LA HUMILLACIÓN_ PHILIP ROTH.

La humillación.
Philip Roth.

Debolsillo.
155 Pag.

Philip Roth es uno de los grandes escritores estadounidenses, eterno candidato al Nobel y uno de mis preferidos; en el año 2012 anunció su  retirada de la literatura, ahora a sus 82 años parece haber cumplido su propósito, su última novela Némesis es de esa fecha, en una entrevista por esas mismas fechas confesó:
        // He dedicado mi vida a la novela: he estudiado, he enseñado, he escrito y he leído. He dejado fuera casi todo lo demás. Ya basta. Ya no siento ese fanatismo por escribir que sentía antes //
quizás por ello sus últimas novelas son de pocas páginas lo que no les quita interés, intensidad y calidad literaria.
Entre estas novelas queda incluida "La humillación" en ellas Roth reflexiona sobre la vejez, la pasión tardía y principalmente sobre la enfermedad y la muerte, siempre con elementos de su propia biografía, se puede afirmar que estas novelas son su testamento literario.
"La humillación"es su novela número treinta, posteriormente solo ha publicado "Némesis", el protagonista de la novela es Simón Axler un prestigioso actor de teatro clásico en el ocaso de su carrera, quizás por ello la novela se estructura en tres capítulos/ actos como si de una obra de teatro se tratara, tres actos que corresponden a la exposición ,nudo y desenlace tal como nos enseñaron en el bachillerato.
Estos tres capítulos se nombran "En el aire leve", "La transformación" y "El último acto".
                               1--EN EL AIRE LEVE--
Prospero:
Te veo preocupado, hijo mío ,
y como abatido.Recobra el ánimo.
Nuestra fiesta ha terminado. Los actores,
como ya te dije, eran espíritus
y se han disuelto en el aire ,en aire leve,
y, cual la obra sin cimientos esta fantasía,
las torres con sus nubes, los regios palacios,
los templos solemnes, el inmenso mundo
y cuantos lo heredan, todo se disipará
e igual que se ha esfumado mi etérea 
función, no quedará ni polvo. Somos
de la misma sustancia que los sueños
y nuestra breve vida, 
culmina con el morir.
La tempestad-William Shakespeare.

Simón Axler es un actor maduro que intempestivamente pierde su magia, descubre que el talento le abandona, su comunicación con el público se rompe, y tras fracasar en un programa doble, con un Shakespeare de baja intensidad "La tempestad"  y uno de alta "Macbeth", se desmorona e ingresa en un hospital psiquiátrico.
"Dejar de ser el actor que era de una manera tan precipitada resultaba inexplicable, como si una noche mientras dormía, le hubieran despojado del peso y la sustancia de su existencia profesional. La capacidad de hablar y escuchar en un escenario a eso se reducía todo y eso era lo que había desaparecido."
A pesar de la terapia y de las buenas intenciones de su representante Axler decide renunciar para siempre a los escenarios, el recuerdo de todos los personajes suicidas que ha interpretado le persiguen:
"Debería imponerse la tarea de releer esas obras. Si, hay que enfrentarse como es debido a lo horrendo. Nadie debería poder decir que no lo ha pensado detenidamente.
Con Axler se repite el personaje de otras  novelas de Roth, el desmoronamiento de un hombre triunfador en su profesión por un acontecimiento fortuito e inesperado que cambia su vida, en el "Sueco" de "Pastoral Americana" se debía al anarquismo de su hija, en los hermanos Ringold de "Me casé con un comunista" a la persecución maccarthysta, la injusta expulsión del decanato de la universidad de Coleman Silk en "La mancha humana". Axel vuelve a casa, abandonado por su público y por su compañera, sintiéndose viejo a sus sesenta y cinco años y fascinado con la idea del suicidio.
                              2__LA  TRANSFORMACIÓN.

Pigmalión
" A las cuales, porque Pigmalión las había visto pasando su vida a través
de esa culpa, ofendido por los vicios que numerosos a la mente
femínea la naturaleza dió, célibe de esposa
vivía y de una consorte de su lecho por largo tiempo carecía,
Entre tanto, níveo, con arte felizmente milagroso,
esculpió un marfil, y una forma le dio con la que ninguna mujer
nacer puede, y de su obra concibió el amor.
La metamorfosis- Ovidio.

