Película israelí dirigida por Maha Haj, una directora de arte y guionista que debuta en la dirección con esta. Curiosamente fue directora de arte en la película El atentado, basada en una interesante novela de Yasmina Khadra, autor del que hablamos en el curso 2015-16.
Como su título indica se trata de un relato sobre una familia. Los padres, ya mayores, están inmersos en la rutina y el silencio. Apenas se dirigen la palabra y mientras el se queja de que ella solo hace punto y mira la televisión, ella se podría quejar también de que él siempre está conectado a internet y tomando café, pero no lo hace. Sociedad machista. Uno de sus hijos vive solo en Suecia y les invita a pasar unos días allí. El otro hijo, Tarek, mantiene una relación con una chica en Palestina, pero no quiere ir más allá. Y la hija espera un niño mientras el marido recibe una oferta para participar en una película. Sin entrar apenas en el conflicto político de la zona, la película se centra en la incomunicación, por rutina, por hastío, por falta de madurez o por deterioro mental, pero siempre incomunicación. Y todo contado de forma muy sobria, sin apenas música, y ésta siempre diegética, y con una composición estética de los planos que enlaza con la actividad de su directora como directora artística. Comedia dramática pero sin apenas incidentes dramáticos, tan solo al final se encara con la situación política pero la resuelve sin mayores dificultades para sus protagonistas. Los intérpretes, muchos de ellos, al parecer, no profesionales cumplen con su cometido. Me gustó la actriz que hace de la pareja del hijo que vive en Palestina, creo que es Maisa Abd Elhadi. Se deja ver, pero sin entusiasmo.
Christopher Nolan es un director inglés un tanto discutido. Con diez películas dirigidas hasta ahora, se ha mostrado como un director de largometrajes espectaculares, llenas de imágenes impactantes, preocupado por la utilización del tiempo narrativo y el diseño de sus producciones, pero creador de historias un tanto vacías y, en ocasiones, poco comprensibles. Ya en su segunda película, Memento, jugaba con el tiempo, abandonando la linealidad en la narración, de la que podría decirse que avanzaba hacia atrás. Su segunda película sobre Batman, El caballero oscuro, sirvió para introducir una visión algo distinta sobre el personaje y sobre todo sobre su antagonista, un Joker interpretado por Heath Ledger. Esta película le abrió la posibilidad de hacer sus películas más personales que le han permitido experimentar técnica y visualmente, Origen, Interestelar (comentada en el blog en febrero de 2015)y ahora Dunkerque.
En mayo de 1940, Alemania inicia la invasión de Francia. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeadas por el avance del ejército alemán. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, la casi totalidad de las fuerzas británicas, parte del ejército belga y tres unidades del ejército francésse enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca. La película relata la Operación Dinamo, una complicada operación de evacuación, que permitió el rescate de más de 200.000 soldados británicos y más de 100.000 franceses y belgas. Para hacerlo, Nolan toma una serie de decisiones. En primer lugar, nunca vemos al enemigo como tampoco vemos al mando británico. Solo asistimos a la operación desde tres perspectivas distintas. Playa, mar y aire. Los soldados en tierra esperando ser evacuados, las embarcaciones, muchas de ellas civiles, encargadas de hacerlo y la aviación que intenta evitar que los aviones alemanes los bombardeen y ametrallen. Una estructura narrativa aun más compleja en cuanto que no existe una continuidad temporal, algo que por otro lado no nos sorprende en Nolan, que juega con alternar los tres focos que se desarrollan en espacios temporales diferentes, algo que nos anuncia al principio de la película mediante unos rótulos que no nos aclaran nada y que no me parece, en absoluto, un acierto. Una notable utilización de los medios, rodada con cámaras Imax y de 65 mm, nos transmite en bastantes momentos la sensación de agobio, de lucha por la supervivencia de los atrapados. Pero lo hace a través de unos pocos personajes faltos de personalidad dramática. Lo que hace que las interpretaciones, salvo, quizás la de Mark Rylance, no aporten nada destacable. Y no nos transmite, o yo no la aprecio, la dimensión de una operación en la que se vieron implicados gran cantidad de barcos. Esto, unido a la presencia excesiva de la, por otra parte, excelente música de Hans Zimmer, hace que la película quede, en mi opinión, notablemente por debajo de, por ejemplo Salvad al soldado Ryan, aunque aquí se nos evita la imagen de carnicería gore de la película de Spielberg. Está claro que mi opinión sobre Christopher Nolan y en especial sobre esta película no coincide con la de la mayoría de la crítica. Hace tiempo que no había encontrado una opinión favorable tan unánime. Es curioso señalar que la evacuación de Dunkerque es también una parte importante de la película Su mejor historia, estrenada y comentada hace unos dias.
