Cine: UNA ÍNTIMA CONVICCIÓN

El cine y la televisión nos han acostumbrado a asistir a juicios basados en la justicia norteamericana e inglesa. No son frecuentes, sin embargo, películas o series que se desarrollen en España o en en otros países no anglosajones. Recuerdo como relativamente reciente El juez, película francesa de 2015, que se centraba en la figura de un juez, no en los juicios. En España El crimen de Cuenca (Pilar Miró), Jarrapellejos, El caso Almería y La suerte dormida son algunos de las pocos títulos destacables en los últimos cuarenta años.

Una íntima convicción es un alegato sobre la presunción de inocencia basado en un hecho real, un padre de familia acusado del asesinato de su esposa tras la desaparición de esta, un proceso que no terminó hasta casi una década después. Nunca apareció la víctima y además el principal acusador fue el amante de la desaparecida. Durante el juicio encontró a alguien que creyó firmemente en su condición de inocente. Aunque en la película se trata de un personaje inventado, en la realidad podría haber sido el director del filme Antoine Raimbault: «Fui a Toulouse para asistir al juicio y allí descubrí a un hombre acusado sin pruebas», explica.

Desde que Nora formó parte del jurado en el juicio de Jacques Viguier, acusado del asesinato de su esposa, está convencida de su inocencia. Por temor a un error judicial, convence a un letrado para que lo defienda en un segundo juicio. Juntos lucharán para conseguir nuevamente su absolución; pero la búsqueda de la verdad de Nora se convierte en obsesión.

La película comienza con el final del primer juicio, celebrado en 2009: el juez se dirige a los miembros del jurado recordándoles que deben tener una íntima convicción de la culpabilidad para condenar al acusado. Luego sabremos que entre los miembros del jurado, que lo declara no culpable, está Nora quien sí tiene la intima convicción de su inocencia. Este personaje forma parte de la ficción dramática y es una mezcla del director y guionista de la película y de una joven amiga del acusado. Y me pareció lo mas flojo en una historia de intriga que se centra en la obsesión del personaje de Nora por demostrar la inocencia. Una obsesión que contrasta con la tranquilidad y experiencia del abogado defensor. En este sentido es muy interesante como la acusación se basa en rumores e hipótesis pero sin una sola prueba real. Exactamente la misma situación de Nora respecto a la inocencia y la búsqueda de otro culpable.  

Bien interpretada por actores a los que apenas conozco, destaca Olivier Gourmet en el personaje del abogado y su alegación final y también Marina Fois como Nora. Narrativamente la película y el trabajo de su director, el debutante Antoine Raimbault son correctos, aunque se echa de menos algo de imaginación a la hora de presentar las grabaciones telefónicas de los diferentes personajes.

Interesante más en su planteamiento ético y jurídico que en su desarrollo dramático.

Cine: LOS INFORMES SOBRE SARAH Y SALEEM

No es habitual ver producciones palestinas en nuestras pantallas. Recuerdo una bastante notable, Omar, comentada hace ya cinco años. La que ahora comento fue presentada en la Seminci de Valladolid y su guion fue premiado en Rotterdam el año pasado. Tanto Omar como ésta son películas que presentan historias inicialmente sin incidencia política pero que  se ven transformadas por la situación de división entre israelíes y palestinos. Muayad Alayan, el director de Los informes... es un palestino que vive en Jerusalen. 

"Crecí en Jerusalén, en la parte ocupada del lado este. Es un lugar hermoso y triste a la vez, donde el sistema puede convertir en cualquier momento tu vida tal y como la conoces en un entramado de problemas mucho más grande de lo que un ser humano puede soportar o manejar". La película trata la relación extramatrimonial entre una israelí y un palestino, y cómo las cuestiones políticas pueden complicarlo todo.

Sarah es judía y regenta un café en Jerusalén Oeste. Su marido es Coronel del ejército. Saleem es un palestino de Jerusalén Este y trabaja como repartidor. Su mujer está embarazada. Pese a pertenecer a mundos separados se embarcan en una relación de infidelidad. Cuando una arriesgada cita nocturna se tuerce
ambos ven como sus desesperados esfuerzos por salvar lo que puedan de sus vidas no hace sino agravar las cosas. Atrapados en la maquinaria de la ocupación y la presión socio-política, los dos se situarán en el punto de mira de las fuerzas de seguridad israelíes. 

