Cine: JULIETA

Creo que a estas alturas nadie puede dudar de la importancia de Pedro Almodóvar en el panorama del cine español. Ganador de dos Oscar (mejor guión -Hable con ella- y mejor película en lengua no inglesa -Todo sobre mi madre-) y con otras dos candidaturas, ganador de dos Globos de oro, con otras cinco candidaturas, cinco premios Bafta (academia británica) y seis candidaturas, seis Goya sobre más de veinte candidaturas, premios de las academias francesa e italiana, Premio nacional de cinematografía y Premio Príncipe de Asturias, entre otros avalan su carrera. Es además un director que tiene un estilo propio que hace que la mayor parte de sus películas sean tanto argumental como formal y visualmente reconocibles. Todo lo cual no impide que la mayor parte de sus películas no me satisfaga. 

Llega ahora la que creo que es su vigésima película, Julieta. Las tres que dirigió después de Volver, su mejor película en mi opinión, no las fui a ver al cine y aunque tuve oportunidad de verlas en TV, lo cierto es que no las ví enteras. En el caso de la última, Los amantes pasajeros, la quité al cabo de unos minutos por que me hacía sentir vergüenza ajena.

Julieta nos cuenta el drama de treinta años de la vida de una mujer, centrándose en algunos momentos.  Su enamoramiento de Xoan, un pescador con el que tiene una hija, Antía. La muerte de Xoan en el mar. La huida de la hija cuando alcanza la mayoría de edad. La búsqueda, el intento de comprender la razón de ese abandono y la posibilidad de un reencuentro. Todo ello basado en tres relatos de Alice Munro, incluidos en su libro Escapada: Destino, Pronto y Silencio. No los conozco. Voy a ver si los consigo.

No me convenció la estructura narrativa de la película. A partir de la decisión de Julieta de abandonar Madrid con su nueva pareja para instalarse en Portugal y su posterior encuentro con una antigua amiga de su hija quien le informa que se la encontró en algún lugar de Italia, Julieta  cambia de opinión y se queda en Madrid. Y empieza a escribir una carta a su hija, una analepsis que abarca gran parte de la película. Aparte de que no me gusta el recurso de una carta de cuyo destinatario no se conoce el paradero, el relato se va desarrollando con una acumulación de elementos dramáticos que  me parecieron, en muchos casos, sin más justificación que llevar el relato a donde el autor quiere, sin una motivación lógica en los acontecimientos que nos narra. Todo para conducirnos por el permanente sentimiento de culpa con el que carga la protagonista. Y una galería de secundarios recargada de dramatismo. El que luego será su marido, tiene una esposa enferma terminal. La madre de la protagonista está también muy enferma  y su padre se lía con la chica que la cuida. Su hija establece una repentina y gran amistad con otra chica, Bea, en un campamento de verano, lo que dará lugar a una serie de circunstancias un tanto forzadas para que avance la historia por el camino que le interesa al autor.  

Me gustó el personaje de Rossi de Palma, una especie de señora Danvers (Rebeca), una sirvienta arisca, que se constituye en motor dramático de la historia, pero, en cambio, personajes como la madre de Bea (Pilar Castro), su nueva pareja (Darío Grandinetti) o la amiga ¿fiel o infiel? (Inma Cuesta) me parecen ficticios. Están ahí como postes de dirección para guiarnos en el drama por donde Almodóvar quiere. 

No obstante lo expuesto, la película mantiene el interés. Nos habla del destino, del complejo de culpa y de ese sentimiento que puede hacer abandonar a las personas a las que se ama, haciéndolas desaparecer de la vida como si nunca hubieran significado nada. Del dolor que provoca el abandono de un ser querido. Y lo hace, con un lenguaje visual lleno de símbolos y referencias, en muchos casos, a sus propias películas anteriores. Dice Almodóvar que las películas hay que verlas más de una vez para poder apreciarlas. Creo que, en muchos casos, esta afirmación es cierta. Es posible que Julieta gane en una segunda visión. Pero me temo que seguiré encontrando los mismos defectos narrativos.