Axler recibe la visita de Pegeen Mike Flaherty ,hija de unos amigos de profesión, a la que solo recuerda de cuando era un bebé. Pegeen es profesora ,tiene cuarenta años, es lesbiana y en ese momento mantiene una relación con su decana.
Axler recobra ilusiones y emprende cual Pigmalión la transformación de Pegeen, no solo fisíca,modificando su apariencia varonil ,obsequiándola con un nuevo vestuario mas femenino y joyas, también pretende que tras diecisiete años de lesbianismo, convertirla en una mujer heterosexual. La transformación será mutua, Pegeen con su liberalidad le convertirá en un hombre nuevo que recobrará la pasión, aunque solo la sexual, la profesional sigue en vía muerta.
"Todo lo que el  estaba haciendo era contribuir a que Pegeen fuese la mujer a la que el querría en vez de una mujer a la que otra mujer podría querer. Juntos estaban absortos en lograr que eso sucediera".
La relación sigue adelante, con la desconfianza y la desaprobación de los padres y el acoso e intromisión de la decana, Roth repite el tema hombre mayor-mujer joven de "La mancha humana" y de"Elegía".
                             3__ LA  HUMILLACIÓN.

Konstantin Gravilovich Trepliov:
Estoy solo, no hay afecto alguno
que me dé calor, tengo frío como en 
un subterráneo y cuanto escribo
es seco, duro, tenebroso. ¡ Quédese aquí
Nina, se lo suplico o déjeme partir con usted.
La gaviota.- Antón Chejov.

Eros, el deseo,el sexo, Axler se deja llevar por los peligrosos juegos eróticos y Roth los describe sin lirismos ni gazmoñerias como en muchas otrs de sus novelas.
" La rareza de aquella combinación habría desanimado a mucha gente, pero lo que tanto le excitaba era precisamente la rareza. Sin embargo, el terror también permanecía, el terror a volver a sentirse acabado sin remisión".
El engañoso rejuvenecimiento, los delirios prostáticos, hacen que Axler analice seriamente la posibilidad de tener un hijo, recuperaba la confianza y empezaba a sentirse capaz de volver a interpretar, en sus ensoñaciones imaginaba que Pegeen tenía un saludable bebé a la vez que el estrenaba el papel de James Tyrones en "Larga jornada hacia la noche".
La humillación llega, la relación acaba tan abruptamente como empezó. Pegeen le confiesa:
"No es lo que quiero. He cometido un error.
"Solo quería librarse de él y satisfacer el común y humano deseo de seguir adelante y probar otra cosa."
Humillación, muerte, Tanatos,  Axler solo le queda el último acto , la última representación sin público, le queda escoger el personaje, ni Willy Loman de "La muerte de un viajante", ni Otelo, ni Joe Keller de "Todos eran mis hijos", ni Bruto, solo podía ser el humillado y abandonado Konstantin de "La gaviota".
Pequeña gran novela , puro e íntimo Roth que se prepara para el final y que insiste en muchas de sus constantes aunque aquí prescinde del judaísmo y de la conciencia política e histórica de otras obras.

Cine: MIENTRAS SEAMOS JÓVENES

Está dirigida por Noah Baumbach, director y guionista norteamericano perteneciente a la misma generación que Wes Anderson, (Hotel Budapest), Spike Jonze, (Her) o Alexander Payne (Nebraska).  La única película suya que conozco es Frances Ha. La empecé a ver en TV y no consiguió interesarme.

Josh y Cornelia forman una pareja felizmente casada de creativos de mediana edad en Nueva York. No han podido tener hijos, aunque tampoco les ha importado. Josh da clases y trabaja en el montaje de Josh trabaja en su obra documental de seis horas que lleva elaborando durante la última década. Está claro que está bloqueado.
Es entonces cuando  conocen a Jamie  y Darby , una pareja de jóvenes espíritus libres, espontáneos y sin ataduras, dispuestos a dejarlo todo en busca de su próxima pasión. Para Josh, es como si se le hubiera abierto una puerta de vuelta a su juventud o a la juventud que quiso haber tenido y junto con su mujer  dejan de lado a los amigos de su misma edad para ir corriendo junto a estos jóvenes que parecen estar tan conectados…

La película enfrenta a las dos parejas a través del trabajo de producción de documentales. Josh decide ayudar a Jamie en la producción del suyo, pero sus valores éticos, sus gustos y sus criterios profesionales no coinciden. Jamie es un manipulador que adecúa la realidad a sus intereses, de la misma forma que trata de manipular a Josh para acercarse a su suegro, conocido productor.