Interesante historia que, a partir de lo que en cualquier otro lugar no sería más que una relación clandestina y las consecuencias familiares que se derivarían al hacerse pública, que se ve agravada por las circunstancias sociales y políticas. La manipulación policial, las acusaciones de terrorismo, la venganza airada, la comprensión y la duda  les llevan a actuar de manera egoísta y haciéndose daño uno al otro para poder sobrevivir.

El guion del hermano del director, Rami Alayan, se aleja del relato romántico para acercarse a la realidad sobre como israelies y palestinos están separados, y sobre los sistemas creados para prolongar su segregación. Se trata de contar una historia que tiene su base en la vida cotidiana en Jerusalén y en la existencia de sistemas represores de la convivencia entre las dos comunidades, cuya actuación degenerará el conflicto. Incluso el título hace pensar en una investigación oficial.

En su desarrollo vemos a Sarah, una mujer de clase media, privilegiada y poderosa ante un palestino de otra clase social. Es significativo que la compañera de Sarah cuando se entera de la situación no se preocupe por la infidelidad sino por el hecho de que sea con un palestino. Tiene momentos muy logrados, como el desplazamiento de la pareja a Belén, con el nerviosismo de Sarah al penetrar en el territorio donde se siente mal recibida y que a la larga producirá el incidente desencadenante del conflicto. Es una lástima que en su último tercio la película desemboque, para su resolución, en una serie de decisiones de los personajes, especialmente de la embarazada esposa de Saleem y sus familiares, poco comprensibles  incluso en una situación desesperada.

La película se ha relacionado con algunas de las películas de Asghar Farhadi 
(Nader y Simin, una separación, El viajante). Pero lo que en éste es utilización de la elipsis y sencillez narrativa, aquí produce cierta acumulación en busca de conducir el conflicto de manera que las relaciones de pareja se lleguen a ver como traición patriótica.

Película interesante, bien interpretada, con dos personajes femeninos muy atractivos y una visión diferente del conflicto palestino-israelí. 

Cine: DOWNTON ABBEY

Downton Abbey es una serie de TV que se pudo ver en diferentes cadenas y plataformas entre los años 2010 y 2015. Describe la vida de una familia aristocrática y los sirvientes de su mansión, que da título a la serie. A lo largo de la misma vemos como se relacionan entre si y con el resto de la sociedad desde 1912 hasta bien entrada la década de los veinte, a partir del hecho de que el heredero de la familia muere en el hundimiento del Titanic. Una buena serie, un tanto melodramática, y algo irregular a lo largo de sus más de 50 capítulos en 6 temporadas, pero que en su momento seguí con interés y agrado, sobre todo por sus intérpretes y buena ambientación. Su creador Julian Fellowes, fue ganador de un Oscar al mejor guion por Gosford Park (Robert Altman, 2001), donde ya jugaba con la mezcla de los dos mundos, aristócratas y sirvientes, en una gran mansión inglesa. Creo que actualmente la serie no está disponible en ninguna plataforma. 

La historia se centra en el efecto de una visita real en la familia Crawley y su servidumbre. La relación de los invitados y el séquito real con la familia y el servicio genera diferentes conflictos resueltos de forma amable. 

La película parece concebida como un capítulo más de la serie, retomando a los personajes pocos años después de su final, manteniendo sus virtudes principales, interpretación y ambientación. Los conflictos, incluso los mas graves y dramáticos, son tratados de forma amable y divertida. Se aprecia un intento de puesta al dia en los conflictos, siempre desde una óptica conservadora.

No sé hasta que punto la película puede ser disfrutada sin conocimiento previo de la serie, pero lo cierto es que para los que la conocemos y, sobre todo, para sus admiradores, es muy agradable volver a encontrar a sus personajes en pantalla grande. Si siempre considero recomendable la versión original, en este caso todavía más.

Cine: LITUS

Adaptación al cine de una obra teatral de Marta Buchaca, estrenada en 2012 en una pequeña sala, la sala Flyhard y que llegó posteriormente al Teatre Lliure de Barcelona y, que yo sepa, no se ha presentado en Madrid. Su obra más conocida es, probablemente Losers, que se pudo ver en el Bellas Artes en 2014. No conozco ninguna de sus obras. 

