del título, por desgracia habrá muchas más.

Estupenda película con interpretaciones muy medidas.

                                                                                                                                                                               

Cine: SIN RODEOS

Parece que Santiago Segura ha decidido abandonar, al menos de momento, su serie de películas sobre Torrente para introducirse en un tipo de comedia diferente. Como él mismo ha dicho, ha querido hacer una película que guste a las mujeres y, para ello, ha escogido hacer una nueva versión de una película chilena, Sin filtro, que no se ha visto en España. Y ha contado con Maribel Verdú como protagonista absoluta, lo que garantiza, al menos, calidad en la interpretación.

Paz (Maribel Verdú) tiene trabajo, pareja, amigas… pero algo falla. Hay algo que no funciona. Y en un solo dia se abre una crisis con su pareja, trabajo, hermana, amigas, ex pareja y forma de vida. Todos parecen haberse puesto de acuerdo para amargarle la vida. En su desesperación acudirá a la consulta de un "guru" hindú, que le ofrece una poción para liberar su tensión. Los efectos de la poción resultan más potentes de lo esperado, y Paz se convierte en una mujer nueva.

La historia de una mujer que, cerca de los cuarenta, tiene que soportar a una sucesión de cretinos de todo tipo. Resulta difícil de entender que se haya emparejado y soporte vivir junto a un personaje y su hijo como los que presenta, ni a un jefe acosador e incompetente, pero si se acepta ese punto de partida, la comedia resulta ingeniosa y supone una crítica, no excesivamente amable y muchas veces demasiado fácil, a los modernos y a algunas actitudes. Con una lejana relación con Alice, (Woody Allen, 1990). Hay un exceso de "cameos" de amiguetes en papeles poco relevantes, y están mucho mejor los personajes e intérpretes femeninos entre los que llama la atención Cristina Pedroche, eficaz como una youtuber insoportable y Candela Peña.

La comedia es agradable, se deja ver y, para mi, es mucho más cercana y aceptable que muchas de las comedias estadounidenses y europeas que se estrenan. 

Cine: LOVING PABLO

Pablo Escobar se ha convertido en una figura mediática en los últimos años, cuando ya han pasado más de veinte desde su muerte. Se han realizado y publicado numerosas series de TV, películas y libros sobre él. Ahora Fernando León de Aranoa y Javier Bardem se han lanzado a la producción de una película  tomando como base el libro de Virginia Vallejo, una informadora colombiana que mantuvo una relación sentimental con Escobar que pasó de la admiración al terror. Y en una clara estrategia comercial, han escogido a la pareja de Bardem, Penélope Cruz para este papel.

Recorrido por el momento de mayor auge de la historia del narcotraficante colombiano hasta su caída y muerte, de la mano de la que fue su amante la periodista Virginia Vallejo.

Aunque parece que el proyecto de Fernando Leon de tratar la figura de Pablo Escobar es bastante antiguo, la película ha tardado mucho tiempo en convertirse en realidad, algo que la ha perjudicado notablemente. Han sido varias las historias sobre Escobar y el mundo del trafico de drogas y, sobre todo, la serie Narcos ha convertido esta película en "más de lo mismo", y con menos aparente profundidad. El enfoque, a través del relato de su amante, no me pareció bien desarrollado, lo que contribuye a la falta de interés de la película.

Mención aparte merece el idioma. Supongo que, por facilidad de distribución internacional, la película está rodada en inglés. A los hispano parlantes nos choca oír hablar en inglés a los colombianos, sobre todo si ese idioma está plagado de palabras y frases en el español de la región donde nació Escobar. Otra opción puede ser ver la película doblada, pero entonces las voces de los personajes protagonistas no son las de Penélope Cruz y Javier Bardem, con lo cual se produce un mayor efecto de extrañeza.

Total, que pese a que la película se sigue con cierto interés en su desarrollo, con algunas escenas espectaculares y una buena caracterización de Bardem, no me convenció. Cabía esperar un mejor resultado de su colaboración.

