Teatro: LA CLAUSURA DEL AMOR

Probablemente, la ruptura de una pareja sea uno de los temas más tratados en teatro y cine. Con humor, con violencia, con resignación... Hemos asistido a todo tipo de procesos del final de una relación.Sin ir más lejos, hace unas semanas comentaba Escenas de la vida conyugal, otra aproximación a este tema.

El autor de La clausura del amor es un dramaturgo francés, Pascal Rambert quien también dirige la puesta en escena. Se estrenó en el Festival de Avignon en 2011 y desde entonces ha ido dirigiendo montajes de su obra en diferentes países, con el interés de que sean parejas reales las que la interpreten. La versión española fue presentada este verano en Barcelona, en el Teatre Grec y ha estado durante cinco días en los Teatros del Canal de Madrid, dentro del Festival de otoño a primavera, con entradas agotadas desde septiembre, siempre con Israel Elejalde y Barbara Lennie como intérpretes y con muy buenas críticas. 

La inspiración para Rambert surgió de una ruptura con su pareja y según él mismo dice, muchas cosas del texto son cosas que  ha vivido en su experiencia personal.

 En la obra nos presenta a una pareja en su ruptura sentimental, una situación durísima en la que los protagonistas se intercambian monólogos que expresan la violencia de un amor en proceso de disolución. 

Un hombre y una mujer que se llaman igual que los actores que los interpretan. El escenario es una sala de ensayos, un cuadrilátero  blanco iluminado con neones. El hombre sale a escena,  ella le sigue. Cada uno se coloca en una esquina, en diagonal. Durante casi una hora él habla y de tanto en tanto se acerca a ella que permanece inmóvil, abatida, escuchando. Son cincuenta minutos durante los que él expone, violentamente, con agresividad verbal, las razones de su desamor, las razones por las que se siente atrapado en una relación muerta –«nuestro amor es un cadáver y tu llevas su piel»– y ella lo escucha  sin moverse, solo dejando caer, al cabo de un rato, el bolso que sostiene en la mano. Después se produce una interrupción, un tanto absurda. Un grupo de niños tiene que ensayar una canción (se supone que el cuadrilátero es una sala de ensayo). Durante unos minutos cantan una canción (creo que de un musical infantil), mientras la pareja, lentamente, intercambia su situación en el cuadrilátero. Cuando los niños se retiran, ella empieza a hablar, rebatiendo todo lo que el ha dicho, y se repite la situación. El escucha en silencio, abatido, mientras ella habla durante otros tres cuartos de hora. Finalmente, deben iniciar el ensayo de la obra que representan y, con los torsos desnudos y una extraña cofia en la cabeza, finalizan la representación. (?)

Es una situación irreal. Nadie es capaz de soportar de esa manera, sin replicar, sin moverse, una situación así. Es cierto que esa inmovilidad se acompaña de un abatimiento de los cuerpos que puede pensarse que es mas expresivo que las posibles palabras. No me lo parece.

Los monólogos, especialmente el de él, me parecen artificiosos, excesivamente literarios, mas para ser leídos que oídos. La presencia del coro de niños, un pegote. El final supongo que con un significado que no alcanzo.

Barbara Lennie e Israel Elejalde me parecen dos excelentes actores. Les he visto en Veraneantes, Misántropo y Magical Girl y siempre me han convencido. También recuerdo a Israel en La función por hacer. En general le encuentro un poco dado al exceso, a la ferocidad, a la agresividad, pero me gusta como actúa.

Aquí están también muy bien. Mejor  cuando escuchan (impresionante ella en su inmovilidad) que cuando hablan. Son lo mejor de una función que debe resultarles agotadora.

Lo cierto es que hay muchas cosas en ese texto que merecen nuestra atención. Pero no consiguió llegarme, creo que por la puesta en escena.
Es curioso, pero en la decepcionante Escenas de la vida conyugal, la escena de la ruptura me resultó mucho más cercana.

CINE--EL CLAN

Pablo Trapero es un director argentino

 que sigue una línea de cine social y de denuncia similar al de Iciar Bollaín o Fernando León de Aranoa en España o al del británico Ken Loach y que cada vez realiza mejores películas, es el autor de Carancho ( 2010) donde mostraba el sórdido mundo de los abogados que median entre los afectados por accidentes de tráfico y las aseguradoras y que constituyen una auténtica mafia en Argentina, también dirigió en 2012 Elefante blanco exponente del drama social y existencial de dos sacerdotes al frente de un centro en una barriada marginal.