Está dirigida por Dani de la Orden. Sus trabajos mas destacados hasta ahora en cine han sido Barcelona, noche de verano (2013) y Barcelona, noche de invierno (2015) y ha dirigido parte de la serie de TV Élite. Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Alex García, Adrián Lastra, Miquel Fernández y Marta Nieto son los actores principales,

Hace tres meses Litus murió en un accidente de coche. La que fue su novia, sus dos amigos y su antiguo compañero de grupo de música se reúnen en el piso donde vivía convocados por su hermano Toni. Se trata de entregar una carta de despedida a cada uno de ellos. En la reunión los secretos y las tensiones de su relación saldrán a la luz. 

La reunión de un grupo de amigos con ocasión de algún acontecimiento que afecta a alguno de los miembros de ese grupo, ha sido utilizado en bastantes ocasiones en el cine y el teatro. Vienen a mi recuerdo Reencuentro,(Lawrence Kasdan, 1983) y Los amigos de Peter (Kenneth Branagh, 1991). A esta última hace referencia, quizá para curarse en salud, uno de los personajes en la película. 

La película evidencia su origen teatral, pese a que la realización de De la Orden trata de darle un ritmo distinto, cosa que consigue en bastantes momentos mediante abundancia de primeros planos. Pero es la palabra la que hace avanzar la acción. Una serie de revelaciones, reproches y acusaciones nos muestran la frustración de unos personajes de los que, en general, se echa de menos una mejor definición.

Elemento fundamental en una obra como esta es la interpretación. Aunque no se puede reprochar nada a los actores, es difícil saber si la falta de definición de los personajes es achacable a ellos o a los creadores. El caso es que pese al premio de interpretación a Quim Gutiérrez en el Festival de Málaga, la actuación de los actores, con excepción de Belén Cuesta. me pareció un tanto irregular y no resulta fácil encontrar el tono entre comedia y drama de la película.

Tampoco parece que los cambios de la película sobre la obra de teatro, con el concierto y canción final y la presencia del personaje de Marta Nieto, aporten gran cosa. En conjunto una película demasiado superficial, aunque apreciable.

Cine: VIVIR DOS VECES

Dirigida por María Ripoll, una ya veterana directora catalana, con ocho largometrajes de los que recuerdo haber visto Ahora o nunca, notable éxito de taquilla comentada en este blog y  No culpes al karma de lo que te pasa ... Parece especializada en comedias sentimentales. En ese género se puede incluir este nuevo estreno.

Emilio (Oscar Martínez) es un anciano que recibe la desoladora noticia de que tiene Alzheimer y va a perder la memoria. Con el objetivo de volver a ver al amor de su juventud, antes de que este hecho suceda, Emilio emprende un disparatado viaje, acompañado por su hija Julia (Inma Cuesta), su yerno (Nacho López)y su nieta Blanca (Mafalda Carbonell). 

Película emotiva, tierna, simpática, tan poco original como correcta y familiar. Se acerca a muchos temas, Alzheimer, redes sociales, enfrentamiento generacional, la importancia de la familia... todo ello tratado sin mucha profundidad pero de forma simpática y familiar. Y apoyado todo en buenos intérpretes. A Oscar Martínez, (argentino sin acento), le hemos visto en la reciente El cuento de las comadrejas, El ciudadano ilustre, Paulina, Relatos salvajes, en la buena linea de actores argentinos. Inma Cuesta casi siempre me gusta y el descubrimiento es Mafalda Carbonell, hija de Pablo Carbonell, llena de simpatía y buen hacer como la nieta adolescente con una minusvalía, enganchada a las redes. Por cierto que las circunstancias de su minusvalía en la película responden a la realidad. Es una lástima que el personaje del yerno (Nacho López) al que no recuerdo haber visto antes, sea lo mas flojo de la historia.

En conjunto y aunque con momentos poco afortunados, la película es entretenida y podría relacionarse con Pequeña Miss Sunshine e incluso con la oscarizada Green Book. Se echa de menos, eso si, esa habilidad del cine norteamericano para convertir la corrección en algo más.