Grupos de estudiantes de Comunicación audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona han conseguido últimamente poner en marcha diferentes proyectos que han llegado a las pantallas comerciales. Ese fue el caso de Las amigas de Ágata, y ahora de esta película Julia ist que está dirigida por Elena Martín, la protagonista de la anterior, que también es la autora del guion y su protagonista, aunque como ella dice se trata de un trabajo de equipo. Julia ist obtuvo la Biznaga de plata a mejor película y mejor directora en el festival de Málaga. Recuerdo que en la década de los sesenta un grupo de cineastas catalanes dio lugar a lo que se llamó Escuela de Barcelona, un grupo bastante heterogeneo que emparentaba en su deseo de romper con lo existente con el cine de la Nouvelle vague francesa o el Free Cinema inglés. Ahora parece que Barcelona es el origen de otro movimiento, nacido en las diferentes escuelas de cine allí ubicadas.
Julia (Elena Martín) es una estudiante barcelonesa de arquitectura de 21 años que decide irse de Erasmus a Berlín. Deja en Barcelona a su novio y su familia con la que vive. Una vez allí, se ve perdida en medio de una ciudad fría y gris. Se da cuenta de que no se conoce tanto como creía ni sabe muy bien lo que quiere hacer con su futuro. Poco a poco, Julia irá construyendo una nueva vida en Berlín mientras conoce la ciudad y su gente. Una interesante visión de lo que significa para un joven la experiencia de irse a vivir a otra ciudad en un pais desconocido lejos del manto protector de la familia y las amistades. Una visión alejada de las fiestas y tipo de vida que se suele identificar con la experiencia de las becas Eramus. Lo que aqui se muestra es lo que supone introducirse en un marco de relaciones diferente y sin la protección cotidiana que marca la vida en su residencia habitual. La directora ha aprovechado su propia experiencia y la de algunos compañeros como estudiantes de comunicación en Berlín, algunos años atrás, para mostrar "el momento de desorientación en el que te das cuenta de que sin referencias ni contexto estás muy perdida". En este sentido el personaje central se ve obligado a tomar responsabilidades y decisiones a las que no está acostumbrada y asistimos a ese proceso de cambio. Este aspecto de la película me resultó atractivo, si bien se echa de menos la presencia de un conflicto más definido, algo más allá de mostrar la vida cotidiana de esta chica en un mundo diferente. Algo que consiga enganchar mejor al espectador. A destacar la multitarea de Elena Martín que se muestra como directora y actriz a seguir.
Lone Scherfig es una directora danesa que empezó su carrera dentro del movimiento Dogma 95 impulsado por Lars Von Trier. Pero su reconocimiento internacional le llegó con una película que no seguía las directrices de ese movimiento, Italiano para principiantes (2000), que ganó un Oso de plata en Berlín y varios premios y nominaciones más. La película An education (2009) la introdujo en el cine del Reino unido. Tengo un buen recuerdo de esta película que además supuso el descubrimiento de Carey Mulligan en lo que se ha convertido en una notable carrera. Su mejor historia es la adaptación de una novela de Lissa Evans y en la producción han coincidido los productores de An education, Brooklin y Carol, lo que supone una buena garantía.