SERIES- FEUD: BETTE and JOAN

  - ÚNICAMENTE  LAS GRANDES ESTRELLAS MUEREN SOLAS-

Serie de ocho capítulos de HBO recomendada para cinéfilos, amantes del cine clásico y nostálgicos de aquel Hollywood que empezaba a declinar con el ocaso de los grandes estudios y el final del "star system" que tanta fama le dió, temas ya tratados por el cine en muchas ocasiones, recordemos "El crepúsculo de los dioses" y "Fedora" de Billy Wilder, "Cautivos del mal" de Vincent Minelli , "El último magnate" de Elia Kazan, o " La leyenda de Lylah Clare " de Robert Aldrich que es uno de los personajes de la serie.
La serie se basa en la enemistad permanente entre las dos divas Joan Crawford y Bette Davis, que se hicieron más patentes durante el rodaje, dirigido por Robert Aldrich, de "Que fue de Baby Jane"
La serie consta de ocho capítulos, los cinco primeros abarcan desde la génesis del proyecto, idea de Crawford, a todo el desarrollo y rodaje de la película y termina con la ceremonia de los Oscar donde se nominó pero no se premió a Bette Davis que vió esfumarse su tercer oscar con el regocijo de Joan Crawford que lo recogió en nombre de Anne Bancroft ( El milagro de Ana Sullivan ).
Los tres capítulos restantes se centran en la decadencia artística de ambas condenadas a repetir papeles de "Grand guignol" en la misma línea y abarca hasta la muerte de Crawford en la más completa soledad, con una secuencia onírica en la que se reunen las dos estrellas con Hedda Hooper y Jack L. Warner que parece un homenaje a las reuniones de Gloria Swanson con Buster Keaton y otras viejas glorias en "El crépusculo de los dioses"

SERIES- FEUD: BETTE and JOAN

No es el único homenaje, los títulos de crédito y la música son como los de Saul Bass y Bernard Herrman en Vértigo de Alfred Hitchcock y por la serie desfilan desde George Cukor, Frank Sinatra, Marylin, Olivia de Havilland.....
En el fondo las dos actrices mantenían una relación amor odio,se detestaban y a la vez se admiraban, Bette envidiaba el glamour de Crawford y esta el talento de Bette el ser una actriz de carácter y de su procedencia del teatro ;ambas tenian cosas en común, ser madres solteras y muy cuestionadas por sus hijos,una infancia complicada, cuatro matrimonios frustrados, alcoholicas J,C de woodka B.D de whiskie, fumadoras empedernidas, su profesionalidad y la lucha por su carrera enfrentándose a los grandes estudios.
La serie resalta esta fortaleza femenina, tres de los cinco directores son mujeres, y remarca como el enfrentamiento era propiciado por el estudio y el director como buena propaganda para la taquilla, al final manipulación masculina ,como no podía ser menos en los tiempos que corren y que también queda patente en esa ayudante de dirección que ve cerrado su camino para ser directora, incluso por las propias mujeres.
Las interpretaciones son muy buenas, más acertada la de Susan Sarandon (B.D) ,que la de Jessica Lange (J.C), aunque es más Margo Channing el papel de Eva al desnudo que la propia BD .
En conjunto muy entretenida.

Cine: Y LOS OSCAR FUERON...

Se entregaron el domingo los Oscar de la Academia correspondientes a 2017.

Fue elegida como Mejor película, La forma del agua y su director, Guillermo del Toro, Mejor director.

 Ha ganado otros dos premios, Banda sonora (Alexander Desplat) y Diseño de producción.

Para mí, entre las nueve candidatas a mejor película, destacaban tres: la premiada, Tres anuncios en las afueras y El hilo invisible. Realmente debería haber una cuarta, The Florida project, pero no estaba nominada. Y parece lógico, aunque en los últimos años no siempre se ha dado, que a la mejor película le corresponda la mejor dirección. Nada que oponer a la decisión de la Academia.

Las mejores interpretaciones protagonistas han sido para Frances McDormand (Tres anuncios...)

 y Gary Oldman (El instante más oscuro). 