Con un tratamiento en gran parte de comedia, la película toca, en mi opinión demasiadas teclas y cae, además, en algunos momentos, con una serie de escenas sin sentido ni gracia, como en la visita al guru. Es lástima que no desarrolle apenas a los personajes femeninos, especialmente el de Cornelia, sobre todo porque su intérprete, Naomi Watts, es lo mejor de la película. Tampoco la resolución con la discusión en el Lincoln Center me pareció afortunada.

Y es una pena ya que creo que el planteamiento de la historia, el encuentro con un matrimonio mucho más joven que, en cierto sentido, es una versión de ellos mismos con veinte años menos.Y la huida hacia delante dominada por los sombreritos irónicos, los tocadiscos de mercadillo y las clases de baile callejero. Es decir, el momento en que estar a la moda deja de convertirse en una elección y pasa a ser una ansiedad, daba para más pero se queda a mitad de camino.

Entre los intérpretes, ya he destacado a Naomi Watts. El resto, Ben Stiller, mas soportable que en otras ocasiones, Adam Driver y Amanda Seyfried, cumple.

En resumen aunque se deja ver, me pareció un tanto decepcionante, por lo que podía haber sido y no es.

CINE- MA MA-

Octava película del director vasco Julio Medem un director que nunca me ha dejado satisfecho, sus filmes tienen buena factura pero sus historias rozan la pedantería y sus personajes me resultan un poco excéntricos, dejé de seguirle desde Lucía y el sexo, Los amantes del círculo polar me parece su mejor obra, sus últimas películas el documental La pelota vasca y Una habitación en Roma, por distintos motivos generaron mucha controversia.

Ma ma se aleja bastante de sus películas anteriores, los personajes son más reales, más cotidianos sus vivencias más reconocibles aunque Medem no renuncia a dar a la historia un toque de realismo mágico.

Magda- Penélope Cruz- es una maestra que en espacio de pocos días ve derrumbarse su mundo, ingresa en el paro, su marido profesor de filosofía se va de vacaciones con la alumna de turno y a ella en una revisión rutinaria la descubren  un carcinoma de mama, al mismo tiempo en un partido de fútbol en que participa su hijo, conoce a Arturo-Luis Tosar- que justo en ese momento es alertado de un accidente que acaba con la vida de su hija y más tarde con la de su mujer .

Con estos mimbres y así contado caben dos soluciones,una huir de la taquilla o dos aceptar que el melodrama es un género que ha dado grandes películas y practicado por grandes directores como King Vidor, J.M Stahl, Douglas Sirk el más reciente Todd Haynes e incluso Almodovar que pienso no habría tenido ningún reparo en firmar esta película. El melodrama me parece un género de los más difíciles ,en cualquier momento se puede caer en la sensiblería, en el folletín ,incluso en el ridículo, creo que Medem ha bordeado todos estos peligros y ha salido solo medianamente indemne.

La trama continua ,Magda y Arturo se hacen compañia en sus desdichas, para acabar enamorándose, a Magda se la complica su enfermedad y queda embarazada, y no contaré más.

Esta película es Penélope Cruz, queda muy lejos aquella jovencita desenvuelta pero gritona, ha llegado a su madurez artística, está perfecta en este papel de madre enferma con una gran contención en las escenas más dramáticas y a la vez capaz de ironizar con su enfermedad, tenemos Goya seguro.

Luis Tosar siempre está bien es sin duda uno de los mejores actores de este país, y en esta película hace de hombre bueno religioso, pero a la vez tolerante con el agnosticismo de Magda, sin duda será nominado por esta o por cualquiera de las pendientes de estreno, pues siempre acierta.