En plena Segunda Guerra Mundial, cuando los bombardeos se suceden sobre Londres, el ministerio de información británico decide utilizar el cine para levantar el ánimo de la población. Los productores encargados buscan que la historia tenga un "toque femenino" ( las mujeres son las grandes consumidoras de películas, sus maridos están en el frente) y deciden incorporar a una mujer al grupo de guionistas.Así llega la gran oportunidad para Catrin Cole, una joven secretaria que se convierte en una pieza importante en un equipo esencialmente masculino que no ve con buenos ojos la presencia de una mujer en sus tareas. Paralelamente vemos la relación de Catrin con su pareja. La película se mueve por tres caminos sin que, en mi opinión, los consiga ensamblar adecuadamente. Por un lado, la creación de la película, una historia sobre dos hermanas que consiguen rescatar a soldados heridos en Dunkerque, que es la parte más atractiva. Nos muestra la confección del guión, la manipulación de la realidad, el encuentro con los actores y el rodaje. Cine dentro del cine. Por otro, tratado con cierto aire de comedia y no muy original, la presencia femenina en un equipo casi exclusivamente masculino, que se nos muestra en varios momentos mucho más inteligente y con capacidad de resolver situaciones que los profesionales. Y por último el aspecto sentimental, su relación con una pareja poco fiable y con un compañero guionista. Esta es, para mi, la parte menos válida de la película, bastante previsible en muchos momentos, y que se decanta por un tono muy melodramático. Su mejor historia tiene como punto de apoyo fundamental la solidez habitual del cine británico y, sobre todo, la interpretación de Gemma Arterton (que fue chica Bond en Quantum of solace y a la que recuerdo en Tamara Drewe) y Bill Nighy, un veterano actor inglés, que aquí está que se sale. Una muy correcta película, interesante, pero con la pega de una cierta indefinición en su tratamiento de la comedia y el melodrama.
Esta película viene a cerrar la trilogía que se ha dedicado a explicar que es lo que pasó en la Tierra mientras los astronautas de la novela y película El planeta de los simios viajaban por el universo, para que cuando volvieron a ella se encontraran con un planeta donde los simios habían ocupado el lugar de los hombres. Una explicación que, personalmente, no me parece necesaria en absoluto. Los encargados de esta tercera entrega son los mismos de la segunda (El amanecer...) Matt Reeves como director y guionista, Mark Bomback y Pierre Boulle también como guionistas y Peter Chernin como productor. Curioso que se acredite a Pierre Boulle como guionista cuando el autor de la novela original lleva mas de veinte años muerto.
César y sus simios se ven forzados a luchar contra un ejército de humanos dirigidos por un despiadado Coronel. Tras perder a su pareja, César se enfrenta a sus instintos más oscuros y comienza su propia cruzada para vengarse y rescatar a sus compañeros que están siendo utilizados como esclavos en la construcción de un muro que, curiosamente, defienda al ejército del Coronel de otros ejércitos humanos y no de los monos. Así, finalmente, la batalla que determinará el futuro de las especies y el planeta no será entre hombres y monos, sino entre los propios hombres, lo que enlaza con la idea final de la primera película. Creo que lo más destacable de la película es la utilización de la tecnología CGI en los personajes de los simios a los que dota de expresiones llenas de emoción. Y dentro de esto la presencia de Andy Serkis, un especialista en este tipo de interpretaciones. Por otra parte, la aparición del personaje del Coronel, un personaje claramente inspirado en el Coronel Kurtz de El corazón de las tinieblas y, sobre todo, su presencia, interpretado por Marlon Brando, en Apocalipsis now. Y el hecho de que los simios de la historia, capaces de hablar o no, muestren tal cantidad de sentimientos y capacidad organizativa que hace pensar en una evolución que hubiera necesitado cientos o miles de años para su desarrollo. Lo demás, una historia de acción espectacular, desarrollada con muchos medios, muy comercial y que se esfuerza en cerrar la mayor cantidad de cabos sueltos y enlazar con la historia original.
Otra película que supone el debut de una realizadora. Carla Simon es la directora y guionista de Verano 1993, una película en la que nos cuenta lo que fue su experiencia cuando murieron sus padres victimas del sida y ella tenía solamente 6 años. Según ella misma cuenta el proyecto nació en el III Laboratorio de Escritura de Guion Cinematográfico de la Fundación SGAE en el año 2015, una iniciativa que tiene por objeto la promoción de la creación, el impulso de las experiencias colaborativas y el intercambio de ideas entre los creadores contemporáneos en las disciplinas de creación teatral, guion de cine y creación de series de televisión. Una experiencia que recuerda con cariño y que compartió con otros cineastas bajo la dirección de Alberto Rodriguez (El hombre de las mil caras, La isla mínima, Grupo 7...) Ganó el premio a mejor película en el festival de Málaga y Mejor opera prima en Berlin.