En el apartado femenino las cinco candidatas lo merecían. En el masculino, tan solo Daniel Day Lewis parecía posible competidor, aunque Timothee Chalamet está muy bien en Call me by your name.

Los mejores secundarios han sido Allison Janney (Yo Tonya) y Sam Rockwell (Tres anuncios...) Laurie Metcalf (Lady Bird) y Willem Dafoe (The Florida project) podían haber sido premiados.

En cuanto a los guiones, me parece lógico el premio a James Ivory por la adaptación de Call me by your name, y creo que el original podía haber sido para Tres anuncios...aunque la parte final pierde mucho. Dejame salir, el ganador, no me parece para tanto.

No he visto La mujer fantástica, la película chilena ganadora en lengua extranjera ni tres de sus competidoras (The square y En cuerpo y alma, se me escaparon). Me gustó la rusa Sin amor.

Los premios a Coco (animación y canción)  me parecen correctos. Y me gustó mucho la banda sonora de El hilo invisible, buena película que se ha quedado con tan solo el premio al vestuario. En el apartado de premios "técnicos" destacan los tres de Dunkerque y los dos de Blade runner 2049.

Un año con buenas películas pero sin ninguna extraordinaria. Y unos Oscar muy repartidos.

En el blog podéis encontrar comentarios de casi todas las nominadas y premiadas

Cine: TODO EL DINERO DEL MUNDO

El 10 de julio de 1973, John Paul Getty III, nieto mayor del magnate del petroleo de mismo nombre, era secuestrado en la Plaza Farnese de Roma. Tenía 16 años. Sus padres se habían divorciado cuando tenía 8 años y, mientras su padre adoptaba un estilo de vida hippy con su nueva pareja en Marruecos, el llevaba una vida bohemia en Roma donde vivía con su madre. Al parecer, ésta nunca fue bien vista por el abuelo. Cuando los secuestradores pidieron un elevado rescate, el magnate se negó a pagarlo y tan solo cuando meses después se recibió un mensaje con una oreja del secuestrado, amenazando con hacerle pedazos, accedió a colaborar en el rescate.

Este suceso es lo que esta película relata, con gran cantidad de ficción. El director y productor es Ridley Scott a partir del libro de John Pearson sobre la herencia de Getty donde dedica una parte importante al secuestro. La película ha tenido una notable promoción debido a la sustitución de Kevin Spacey en el papel del millonario como consecuencia de las acusaciones recibidas por el actor sobre abusos, lo que llevó a rodar nuevamente todas sus escenas con Christopher Plummer.

Todo el dinero del mundo nos narra el secuestro de John Paul Getty III y los esfuerzos de su madre por conseguir que el abuelo del joven, considerado uno de los hombres más ricos del mundo, pagase el rescate.

La película me ha parecido muy irregular. Si hace unos dias, al hablar de Yo Tonya, comentaba que la parte "inventada" me había parecido superior a la que narraba los hechos reales, en esta ocasión me sucede todo lo contrario. Me parece que están bien presentados los personajes del abuelo y la madre y sus posturas encontradas, apoyados ambos en las buenas interpretaciones de Christopher Plummer y Michelle Williams. Sin embargo toda la parte del secuestro, intento de huida, cambio de secuestradores, pago del rescate y posterior liberación me parecieron dignas de un telefilm de baja calidad. El personaje del secuestrador que empatiza con el secuestrado, totalmente tópico y mil veces visto. Y el personaje de Mark Walhberg, absolutamente prescindible. Parece que está en la película, exclusivamente, para en un momento determinado decirle al magnate lo que todos pensamos de él.

Y lo peor es que, en mi opinión, ni siquiera la trama está bien contada, desde un prólogo narrado por el secuestrado, que después desaparece como narrador, hasta un falso paralelismo temporal entre la liberación del nieto y la muerte del abuelo, que ocurrió tres años después.

Un buen retrato de un capitalista despiadado, del que el desgraciado secuestro de su nieto, hace que salga a la luz su absoluta falta de calidad moral. Y poco más. Ridley Scott sigue dando bandazos.