Un detalle interesante de la película es la utilización de dos actrices diferentes para el personaje principal. Como la película se desarrolla a lo largo de treinta años, el utilizar a una misma actriz hubiera supuesto un trabajo de caracterización que hubiera restado credibilidad. Es cierto que, por ejemplo, en Isabel, la serie de TV, la misma actriz representa a la reina a lo largo de más de treinta años, pero en cualquier caso no me parece una mala decisión, aunque existe poco parecido entre las dos actrices. Estas son Adriana Ugarte y Emma Suarez, 31 y 51 años de edad en la realidad. Me gustó más Emma, con un papel que se presta más al lucimiento dramático.

El resto de los intérpretes figura en personajes secundarios  cuando no esporádicos, aunque el elenco es espectacular. Xoan es Daniel Grao, popular por varias series de TV, ha brillado en La piedra oscura que ganó ayer el Premio Max a la mejor obra teatral, premios en los que era finalista como mejor actor y anteriormente en La avería, por la que fue ganador de mejor secundario. Antía es Blanca Parés, popular por El secreto de Puente viejo. Rossi de Palma es Marián, la sirvienta gallega que desencadenará el drama. Y en papeles más secundarios  Inma Cuesta, Susi Sanchez,  Michelle Jenner, Joaquin Notario, Nathalie Poza, Darío Grandinetti, Pilar Castro...

En resumen, aunque no me gustó, creo que es una película tan interesante como discutible, muy en la línea del cine de Almodóvar, que cuenta, además, con un notable diseño visual. 

Teatro: JUICIO A UNA ZORRA

Estrenado en el festival de Mérida y en noviembre de 2011 en La abadía, este monólogo lleva ya mas de cuatro años representándose por toda España e incluso en el pasado otoño por Mexico, Uruguay y Argentina. No tuve oportunidad de verlo en ninguna de las dos temporadas en que estuvo en La abadía y ha sido ahora, cuando ha llegado al teatro Mira en Pozuelo, que por fin lo he hecho. Por cierto que esta representación no ha estado exenta de polémica, tras unas declaraciones en el diario El mundo del autor y director Miguel del Arco en que denunciaba la supuesta censura de la obra por parte del Ayuntamiento de Pozuelo. Finalmente, haya sido cierta o no esa censura, la obra se ha representado y con un teatro lleno de un público que aplaudió con entusiasmo.

  
La obra es una revisión del personaje de Helena y la guerra de Troya, contada por ella frente a nosotros en un hipotético juicio. Un repaso a su historia, un texto por el que aparecen muchos de los personajes que hemos conocido a través de la épica y las tragedias clásicas. Teseo, Menelao, Agamenón, Ulises, Aquiles, Paris, Hécuba, Ifigenia... Una guerra que define en dos frases:  "Había que arrasar una ciudad entera y aniquilar a toda su población para encontrarme: una noble y humanitaria afición que no se ha perdido con el transcurrir de los siglos".  

Aunque, como ya he dicho en varias ocasiones, no soy partidario de los monólogos, creo que en esta ocasión se han combinado un texto inteligente, documentado y cuidado con una intensa interpretación de Carmen Machi para dar lugar a una representación que merece verse. Una Carmen Machi que confirma las buenas impresiones producidas en obras tan dispares como la Antigona que pudimos ver el año pasado en La abadía y Agosto, hace ya unos años en el Valle Inclán. Y que me hizo venir a la memoria otro montaje de Miguel del Arco, La violación de Lucrecia, con Nuria Espert, otra interesante aproximación a los clásicos. 

Y destacar, una vez más, la línea de programación teatral del Mira que en estos meses nos ha seguido presentando una serie de obras interesantes. Ojala que el Patronato de cultura tuviera el mismo nivel en el resto de actividades.

Cine: EL JUEZ (L'hermine)

El Juez fue premiada en el Festival de Venecia como mejor guion y mejor actor. Tambien consiguió el premio a la mejor actriz secundaria en la entrega de los César (los Goya del cine francés). Está dirigida por Christian Vincent, un director con no muchas películas pero que debutó hace ya 25 años con La discreta, interpretada al igual que El juez por Fabrice Luchini. Luchini es un conocido actor francés que ha trabajado desde los años 70 con los grandes directores franceses, Rohmer, Godard, Chabol, Costa-Gavras, Lelouch... Últimamente le recuerdo como protagonista de En la casa, la interesante película basada en El chico de la última fila de Juan Mayorga. 