Asier Etxeandía es más que un actor, hay en el mucho de hombre orquesta desde que debutó como maestro de ceremonias en el musical Cabaret, aquí interpreta el papel menos creíble ,el de ginecólogo que se implica con la enferma llegando a una íntima amistad que sirve de eje a una historia transversal la de Natasha ,una niña rusa en espera de adopción que se vincula de alguna manera a la niña que nacerá de Magda, Medem aprovecha sus aptitudes vocales y le convierte en un médico que canta.

También cumple bien el niño Teo Planells al que vimos en La gran familia española, Álex Brandemühl hace de marido y Medem nos hace un guiño dando un pequeñisimo papel a Silvia Abascal .

Buena fotografía de Kiko de la Riva -Blancanieves- que quizás abusa de los planos cenitdíaales.

Película dura aún con mensaje final que intenta ser optimista, que se refleja en ese corazón que deja de latir coincidiendo con el llanto de la niña que nace.

CINE- EL SECRETO DE ADALINE

Película norteamericana del director Lee Toland Krieger, desconocido para mí aunque esta es su cuarta película.

Adaline Bowman ( Blake Lively) nacida en 1908 es una mujer 

feliz, con clase, casada con un ingeniero y madre de una hija, el marido muere en un accidente durante la construcción del Golden Gate, luego ella a la edad de 29 años durante una insólita nevada en California cae con su coche al río quedando en un estado anóxico, un rayo actúa como desfibrilizador y la produce una extraña reacción vuelve a la vida y permanece inmune al paso de la edad. 

Condenada a vivir eternamente viendo a su hija y  amigos envejecer, despierta la curiosidad de la policía y el FBI,para evitar convertirse en objeto de estudio decide cambiar de identidad y domicilio cada diez años. Adaline no elude enamorarse pero si evita el compromiso, la situación cambia al conocer a Ellis (Michiel Huisman ) con el que está dispuesta a sincerarse e intentarlo pero una situación inesperada ocurre al conocer a su familia.
La película se deja ver pero a mi gusto deja bastante que desear, la protagonista se supone que cuenta con más de cien años pero igual  podrían ser doscientos, resulta que no sabemos nada o casi nada de lo que la ha acontecido en ese tiempo como la ha afectado los distintos contextos históricos que la ha tocado vivir, al realizador solo parece interesarle la melodramática historia de amor, bastante anodina y empalagosa.
Tampoco aprovecha el toque fantástico o mágico que podría tener, al contrario se empeña en darle una explicación cogida por los pelos, todo lo contrario de lo que sucedia con el personaje de Benjamín Button en la película de David Fincher.
Destacar la elegancia de Blake Lively y la veteranía de Ellen Burstyn que interpreta el papel de su hija y sobre todo la aparición de Harrison Ford que levanta un poco la película en su segunda mitad.
No cabe más que sentir lástima por este personaje que tiene un album de fotos con todas las mascotas que ha visto morir y que busca la amistad de una amiga ciega que no apreciará su no envejecimiento.
 

Teatro: BAJO TERAPIA

Estrenada en enero de este mismo año en Buenos Aires y escrita por el autor argentino Matías del Federico,  se representa, con notable éxito de público (la sesión a la que yo asistí estaba al completo), en los Teatros del Canal, en Madrid. La obra ganó en su país  el certamen Contar 1,  que busca estimular las obras de dramaturgia local en la cartelera comercial y también de eliminar prejuicios de algunos autores que descartan escribir para este circuito. La adaptación la ha realizado David Serrano, que ha dirigido en teatro La venus de las pieles, Lluvia constante y Buena gente, entre otras, y es autor de guiones y director de algunas películas y cortos. El responsable de la puesta en escena es el también argentino Daniel Veronese  que se presentó en España hace unos años con Mujeres soñaron caballos, de la que también es autor, y ha dirigido  Los hijos se han dormido, una adaptación de la Gaviota de Chejov, y ¿Quien teme a Virginia Wolf?, entre otras.