Frida es una niña de seis años que acaba de perder a su madre. En un aislado entorno rural cerca de Barcelona, la niña vivirá con sus tíos y su prima. Nadie le cuenta las verdaderas circunstancias de la muerte de su madre y a ella le resulta difícil adaptarse a su nueva vida. La película narra con una extraordinaria sensibilidad la vida de esta niña durante ese verano. Se apoya en la presencia de Laia Artigas como Frida y de Paula Robles como su prima, dos niñas capaces de transmitir con gran naturalidad todo el sentimiento de una historia que se convierte en un análisis de los sentimientos de una niña enfrentada a la muerte y los prejuicios de un entorno bienintencionado que solo es capaz de mostrar compasión pero incapaz de comprender y que la excluye, de alguna forma, del entorno familiar. Y la difícil relación con sus nuevos padres. Una realización y una dirección de la actuación de las niñas muy cuidadas y con un alto componente sentimental ya que está contando su propia historia, pero sin caer en ningún momento en el melodrama. Y una presencia infantil, la de Laia Artigas, que recuerda la de Ana Torrent en El espíritu de la colmena y Cría Cuervos, a la que acompañan Bruna Cusí, a la que hemos visto en Incierta Gloria y David Verdaguer (10.000 Kms). Uno de los títulos más destacados del cine español en este año.
En los últimos meses han aparecido una serie de películas, teoricamente de terror, que parecen responder a un cambio de enfoque en el tratamiento del género. En general no creo que sea adecuado llamarlas de terror cuando, en mi opinión, se trata más bien de películas de intriga.Me refiero a títulos como Babadook, La bruja, Déjame salir y la que hoy comento, Llega de noche. Con elementos fantásticos en ocasiones y simplemente de suspense en otras. Llega de noche tiene guión y dirección de Trey Edward Shults, con solo otra película dirigida con anterioridad, Krisha un suspense psicológico interpretado por sus propios familiares.
La acción se sitúa en una casa aislada al borde de un bosque. Allí vive Travis, un joven adolescente, junto a sus padres, Paul y Sarah y su perro. Y están voluntariamente aislados ante una amenaza que invade el mundo exterior a la que ha sucumbido el abuelo, al que vemos como es sacrificado al comienzo del film. El orden que ha establecido en el hogar se rompe cuando un hombre llega pidiendo refugio para él, su mujer y su hijo pequeño. Las familias empiezan a convivir, pero una puerta abierta cuando debería estar cerrada da lugar a la desconfianza. Aunque la película se centra en la figura del padre, Paul, el centro del conflicto es el hijo. La sobreprotección ante la amenaza del exterior a la que está sometido hace que la historia pueda interpretarse como una alegoría de la extrema protección a la que a veces se somete a los hijos. Una protección inútil en cuanto que no es posible la existencia sin conexión con el mundo exterior y, aunque solo sea por curiosidad el protegido acabará expuesto al contagio. Y es esa lucha entre la seguridad de la casa y la familia y la llamada del exterior en la que se mueve Travis, lo mas interesante de la película También es interesante la figura del padre que se nos muestra un hombre abierto en algunos aspectos(tanto su esposa como el hijo son negros y él blanco) pero totalmente cerrado ante la amenaza del exterior. Acepta más por interés que por humanidad recoger a la otra familia pero en ningún momento se fía de ellos e impide su marcha cuando la confianza se rompe. Razonablemente bien narrada, muy oscura en su fotografía del interior de la casa y con el conocido Joel Edgerton como el padre, y otros actores no tan populares en el resto de los papeles, Llega de noche utiliza muchos elementos del género de terror para crear inquietud, que no terror. Apreciable
Película polaca dirigida por Tomasz Wasilewski que también es el autor del guion, pero en la que, según él mismo confiesa, tiene una notable importancia el director de fotografía, el rumano Oleg Mutu que contribuyó a darle a la película una textura especial. Es la tercera película de este director y fue premiada en Berlín en 2016 como mejor guion.
La historia se sitúa en la Polonia de 1990, el tiempo en que el país empieza a abrirse al capitalismo, Alemania se va a unificar y el comunismo está desapareciendo en los países del este. Cuatro mujeres de diferentes edades se mueven entre sus amores insatisfechos, con la dificultad que supone encontrar la felicidad personal en un país en transición. Ágata vive un matrimonio infeliz y busca una relación imposible con un sacerdote. Renata, profesora ya madura está enamorada de su vecina Marzena, cuyo marido está trabajando en Alemania, y quiere ser modelo. Las dos dan clase en un instituto en el que estudia la hija de Ágata, dirigido por la hermana de Marzena, que ve como se rompe su relación con el padre de una alumna. T Cuatro historias cruzadas de situaciones sentimentales difíciles. Bien narrada, mantiene el interés por las historias personales de estas cuatro mujeres, historias que no cierra, sino que al contrario deja en suspenso. Cuatro actrices muy notables nos transmiten perfectamente su infelicidad y su frustración en una película que recuerda y enlaza con otro director polaco, Kieslowski, ya desaparecido, que en su Decálogo nos venía a hablar del ser humano y sus contradicciones morales, en la Polonia anterior a la caída del comunismo. Película nada optimista, pero que me gustó.