Michel Racine (Fabrice Luchini) es el temido presidente  del Tribunal Penal de Saint-Ome, severo, honrado y en pleno proceso de divorcio, En el juicio por la muerte de un bebé de pocos meses encuentra entre los miembros del jurado popular a una mujer, una médico, que le atendió en una grave enfermedad seis años atrás y de la que quedó secretamente enamorado. Desde entonces sus vidas han cambiado y el reencuentro podría servir para cambiar algunas cosas. 

La película se desarrolla en gran parte en la sala del Tribunal durante el juicio y en un restaurante cercano donde acuden los miembros del jurado para comer y nos narra, por una parte, el desarrollo del juicio y por otra el reencuentro del juez con la mujer ( la actriz danesa Sidse Babett Knudsen, popular por la serie de TV Borgen, por cierto, muy buena serie). Se centra en el retrato del personaje del juez, un excelente personaje, un hombre que parece no tener sentimientos, que no cree ya en casi nada y que le da igual lo que piensen de él. Pero algo se despierta en su interior al ver a esa mujer. Y, a la vez, nos da una descripción, demasiado prolija en mi opinión, del sistema judicial francés, mostrando en el jurado la diversidad de la sociedad francesa actual.

La película está bien, se sigue con cierto interés, destacando los dos interpretes principales y su relación en ese entorno judicial. Y también los dos personajes centrales del juicio, el acusado y su mujer. Pero es lástima que en el tratamiento del caso que se juzga se quede en la superficie y no se sepa finalmente la verdad de lo ocurrido, parece que de forma intencionada, porque como el propio juez dice de los  juicios, “la verdad solo la saben ellos”.

Quiza os preguntéis como hice yo, la razón del título original de la película, L'hermine (el armiño). Hace referencia a la piel que lleva en la toga el presidente del tribunal y que representa la autoridad.

Teatro: LOS VECINOS DE ARRIBA

Los vecinos de arriba es el debut teatral como autor y director de Cesc Gay, director de películas tan notables como En la ciudad y Truman. La obra se estrenó en Barcelona la temporada pasada, con gran éxito, y ahora llega al teatro de La Latina en Madrid con un reparto diferente.

Ana y Julio son una pareja en crisis. Una noche Ana invita a cenar a sus vecinos de arriba, Gloria y Brian para enseñarles el  piso y agradecerles la ayuda que les dieron cuando se instalaron en el edificio, seis meses antes. Una invitación que han ido retrasando y que a Julio no le apetece nada pero que pretende aprovechar para reprocharles las ruidosas expresiones amorosas con que les incomodan. A medida que avanza la velada, Ana y Julio van descubriendo las tendencias sexuales de sus vecinos, y les lleva a replantearse su propia relación de pareja, que está llena de reproches e inmersa en la monotonía. 

El tema de la pareja en crisis es, sin duda, uno de los que más veces se ha puesto en escena, tanto en cine como en teatro. En esta temporada, sin ir más lejos, he podido ver en el escenario La clausura del amor, La respiración, Escenas de la vida conyugal y Bajo terapia. Porque, como dice el autor de esta obra, vivir en pareja es una de las aventuras más grandes y ambiciosas que se pueden experimentar. Y dentro del género, la variante de confrontación entre los planteamientos de dos parejas distintas tiene también notables antecedentes, que pueden ir desde el drama de ¿Quien teme a Virginia Wolf? hasta la comedia de Un dios salvaje.

Cesc Gay ha construido una comedia agridulce. Nos encontramos con un matrimonio que discute más que habla. Ella se preocupa por mantener buenas relaciones con los vecinos y quedar bien, él  parece haber hecho del sarcasmo su modo de comunicación verbal.  La otra pareja, Gloria y Brian, en cambio, parece encontrarse en su plenitud, al menos en el aspecto sexual, y les sorprenden cuando se excusan por su comportamiento y al mismo tiempo les cuentan todas las fiestas sexuales que celebran en su piso.  Como ella es psicóloga, la reunión acabará derivando en una "terapia de pareja". 