En una noche de viernes tres parejas participan en una sesión muy particular. Antonia, la psicoanalista que comparten en privado por parejas, les ha citado en un salon impersonal y minimalista.  En el salón no hay nadie, nadie les espera, y las tres parejas no saben muy qué hacer. Es la primera vez que se ven. Todo se aclara cuando alguien descubre en una mesa una nota de la psicóloga. “No os habéis equivocado”, leen atónitos. “Es una sesión que vais a dirigir vosotros mismos en una terapia de grupo. Hay ocho sobres que tendréis que ir abriendo numéricamente y haciendo lo que allí leáis”. Menudo marrón, piensan todos, pero se animan a ello con más o menos entusiasmo.  Los seis personajes se sentirán impulsados a expresar el lado oculto de su vida en pareja descubriendo años de mentiras y verdades, de amor y desamor, de iras y cariños desvelando con humor las frustraciones, desencuentros íntimos, engaños y conductas violentas de cada cual. En resumen, el enredo de la vida en común de la pareja.

La obra se mueve claramente dentro de la línea del teatro de Jordi Galcerán. Un teatro bien construido, con diálogos ágiles, mucho ritmo, continuas sorpresas que rompen el discurso y un desenlace que rompe con todo lo anterior. Concretamente la sombra de El método Gronholm está continuamente presente tanto en el desarrollo de la trama como en el desenlace.

Teatro comercial, bien construido, pero, como en el caso de Galcerán, falto de una mayor profundidad y con un desenlace donde prima la sorpresa sobre la lógica, pero tan sobrecogedor y amargo, que el público se queda petrificado y sin aliento. Como se decía hace años en La Codorniz, tiemble después de haber reído.

La puesta en escena y la interpretación son tan eficaces como la obra. Manuela Velasco (Todos eran mis hijos, Feelgood y la serie de películas REC), Melani Olivares (Aida) y Carmen Ruiz (Mujeres, Las dos bandoleras) son las actrices. Gorka Otxoa (Pagafantas), Fele Martinez (Tesis, Continuidad de los parques, El gran teatro del mundo) y Juan Carlos Vellido (al que no recuerdo haber visto antes) los actores. Todos ellos cumplen su cometido aunque de destacar a alguien, sería Carmen Ruiz para bien  y Gorka Otxoa para menos bien. Pero están muy condicionados por sus personajes.

Teatro comercial un tanto alejado de lo que se espera de Veronese pero digno y eficaz.

Por cierto que dentro del panorama teatral para el último trimestre destaca la programación de los teatros del Canal. Una versión de El Principe de Maquiavelo con Fernando Cayo, Escenas de la vida conyugal de Ingmar Bergman con Ricardo Darín, La clausura del amor con Barbara Lennie e Israel Elejalde y La viuda alegre con Natalia Millán son el poker de ases de la temporada.

Cine: CORAZON SILENCIOSO

Dirigida por Bille August, de quien se pensó en sus inicios como director que podía ser considerado como el sucesor de Ingmar Bergman, del que fue amigo y del que llevó a la pantalla un guión autobiográfico, Las mejores intenciones (1992), aunque había sido otra película, Pelle el conquistador (1988), la que le había dado el Oscar a la mejor en habla no inglesa y la Palma de Oro en Cannes. Desde entonces su carrera se desarrolló en EEUU sin títulos especialmente destacables. Recuerdo dos adaptaciones de novelas (La casa de los espíritus, -1993- y Los miserables -1998-) muy poco atractivas.

Corazón silencioso nos presenta un fin de semana en la familia de Esther. Además de su marido están sus dos hijas, sus parejas, el hijo de la mayor y una amiga de la familia. Pero no es un fin de semana normal. Esther padece una grave enfermedad degenerativa y ha decidido, con el acuerdo de sus hijas y marido y la ayuda de este, poner fin a su vida. Se trata, en realidad, de "la fiesta de despedida", como se titulaba una reciente película israelí que comenté hace unos meses.

El tema de la eutanasia ha sido tratado en numerosas ocasiones en el cine. Desde Mar adentro hasta la mencionada La fiesta de la despedida, pasando por Million dollar baby y Amor entre otras muchas con muy diversos tratamientos.

En esta ocasión da pié, por una parte, a conocer los sentimientos de la pareja que ha llegado a tomar esa decisión y por otra analizar las figuras de sus dos hijas, muy distintas entre si, y sus relaciones con sus respectivas parejas. 

Película de sentimientos, pues, pero con poco conflicto. Tan solo el hecho de que las dos hijas se verán inclinadas a retirar su apoyo a la decisión de sus padres, por un malentendido en el caso de la mayor y como muestra de su propia inestabilidad en el caso de la pequeña.