Ahora se estrena El Clan , película coproducida con los hermanos Almodóvar y premiada en el último festival de Venecia al mejor director y preseleccionada para competir a los Oscar representando a Argentina.

Basada en hechos reales El Clan  nos relata la historia de la familia Puccio, formada por el matrimonio y sus cinco hijos, que con la colaboración de otros secuaces realizaron cuatro secuestros entre los años 1981 a 1985, todos ellos perpetrados durante la dictadura militar excepto el último que lo ejecutaron durante el mandato de Raúl Alfonsín donde fueron descubiertos,detenidos, y la rehén liberada, el resto de secuestrados fueron ejecutados,dos de ellos después de haber pagado el rescate sus familiares.



Arquímedes Puccio jefe del clan procedía de abuelos sicilianos y ejercía la jefatura de la familia y del clan como un mafioso de poca monta, un psicópata y una familia enferma por su influencia,el bienestar de la familia está por encima del bien y del mal, una familia cristiana que reza unida seguramente por Santa Evita, una familia que secuestra y extorsiona unida, donde nada escapa a la mirada paterna.

PabloTrapero ha conseguido una película muy interesante narrada con agilidad que relata como una crónica de los acontecimientos y en la que pasa de puntillas por las implicaciones políticas del caso y del personaje que parecen interesarle menos que la trama criminal, en mi opinión habría ayudado mucho para entender al personaje conociendo de donde viene, Puccio colaboró con López Rega en la nefasta triple A y también estuvo implicado en la operación Cóndor, provenía de las cloacas del peronismo, con este bagaje pasó de los secuestros políticos a los secuestros económicos disfrazados de secuestros terroristas.

Película recomendable con un final impactante, imprescindible no levantarse de la butaca sin leer los rótulos finales, la interpretación de Guillermo Francella es fantástica con esa mirada que hiela la sangre,lo bien que queda reflejada esa cotidianidad del mal, mientras la familia come y reza o mientras el hijo mayor hace el amor el secuestrado de turno es torturado.

Cine: SICARIO

Sicario es una interesante película de acción dirigida por el canadiense Denis Villeneuve. De este director ya hablé en mis comentarios sobre Prisioneros  y Enemy, por lo que no voy a repetirme. Pero si decir que me parece un director interesante al que su paso del cine canadiense al norteamericano ha convertido en director de cine de acción sin abandonar el aspecto moral y ético de sus películas anteriores.
Presentada en el Festival de Cannes y posteriormente en el de San Sebastián, está interpretada por Emily Blunt (La pesca del salmón en Yemen), Benicio del Toro, al que acabamos de ver en Un dia perfecto y Josh Brolin (No es pais para viejos y Valor de ley), en los tres papeles protagonistas.

En la zona fronteriza que se extiende entre Estados Unidos y México, Kate Macer (Emily Blunt), una  agente del FBI, jefa del equipo de respuesta ante secuestros descubre una casa de muerte de un cártel mexicano. El hallazgo tiene profundas consecuencias para ella. Es reclutada por Matt Graver (Josh Brolin), un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales, para unirse a una misión de operaciones encubiertas encabezada por un misterioso agente colombiano conocido únicamente como Alejandro  (Benicio del Toro), interviniendo en la creciente guerra contra las drogas. Su inclusión en el equipo en busca de acabar con los responsables de la matanza inicial, la introducirá en lo más profundo de un  campo de batalla secreto en el que
hay involucrados cárteles despiadados, asesinos sanguinarios, espías clandestinos estadounidenses ... lo que obligará a Kate a saltarse las normas, cuestionarse todo aquello en lo que cree,  si quiere sobrevivir. 
En palabras del director Denis Villeneuve: "Sicario ofrece una impactante mirada a las operaciones encubiertas y a los cárteles mexicanos. Pero esta historia también trata sobre Estados Unidos, sobre el choque que se produce entre realismo e idealismo a la hora de tratar los problemas de otros países".


Con tres notables intérpretes a la cabeza, la historia está bien desarrollada y se sigue con interés aunque no llega, en mi opinión, a la altura de otras películas con las que tiene claros puntos de contacto, como Traffic (2000) o La noche mas oscura (2012). No cabe duda de que la zona fronteriza de El Paso y Ciudad Juárez es una fuente de argumentos no solo para el cine sino también para la novela y la TV. Recuerdo una serie, The bridge, muy interesante con planteamientos similares. Sin olvidar la extraordinaria Sed de Mal de Orson Welles.