La primera parte de la obra está muy bien. Sirve para presentarnos a los personajes y sus conflictos con unos diálogos brillantes y un ritmo excelente. Pero una vez que se plantean las posiciones opuestas en cuanto a las relaciones sexuales entre las parejas, la obra se decanta por unas réplicas que tan sólo parecen buscar (y conseguir) las risas cómplices del público, para llegar a una conclusión, la terapia dirigida por Gloria, que me pareció bastante forzada. En este sentido hay que destacar que la obra me pareció muy bien dialogada y no tan bien desarrollada dramáticamente. Y toda ella con un ritmo muy bien conseguido.

La interpretación me gustó. Ana es Candela Peña que debuta sobre el escenario. No la vi del todo cómoda en sus movimientos, como falta de costumbre, pero estoy seguro de que con unas representaciones más se encontrará a gusto. Julio es Xavi Mira al que no recuerdo haber visto con anterioridad aunque, al parecer, ha intervenido en bastantes series populares de TV. Dota muy bien a su personaje de agresividad y sarcasmo. A Pilar Castro la he visto en otras ocasiones tanto en teatro como en cine y TV. Me parece una buena actriz que aquí tiene el personaje menos atractivo, Gloria, que parece construido para justificar la terapia de pareja con que se resuelve la obra. Andrew Tarbet es Brian, el personaje bombón de la obra, que con  desfachatez, total falta de prejuicios y sin morderse la lengua, da rienda suelta a la comicidad. Actor canadiense afincado en Barcelona. Da la sensación de que el personaje de bombero canadiense, se ha adaptado a su personalidad. Muy eficaz. Como eficaz es la obra a juzgar por las continuas (y excesivas, en mi opinión) risas del público y los aplausos finales.

En resumen una obra muy adecuada para pasar el rato, pero yo esperaba más de su autor. Me ha pasado con Los vecinos de arriba lo que con El crédito de Jordi Galceran, creo que de sus autores hay que esperar menos superficialidad. Son capaces de obras de mayor enjundia. Cesc Gay ya lo ha demostrado en sus películas.

Cine: HITCHCOCK TRUFFAUT

En 1951 apareció en Francia una revista dedicada al cine, Cahiers du cinéma. Uno de sus fundadores era André Bazin, uno de los mas influyentes teóricos del arte cinematográfico y contaba en su redacción con gente como Jean Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol y Jacques Rivette y como editor a Eric Rohmer. Todos ellos nombres ligados a la Nouvelle vague que renovó el cine francés y tuvo gran influencia en el del resto de los países. Uno de los puntos básicos de esa revista fue el establecimiento del concepto "Cine de autor" y la reivindicación de un puñado de directores del cine americano como autores. Uno de esos directores fue Alfred Hitchcock al que consideraban junto con Howard Hawks y John Ford, los únicos directores capaces de expresarse exclusivamente con imágenes.

Truffaut y Chabrol entrevistaron a Hitchcock durante el rodaje de Atrapa un ladrón en 1955 y allí se estableció una buena relación entre ellos. En 1962, Hitchcock se encontraba en la cima de su creatividad, y Truffaut ya había hecho Los 400 golpes y Disparad sobre el pianista. La admiración de Truffaut por el director inglés había seguido creciendo y le llevó a proponerle la realización de una entrevista sobre un cuestionario de 500 preguntas. Esa entrevista se llevó a cabo en Los Ángeles durante una semana de agosto de 1962 y dio lugar posteriormente a un libro, El cine según Hitchcock, editado en 1966.

Trailer


 Medio siglo después de la publicación de este libro, a partir de las grabaciones originales de la famosa entrevista, con las voces de Hitchcock, Truffaut y la traductora Helen Scott, y con la colaboración de algunos directores que se prestaron a compartir sus impresiones  sobre diferentes aspectos de su cine, el director Kent Jones elabora un interesante documental sobre la figura del maestro del suspense, uno de los autores con mayor dominio del lenguaje cinematográfico en la historia del cine y también sobre algunas de las películas de su entrevistador, Truffaut.

Kent Jones ya había llevado a cabo en 2010, junto a Martin Scorsese, una revisión de la obra de otro director importante en la historia del cine, Elia Kazan. En esta ocasión se acompaña del propio Scorsese y cuenta con directores tan populares como David Fincher (Perdida, Zodiac), Richard Linklater (Boyhood), Steven Spielberg, Wes Anderson (Gran hotel Budapest), James Gray (La noche es nuestra, Two lovers), Kiyoshi Kurosawa, y otros algo menos conocidos en España como Paul Schrader, Olivier Assayas y Arnaud Desplechin, para glosar la obra de Hitchcock.