La historia se desarrolla en un espacio limitado, la casa de los padres en el campo, lo que nos recuerda algunas películas de Bergman y su isla de Faro. Aunque se trata de un guión original, podría fácilmente convertirse en obra teatral. En este sentido, me recuerda a Agosto, obra de teatro llevada posteriormente al cine que, como recordareis, se desarrolla en la casa de los padres donde se reúnen las tres hermanas cuando el padre desaparece. Lo que pasa es que al contrario que allí, donde había un exceso de conflictos, aquí se echan de menos.

Buena interpretación. Esther es Ghita Norby, quien a sus 79 años compatilizaba el rodaje con dos obras de teatro. Y la hija mayor es Paprika Steen, que ganó el premio a mejor actriz en San Sebastián. También aparece Pilou Asbaek ha quien hemos podido ver en la serie de TV Borgen.

En resumen película apreciable sobre un tema controvertido, aunque en esta ocasión ninguno de los personajes parece tener dudas sobre su conveniencia.

Cine: UN DIA PERFECTO

Dirigida por Fernando Leon de Aranoa, que es también autor del guión. Se trata de una producción española con un notable reparto internacional, encabezado por Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko (Quantum of Solace, 2005) y Mélanie Thierry.

Se trata del sexto largometraje dirigido por León de Aranoa, que ya con el primero, Familia (1996), obtuvo el Goya a la mejor dirección novel. Después Barrio (1998), Goyas a la mejor dirección y mejor guión original, Los lunes al sol (2002), cinco Goyas, entre ellos mejor película y mejor dirección, Princesas (2005), tres Goyas y Amador (2010). Tiene además un Goya al mejor documental por Invisibles (2007)

Estamos pues ante uno de los directores y guionista más premiados del cine español y creo que con razón ya que todas sus películas son muy apreciables e interesantes y Los lunes al sol es, para mí, una de las mejores películas españolas de este siglo.

Un dia perfecto nos muestra 24 horas de la tarea de un grupo de cooperantes en una zona de guerra donde los cascos de las Naciones Unidas tratan de controlar la situación. Es un grupo reducido, Sophie (Mélanie Thierry) poco experimentada,  Mambrú (Benicio del Toro) un veterano a punto de dejar la zona y volver a casa para casarse, B (Tim Robbins), otro veterano, totalmente desarraigado y un intérprete local, Damir (Fedja Stukan). A ellos se unirán a lo largo del dia, Katya (Olga Kurylenko), que tuvo una relación con Mambrú, encargada de evaluar si la situación, una vez firmado el alto al fuego,  justifica mantener la cooperación y un niño, Nikola (Eldar Residovic), en busca de un balón de fútbol.

El relato comienza con el intento por parte del grupo de sacar un cadáver de un pozo en una zona de conflicto. Alguien lo ha tirado dentro para corromper el agua y dejar sin abastecimiento a las poblaciones cercanas. Pero la tarea más simple se convierte aquí en una misión imposible, en la que el verdadero enemigo es la irracionalidad. Y el grupo se ve obligado a recorrer el paisaje bélico tratando de resolver la situación, entre la incomprensión tanto de la población local como de las fuerzas de la ONU.

La película es un homenaje a esas personas que desarrollan una labor humanitaria en unas situaciones muy poco dadas a los sentimientos humanos. Y lo hace de una forma que recuerda algunas películas de Howard Hawks, donde un grupo de profesionales se afana en trabajar a la vez que viven sus propios conflictos. (Solo los ángeles tienen alas, Hatari, Peligro línea 7000 y algunos de sus westerns). Y lo hace con eficacia y apoyado en unos buenos actores entre los que sobresale un extraordinario Benicio del Toro. 

El único pero que le encuentro a la película es la falta de un mayor conflicto central. Existen una sucesión de conflictos tanto profesionales como personales, pero faltos de intensidad, demasiado fríos, como si faltara un gran objetivo que aglutinara el conjunto. Como si se quedara corto en la carga emotiva de esos conflictos. Y mi error de ver la versión doblada. Esta película hay que verla en versión original.

En cualquier caso me parece una película muy recomendable.