Película notable, con algunas escenas espectaculares y algún abuso de escenas con cámaras de visión nocturna, que se mueve en la misma ambigüedad moral que sus personajes respecto a la lucha contra la droga. Pero esta ambigüedad no es nueva en su director.

Teatro: AL GALOPE

Al Galope es una obra de teatro basada en la vida de Diana Vreeland, editora de las publicaciones Harper’s Bazaar y Vogue. El texto, en formato de monólogo, es el retrato de Vreeland en un punto de inflexión de su vida, cuando vuelve a Nueva York después de cuatro meses de viaje por Europa, tras ser despedida de Vogue. 

 Diana Vreeland (1906-1989) fue una de las más importantes autoridades en el periodismo de moda durante más de cincuenta años. También fue una celebridad en la sociedad más cosmopolita y chic de Nueva York. Empezó su carrera en Londres como propietaria de una tienda de lencería. Al casarse se mudó a Nueva York, donde  en 1936 empezó a trabajar en Harper’s Bazaar, revista de la que se convirtió en editora tres años después.  En 1962 pasó a trabajar en Vogue en donde ocupó el cargo de editora hasta 1971, contribuyendo enormemente al éxito de esta publicación, la cual gracias a ella se convierte en una ventana a la revolución de los estilos del momento. Es ella quien descubre modelos como Veruschka, Jean Shrimpton, Twiggy y Lauren Hutton y hace de Richard Avedon uno de los más famosos fotógrafos de la época. Cuando es despedida de Vogue en el año 1971(momento en que se sitúa la obra) se convierte en consultora del Instituto de Moda del Museo de Arte Metropolitan de Nueva York. Es comisaria de numerosas exposiciones  que, no sólo tienen mucho éxito de público, sino también influyen profundamente en la evolución de la moda contemporánea. En 1984 escribe  un libro de memorias que rápidamente se convierte en bestseller, en el que ella explica su historia sirviéndose de la misma ironía, intensidad y teatralidad con las que vivió su vida. Se puede afirmar que Diana Vreeland, la “emperatriz de la moda”, fue una mujer muy influyente que cambió la moda, la belleza, el arte, la publicidad y la cultura de una época. 

El monólogo, que se presenta en la sala pequeña del Teatro Español, está interpretado por Carmen Elías, una veterana actriz con una notable carrera en teatro, cine y TV, a la que podemos recordar en Camino (Javier Fresser, 2008) donde consiguió el Goya a la mejor actriz y en teatro  en Purgatorio, junto a Viggo Mortenssen. También ha doblado las voces de  numerosas actrices.

La obra se desarrolla cuando el personaje, tras ser despedida de Vogue, regresa de un viaje de varios meses por Europa y trata de organizar una cena con un reducido grupo de amigos.  En un monólogo dirigido al espectador nos muestra toda su sofisticación y su dependencia con esa vida que ha llevado durante años. Es una persona alejada de la realidad, que no asume su nueva situación. 

No me gustan los monólogos en teatro. Me parece que rompen con lo que yo considero que es el teatro: el desarrollo de un conflicto expresado mediante diálogos y algo de acción. En los monólogos se suelen sustituir los diálogos por conversaciones telefónicas donde no se oye al interlocutor o también, como en este caso, mediante un interfono que comunica al personaje con su secretario, al que sí oímos. En cualquier caso lo que nos transmite es ese estado de ánimo del personaje en ese momento de su vida, con un repaso a su vida anterior. No me interesó.

Carmen Elías nos muestra bien al personaje, nos transmite sus vivencias.  Pero en mi caso, ni el personaje ni lo que me cuenta consigue meterme en la historia.

Parece, no obstante, que está teniendo éxito, pues han prorrogado las representaciones hasta diciembre. 

Teatro: ESCENAS DE LA VIDA CONYUGAL

La presencia de Ricardo Darín, el extraordinario actor argentino, en los escenarios españoles, constituye un acontecimiento teatral ya que no actuaba desde hace diez años.  La verdad es que no se ha prodigado mucho en el teatro en España. Tan solo recuerdo su presencia en Art , el éxito de Yasmina Reza, en el que interpretaba el mismo papel que había estrenado Jose María Flotats. 

A lo largo de lo que va de siglo, sin embargo, hemos podido disfrutar de sus interpretaciones en el cine con papeles tan notables como El hijo de la novia, Nueve reinas, El secreto de sus ojos, Una pistola en cada mano, Relatos salvajes y la recentísima Truman, películas todas ellas que le han situado en un lugar de excepción en el panorama actoral en lengua castellana.