El documental está muy bien, aportando sobre el libro la posibilidad de oír las voces originales y, en ocasiones los matices de sus palabras. Pero para mi que he leído y disfrutado el libro queda muy incompleto. Este es un libro que tiene que ser leído a la vez que se reproducen las diferentes películas a las que hace referencia y se analizan las secuencias, tal como se hace en el libro. El documental se centra en Vértigo, quizá la mas incomprendida de sus películas, Psicosis y Los pájaros. Pero la obra de Hitchcock abarca más de 50 películas y no puede limitarse a esos pocos títulos.

En resumen, un documental muy atractivo y recomendable pero poco profundo. Como se suele decir, me gustó más el libro.   

VENÍAN A BUSCARLO A ÉL--BERTA VIAS MAHOU- Algo más sobre Camus.

Venian a buscarlo a él.
Berta Vias Mahou.
Editorial Acantilado.
232 Pag.

Camus visto por Rául Arias

Berta Vias Mahou es una escritora madrileña (1961 ) llegada a la escritura procedente de la traducción del alemán, muy ligada a la editorial Acantilado donde ha traducido a los grandes autores centroeuropeos como Stefan Zweig, Arthur Schnitzler, Joseph Roth, Ödon von Horváth......en la actualidad también colabora con El País Semanal con una columna llamada " Morbus Naúticus".
Su obra comprende ensayos, libros infantiles, siendo  esta novela la tercera escrita para adultos y que ha sido galardonada con el premio Dulce Chacón 2011, este premio se entrega sobre obra ya editada y el jurado está presidido por la escritora Rosa Regás.