Película de acción dirigida por el británico Edward Wright, procedente de la TV, del que pese a tener ya una larga carrera y haber dirigido varias películas, no he visto ninguna. También es el autor del guión y, sobre todo, responsable de la estructura musical de la película.
Baby es un conductor, apasionado por la música y cara de niño, que transporta a los componentes de la banda de Doc en sus acciones delictivas, generalmente asaltos a bancos. Es el mejor. Pero cuando conoce a una camarera llamada Débora y cree que puede alejarse de lo que ha sido su vida hasta entonces, despierta las sospechas de sus compañeros. Su último golpe no saldrá como esperaba y verá como su vida, su libertad y su amor se ven amenazados. Las persecuciones y exhibición de habilidades en la conducción de automóviles casi podrían constituir un genero cinematográfico. Y cada vez son más espectaculares y mejor rodadas. La figura de Baby, un extraordinario y seguro conductor capaz de salir de las más complicadas situaciones al volante del coche mientras escucha música en los cascos para no tener que soportar el permanente zumbido en sus oídos es realmente atractiva. Lástima que la historia que se nos cuenta la hemos visto muchas veces, y no solo en películas de este tipo sino en westerns, género al que debe muchas de las situaciones presentes en esta. Y que los personajes no dejan de ser estereotipos que en algún momento llegan a caer casi en el ridículo. No recuerdo a los dos actores jóvenes, Ansel Elgort y Lily James aunque veo que han participado en películas y series de TV que he visto. También están los muy conocidos Kevin Spacey, Jamie Foxx y John Hamm Lo más destacado en esta ocasión, aparte las persecuciones, es la utilización de la música que la convierten en una sucesión de videoclips de ritmo trepidante. Lo cierto es que como el tipo de música que utiliza no me resulta atractivo, me costó sentirme involucrado en lo que se me cuenta, pero desde luego, la película está muy bien rodada y montada de forma que da la sensación de que todo está realizado en función del acompañamiento musical.
Aki Kaurismäki es un conocido director finlandés cuyas películas son frecuentemente presentadas y alabadas en festivales desde que debutó en 1983. Incluso una película suya, Un hombre sin pasado, fue seleccionada para el Oscar en 2002. A pesar de lo dicho, no he visto ninguna de sus películas aunque la anterior a esta, El Havre, tengo que reconocer que se me escapó. Parece que es un director con un estilo muy definido, que suele moverse en un universo de personajes perdedores.
Helsinki. Khaled, un joven inmigrante sirio, llega oculto de polizón en un barco de carga, huyendo de los horrores de la guerra en Alepo. Mientras, un comercial anodino llamado Wikström decide poner fin a su matrimonio, cambiar de negocio y abrir un restaurante poco frecuentado. Sus caminos se cruzarán y Wikström ofrecerá a Khaled techo, comida y trabajo. Pero el sueño del chico es encontrar a su hermana, que también huyó de Siria y de la que se vio separado al cruzar la frontera de Turquía. De una forma eficaz el director nos transmite la situación de los refugiados que huyen de Siria. Khaled ha perdido a toda su familia excepto a su hermana, encontró su casa en ruinas, pero ve su solicitud de residencia rechazada porque la situación en su pais no es "tan dramática". Como tantos otros refugiados, opta por quedarse ilegalmente y desaparecer en las calles de Helsinki. Allí se enfrenta al racismo en sus diversas modalidades, pero también encuentra solidaridad entre otros refugiados y la ayuda de un grupo de gente un tanto extraña que, al parecer, caracteriza el cine de este director, trabajadores en un restaurante un tanto patético. Para terminar con un final ambiguo y abierto. Reconociendo que se trata de un cine extraño, de una gran sobriedad y contención en todos sus aspectos y que puede resultar aburrido, tengo que decir que la película me interesó. Aunque de los dos personajes principales, son las peripecias del refugiado las que me parecieron mejor definidas y desarrolladas. No tanto la del viajante convertido en dueño de un restaurante. Aki Kaurismäki es un director a seguir en el futuro, si es que no cumple su deseo de abandonar el cine como ha comentado en algunas declaraciones.