Teatro: PARQUE LEZAMA

Adaptada y dirigida por Juan José Campanella, director de películas tan populares como El hijo de la novia, El secreto de sus ojos y la reciente, El cuento de las comadrejas se presenta esta comedia del norteamericano Herb Gardner. Un  autor de comedias con personajes excéntricos, por lo general identificados con el espíritu neoyorquino, que mezclaban ingenio y atractivo personal. Su comedia más conocida es Mil payasos cuya versión cinematográfica obtuvo cuatro nominaciones a los Óscar. El título original de esta comedia es Yo no soy Rappaport. Se estrenó en Broadway en los 80 y ganó un premio Tony. En el original sus personajes principales son un negro y un blanco. Fue llevada al cine con Walter Matthau y Ossie Davis y dirigida por el autor. Pasó inadvertida.

La comedia cuenta el encuentro y la improbable amistad de un histórico militante del partido Comunista y un eterno seguidor del «no te metas». Sus charlas llenas de sonrisas, ternura y emoción, y los conflictos con personajes del parque y sus propias familias, abordan la soledad en la tercera edad, las relaciones familiares, el amor, las urgencias sentimentales, los ideales y la desilusión…

La obra nos presenta a través de dos personajes entrañables, dos formas de vivir la vida, el siempre vigente conflicto rebelión contra conformismo. Encontramos un personaje que aún confía en cambiar las cosas frente a otro que prefiere permanecer invisible, un inconformista y rebelde frente a un acomodaticio que prefiere pasar inadvertido. Un viejo que cuenta aventuras disparatadas sobre su existencia, dice haber sido militante comunista y agente secreto, que quiere arreglar el mundo combatiendo, como un moderno Quijote, las injusticias y los jóvenes delincuentes y defender a las mujeres del acoso del mundo actual. Al otro su temperamento le lleva  a no meterse en asuntos delicados y su preocupación principal es que la pérdida de la vista lo amenaza con quedarse sin trabajo en un edificio donde hace arreglos. Las discusiones entre ambos  y, sobre todo, las dificultades en que el primero de ellos mete al segundo, provocan situaciones divertidas y tiernas, apoyadas sobre todo en las interpretaciones de Luis Brandoni y Eduardo Blanco. 

Dice Campanella que el humor y la ternura de estos personajes, en conflicto consigo mismos, despertaron su interés y el deseo de trasladarla del Central Park de Nueva York a Parque Lezama, en Buenos Aires. Y que la obra se convirtió en la principal influencia en muchas de sus películas.

Lo cierto es que la obra se apoya fundamentalmente en sus dos actores principales, que se nos muestran tan entrañables como sus personajes. Pero sus conflictos con el resto de personajes son presentados de forma amable y superficial, muy adecuada para un público que no quiere sentirse incómodo con lo que presencia. Domina el humor sobre el conflicto. Y, en mi opinión, varias situaciones se alargan demasiado. En su adaptación Campanella ha tratado de desplazar lo que para mi es el aspecto social de lo que se plantea, a un ámbito más político con las menciones al pasado comunista de un personaje y la inclusión de la "Internacional" como fondo musical. De acuerdo en que todo lo social es político, pero creo que es innecesario este subrayado. 

En la representación a la que asistí, el publico, puesto en pie, ovacionó durante minutos a los actores. Luis Brandoni y Eduardo Blanco están muy por encima de la calidad del texto. También merece ser destacada la puesta en escena, sobre todo la iluminación que nos marca el paso del tiempo. Les auguro una larga temporada de éxito.

La sonrisa etrusca - Trailer español HD

CINE---LA SONRISA ETRUSCA

                " La madera y el verdor, la raíz y la sangre, el viejo y el niño avanzan compañeros, como sobre un camino, por ese tiempo que les está uniendo. Ambos hombro con hombro, en extremos opuestos de la vida, mientras la luna se mueve acariciádoles, entre el remoto girar de las estrellas".
                                      José Luis Sampedro  " La sonrisa etrusca "

 Resulta sorprendente esta adaptación de la novela de José Luis Sampedro, cuando su éxito ya está un poco olvidado, la primera edición es de 1985 , y más sorprendente resulta que la película sea americana  y dirigida por una pareja de directores israelitas que se estrenan con ella, Oded Binnum y Mihael Brozis.
 Recuerdo que me gustó la novela, aunque la tengo un tanto olvidada, me pareció una narración sencilla pero efectiva muy distinta de la que todo el mundo considera su gran obra " Octubre, Octubre" mucho más hermética, por esto al verla programada en Movistar ,se ha estrenado en plataformas sin pasar por los cines, ha conseguido interesarme.