En esta novela Berta Vias Mahou nos translada a los últimos años de vida de Jacques Cormery (Alter ego de Camus),su muerte que aconteció en accidente de automóvil en el año 1960, fue en su día objeto de sospechas sobre si fue realmente fortuito o fue provocado; la novela especula con esta última posibilidad apoyada por la premonición y pesadilla recurrente que persiguió por vida a Camus de que algún día vendrían a buscarlo, y es que no le faltaron enemigos,se los había granjeado por su amor a la justicia y a la verdad, para él Egalité, Liberté et Fratenité eran mas que palabras hueras, eran una norma de vida, por ello la condena al régimen stalinista y la defensa de la identidad del pueblo argelino le convirtió en enemigo del partido comunista francés y de los intelectuales de izquierda con Jean Paul Sartre a la cabeza; la condena de los atentados terroristas le convirtieron en enemigo de los partisanos del FLN argelino y otras facciones árabes y la condena de los excesos de la represión de los militares franceses y parte de los colonos le convirtieron en enemigo del aparato del Estado, la búsqueda de una tercera vía para Argelia le convirtió en enemigo directo de Ben Bella.
              "La tortura y la brutalidad no eran patrimonio exclusivo de ningún bando. El odio se alimenta del odio en cualquier cultura. Y cuando ya ha crecido bastante se llama nacionalismo. A veces como ahora ,Jacques sentía en su interior la tentación de dejar de hacerlo para siempre. Dejar de escribir y limitarse a vivir, a amar,una tarea de titanes, para compensar el miedo y el dolor, el sufrimiento y la angustia, tan presentes en tantas vidas, en tantos puntos de la tierra, pero el impulso de escribir, de luchar contra la mentira y la violencia, contra el totalitarismo y la injusticia, acababa siempre por vencer. Y una vez mas volvió a apoderarse de él" 
La novela consta de doce capítulos sin numeración y titulados con fragmentos de frases del propio Camus extraídos en su mayor parte de "El primer hombre" y de "El hombre rebelde".
Los capítulos van alternado, los dedicados a Camus en plena escritura de su novela inacabada "El primer hombre", cuyo manuscrito llevaba consigo en el mortal accidente, en ellos Berta Vias Mahou traslada al lector la admiración que sin duda siente por la figura del escritor y del hombre, se acerca a sus dudas, sus miedos, sus infidelidades, los recuerdos de su familia, de su añoranza por su Argel natal, su lucha con la tuberculosis, sus planes de futuro como escritor decidido a comenzar una nueva etapa dejando atrás el absurdo y la rebeldía y centrándose en el reconocimiento de su pasado y el amor que había sentido por los suyos y por las gentes pobres, sencillas y humildes que conoció en su infancia y juventud :
              "Ahora tocaba el amor. Quería recuperar su pasado, su infancia, aquel mundo sencillo del que había tenido que salir, pero que no olvidaría jamás y al que sentía que había traicionado. De algún modo, aquellos tres ciclos eran como las tres transformaciones del espíritu de las que hablaba Zaratrusta".
En otros capítulos, paralelamente, la trama versa sobre la especulación de atribuir el accidente a una conspiración del FLN, y es aquí donde la novela se convierte en un juguete literario de metaficción, donde personajes reales conviven con personajes del universo literario de Camus intervinendo directamente en la acción de la novela, así : Albert Camus es Jacques Cormery que es el nombre que él adoptó como alter ego en "El primer hombre", Jean Paul Neant es Jean Paul Sartre su enemigo íntimo " Con esa manera tan suya de mirar con el ojo derecho unos crímenes, y denunciarlos, y con el izquierdo otros, para ocultarlos. Una moral estrábica",Bernard Rieux el doctor  de "La peste" situado ahora en Argel como valedor de Marie Cardona y su hijo Antoine fruto póstumo de su corta relación con Meurseault " El extranjero" incluso un loro llamado Calígula, que se había olvidado de hablar, una Marie que ocultaba la verdad sobre su padre a Antoine.: " Si un hombre no tenía derecho a matar a otro y no debía tenerlo ¿porqué la sociedad podía?, se había preguntado ella muchas veces. Una sociedad que en buena parte le había llevado al patíbulo por no llorar en el entierro de su madre, por no haber querido verla cuando ya se encontraba en el atáud, por fumar un par de cigarrillos e incluso dormirse en el velatorio....No le había contado la verdad a su hijo. No había tenido valor. Aún no lo tenía. Él creía que era viuda de guerra, como las madres de tantos en el colegio y en el vecindario." 
Los terroristas argelinos "Los hijos de Caín" que se encargan de planificar y perpetrar el atentado recuerdan a los personajes de la obra teatral "Los justos" con sus dudas y falsas justificaciones:

"En la Rusia de principios de siglo habríamos tenido que esperar a nuestro objetivo en una esquina y haberle arrojado una bomba entre las piernas .Kamel era un romántico. Hasta para hacer pedazos a la gente pensaba que había que tener estilo."

"Kaddour comtempló el cadáver durante unos instantes. Una honda impresión se apoderó de todo su cuerpo. Había llegado a admirar a aquel hombre, después de leer algunos de sus escritos, una serie de artículos en los que hablaba de la miseria en la que vivía el pueblo cabileño, de la necesidad de convivencia entre árabes y franceses. ¿Y si tenía razón? Recordó algunas frases del doctor Rieux: Hay que intentar curar todo lo que se pueda. Evitar la condenaci.on absoluta. Sintió que se ruborizaba frente a aquella nueva victíma......"
Recomiendo la lectura de este libro, la autora demuestra el conocimiento y la empatía por la obra de Camus, se mete en el personaje incluso su escritura se mimetiza con su estilo literario,prosa directa, frases y oraciones cortas, sobriedad y concreción no exenta de lirismo, perfecto para continuar con las lecturas de clase de "El extranjero" y "Meursault, caso revisado" de Kamel Daoud. La novela acaba:

"Un coche se puede quedar sin frenos, pero la libertad no tiene ruedas...Jacques siempre se había preguntado si se podían escribir libros como la mayor parte de los que el había publicado, si no debería haber compuesto únicamente un canto al amor y a la amistad.  ¿ Que sería ahora de su mujer, de sus hijos, de su madre analfabeta, anciana y sorda, allá en Argelia?. Los había dejado solos. Como desamparado se quedaría su libro. Hasta la muerte me será disputada, había escrito unos años antes. Y sin embargo, lo que hoy deseo en lo más hondo es una muerte silenciosa, que deje tranquilos a aquellos a los que amo.