Florian Zeller es un joven (38 años) autor francés, que junto a Yasmina Reza son los dramaturgos más representados fuera de su pais. Autor de más de una decena de obras de teatro y varias novelas, fue dado a conocer en España con el montaje de La verdad, que llevó a cabo José María Flotats en 2012. También conocemos El padre, que se representó el año pasado en el Bellas Artes con Hector Alterio. De sus obras de Zeller se ha dicho que suelen tener un tono cómico que no renuncia a momentos más tensos que encuentran su distensión en un arranque de humor. Muchos de sus textos han sido calificados de "neovodeviles" que hablan fundamentalmente del juego amoroso, de la dificultad de relacionarse, tanto en pareja como con los amigos, de las múltiples caras de la soledad. Lo importante en sus obras no es la historia que se plantea inicialmente sino las consecuencias y cómo influyen en las relaciones humanas.
Alicia sorprende al marido de su mejor amiga con otra mujer. Esa misma noche van a cenar con la pareja. ¿Debe contarlo? Su propio marido insiste con vehemencia en que no lo haga. ¿Por qué? ¿Tiene él algo que ocultar? En su obra La verdad a la que me he referido anteriormente, Zeller nos presentaba a un marido engañador y, a su vez engañado, en un juego sobre la verdad y la mentira en las relaciones de un hombre con su mujer y su amante. En La mentira vuelve sobre el tema tratando de darle un enfoque diferente pero que no deja de ser variaciones sobre un mismo tema. Una obra hábilmente construida, dirigida e interpretada pero que no pasa de ser una comedia de bulevar, de enredo, donde las relaciones entre los miembros de dos parejas se tuercen y retuercen de forma bastante previsible, con el añadido de un epílogo final, totalmente innecesario en mi opinión, que pone de manifiesto la trampa del planteamiento dramático, ya que de haberse desarrollado esa escena en su totalidad en el momento temporal que le corresponde, todo lo que hemos visto perdería razón de ser. Y el juego del vodevil, de seguir existiendo, sería otro. Claudio Tolcachir le da a la puesta en escena un desarrollo muy ágil, con mucho ritmo, apoyada en una notable interpretación, en especial de la pareja Natalia Millán y Carlos Hipólito. Un pero, Hipólito se muestra en algunos momentos excesivamente amanerado. Es cierto que su personaje parece en muchos momentos un tanto pusilánime, dominado por la personalidad de su mujer, pero creo que se ha pasado un poco. Les acompañan con corrección Mapi Sagaseta y Armando del Rio en unos papeles sin mucho recorrido. Una obra menor, agradable, que plantea una situación interesante aunque no muy original. Sigue sin convencerme este autor después de haber visto tres obras suyas.
Coproducción hispano argentina dirigida por Lucas Figueroa, un director y guionista argentino que tuvo cierto éxito con un corto, Porque hay cosas que nunca se olvidan y con solo una película anterior, Viral, que no parece que fuera un éxito precisamente, pese a lo que ha conseguido financiación para esta comedia en la que lo más destacable es el reparto.
Javier, un español ejecutivo de una multinacional en Buenos Aires, trata de hacer compatible la eficiencia con la relación humana con sus subordinados. Enfrentado a una reducción de personal y a la competencia con Sam, otro español, por el puesto de trabajo, indica mal una dirección a un desconocido que le pregunta en la calle. Este error se convierte en una pesadilla cuando el desconocido empieza a acosarle reclamando una indemnización. Una película que podía haber sido de acción, o de denuncia de las malas prácticas en las multinacionales o una comedia de infidelidades o... Y que se queda en nada por una tremenda falta de definición en sus situaciones y personajes. Lástima, porque cuenta con un buen reparto y un principio de historia que a falta de originalidad, resulta prometedor. Pero que después se va diluyendo en una trama empresarial mal desarrollada y dramas familiares y chistes un tanto previsibles. A destacar la presencia de Darío Grandinetti, el mejor de la película, Imanol Arias y Hugo Silva, lastrados por unos personajes mal definidos. Y unos secundarios exagerados y caricaturescos pero que muestran la calidad de los actores argentinos.