  Rory Macneil ( Brian Cox) es un viejo escocés, tosco ,huraño, terco y resentido que afectado por una grave enfermedad decide viajar junto a  su hijo, al que no vé desde hace quince años, que reside en San Francisco en busca de un diagnóstico más certero. El conocer a su  nieto  de catorce meses y a Claudia (Rossana Arquette) cambia su carácter ,la ternura sustituye a la ira y el amor sereno de la vejez le reconcilia con el mundo y su familia.
     Los guionistas han respetado lo esencial de la novela, la conflictiva relación padre hijo,la eterna pugna entre campo y urbe, entre lo natural  y como se dice ultimamente "lo procesado", la relación que se crea entre abuelo y nieto, el último amor que sustituye sexo por ternura ,los odios atávicos del mundo rural.....
     Lo que han variado los adaptadores es el tiempo, los escenarios, y las nacionalidades. Calabria pasa a ser Escocia, Milán se convierte en San Francisco y la acción pasa del sigloXX al XXI, la posición social es mucho más alta y se eliminan algunos personajes no del todo imprescindibles, personalmente echo en falta el pasado partisano del protagonista que justificaba el odio que se profesaba con su vecino fascista y que en la adaptación se convierte en la banalidad de la muerte de un perro.
        "En la carnal arcilla del viejo rostro ha florecido una sonrisa que se petrifica poco a poco, sobre un trasfondo saguíneo de antigua terracota.
         Renato, atraído por la canción guerrera y por los gritos del niño, la reconoce en el acto: La sonrisa etrusca".
           Película entretenida que bordea el sentimentalismo sin caer en la sensiblería, que consiguió el premio al mejor reparto en el festival de Boston y el Gran premio del jurado en Montreal. En el reparto aparte de los mencionados Brian Cox y Rossana Arquette ( irreconocible) , figuran JJ Field, Thora Birch, Peter Coyote y Treat Williams , la fotografía es del español Javier Aguirresarobe.

Cine: QUIEN A HIERRO MATA...

Dirigida por Paco Plaza, nos llega esta película de intriga ambientada en el mundo del narcotráfico gallego. Da la sensación de que sigue los pasos de la serie de TV Fariña aunque también se podría relacionar con la película de David Cronenberg, Una historia de violencia (2005).

Paco Plaza dirigió junto a Jaume Balagueró las dos primeras películas de la serie REC, dirigió en solitario la tercera, participó en el guion de las tres y es también el director de Verónica (2015), una notable película de terror que obtuvo varias nominaciones a los premios Goya.

En la residencia de ancianos en la que trabaja Mario como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa.
Los dos hijos de Padín: Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. El fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una  deuda con un proveedor colombiano. Toño, recurrirá al enfermero para que colabore en convencer a su padre de que asuma la deuda...

Una muy aceptable película de intriga, bien realizada, con el único pero de que su guion es, en mi opinión, algo flojo y previsible, con bastantes situaciones un tanto forzadas. Una historia de venganzas, apoyada en la interpretación de Luis Tosar que vuelve a ser aquí un personaje un tanto retorcido y un puñado de intérpretes, algunos gallegos, en general desconocidos para mi, entre los que destaca Xan Cejudo en el personaje de Antonio Padín, a quien está dedicada la pelicula, fallecido hace un año tras el rodaje. También destaca María Vazquez como esposa de Mario y Enric Auquer (al que recuerdo sobre el escenario en In memoriam) e Ismael Martinez pese a sus personajes, los hijos del patriarca, a los que tratan de sacar del estereotipo.  

He leído comentarios que relacionan estéticamente esta película con las del hongkonés Wong Kar-wai e incluso con Darío Argento, el director italiano que en los años 70 revolucionó el cine de terror. No he visto nada del director de Hong Kong y tengo un débil recuerdo del italiano, una de cuyas películas Suspiria acaba de ser objeto de una nueva versión.  Incluso me señalan que en esta película la residencia donde trabaja Mario, se llama Darío Argento, entiendo que como homenaje. No se si realmente existen esas semejanzas, pero si tengo que decir que el aspecto visual es lo que me pareció más destacable en esta película, a lo que contribuye, por supuesto, la fotografía de Pablo Rosso.