Ahora regresa a los escenarios con un montaje de Escenas de la vida conyugal, junto con la actriz también argentina Érica Rivas y la dirección de la también actriz argentina Norma Aleandro, la inolvidable madre en El hijo de la novia.
Un montaje que le ha ocupado durante dos años en Argentina, con otra actriz, y que ahora se ha presentado en España.

El autor de la obra es Ingmar Bergman, el director de cine sueco, e inicialmente fue una serie de televisión de seis capítulos, allá por 1973. Posteriormente se convirtió en una larga película estrenada en España como Secretos de un matrimonio. La obra de teatro fue una versión posterior, estrenada en 1981. Se trata de seis escenas que toman su título del de los capítulos de la serie televisiva.

La obra efectúa un recorrido por seis momentos de la relación entre Juan y Mariana. Casados, con dos hijas. Son momentos muy diferentes, y muy separados temporalmente. Los tres primeros, una escena cotidiana, el anuncio de un nuevo embarazo, y la separación para irse con una amante mucho más joven. Los otros tres son encuentros, una vez separados pero no divorciados, con las vidas más o menos rehechas y deshechas, pero con un amor latente entre ellos.

La versión que yo recuerdo era dura. Aquí sin embargo, se juega mucho a la comedia romántica agridulce, a provocar la risa del espectador remarcando las replicas y dejando un poco de lado el dramatismo original. Por momentos me recordó Dias de vino y rosas.

La interpretación de los dos actores a lo largo de las diferentes escenas es adecuada. Darín demuestra su categoría, especialmente en algunos momentos. Muy contenido. Pero yo eché de menos esa carga emocional de algunos de sus papeles como en Truman.  Ella, a la que conocemos por el último episodio de Relatos salvajes, le da buena réplica, huyendo del desgarro. Me gustó mucho la escena de la separación y la posterior reacción de ella al hablar por teléfono con unos amigos. Al ver la obra me entraron ganas de recordar la película, especialmente por Liv Ullman. El montaje no puede ser más sencillo. Apenas unos efectos de luz y unos muebles adecuados para cada lugar de la acción. O el escenario desnudo en el momento de la separación.

El público de la representación que yo vi, predispuesto a la risa, abusó de ella en algunos momentos. No me parece que sea obra para carcajadas y hubo muchas. Aplausos al final de cada escena, cosa poco habitual. 

Un éxito absoluto de público, las entradas están agotadas desde hace dias a pesar de los precios exagerados (40 € la butaca). Yo compré las entradas a finales de agosto, cuando me enteré de su venida. Pero a mi me quedó una cierta sensación de decepción que, sin embargo, no había tenido el dia anterior con la película Truman, en este fin de semana que he dedicado a Ricardo Darín.

Cine: TRUMAN

El director de esta película es Cesc Gay. Le descubrí en una película de 2003, En la ciudad,   La película relata la vida  de un grupo de seis amigos y la realidad que están viviendo en un momento determinado, sus sentimientos y deseos en una historia coral. Me llamó la atención su aproximación a los sentimientos de sus personajes y su habilidad para exponerlos. Después hizo Ficción (2006), VOS (2009) y Una pistola en cada mano (2012). En todas ellas destacaba esa facilidad para contar los sentimientos y enlazar historias.

Julián, un actor que se encuentra enfermo, en fase terminal, y ha decidido renunciar a más tratamientos inútiles, recibe la visita inesperada de su amigo Tomás que vive en Canadá. Los dos amigos junto a Truman, su perro fiel, compartirán a lo largo de cuatro intensos días momentos emotivos y sorprendentes, mientras solucionan la principal preocupación de Julián, encontrar un nuevo hogar para Truman, su perro.

Una historia de sentimientos, sobre la amistad y la muerte, tratada con humor e ironía pero con un notable fondo de dramatismo. Una película que me llegó especialmente por la reciente muerte de un amigo.

Bien construida, aunque con algunas situaciones excesivamente convencionales y forzadas, se convierte en una muy notable película en virtud de las interpretaciones de Ricardo Darín (Julián) y Javier Cámara (Tomás). Unas interpretaciones llenas de sensibilidad, justamente premiadas en el Festival de San Sebastián. Junto a ellos, Dolores Fonzi, una actriz argentina, y en papeles episódicos, actores tan notables como Natalie Poza, Eduard Fernández, Pedro Casablanc, José Luis Gómez... y Elvira Mínguez, una de mis actrices españolas preferidas.

Una película muy recomendable y un recital de sus dos intérpretes principales.